Liste des 14 films que nous visionnerons
1. Ponette
0. Joyeux Noël
2. Les choristes
3. Le dîner de cons
4. Le placard
5. Au revoir les enfants
6. Romuald et Juliette
7. Sur mes lèvres
8. Une affaire de goût
9. La vie rêvée des anges
10. Cyrano de Bergerac
11. Ridicule
12. Amélie
13. L'auberge espagnole

1. Ponette (1996) Jacques Doillon  (97 mins.)

The story of Ponette could be called high-concept, summarized in a single sentence. "Four year-old Ponette loses her mother in a car accident,  cannot accept her absence, waits for her to come back from the dead." But this is not a simple concept like "U.S.  boxer Stallone beats the Russian champion." Ponette's grief and her hopes for Maman's return do not abate.  It is understandable in a girl who thinks of her beloved rag doll as a living creature.  When the child's loving father must go to Lyon on business, he leaves her for some time with his sister-in-law and her two kids. The little cousins, with alternating seriousness, playfulness and teasing, tell her that dead is dead:"Papi did not come backfrom the dead." Ponette's wonderful, poetic reply :"It's because no one waited for him." The solidly Catholic aunt has her own ideas about Resurrection ("like Jesus") or the power of God.Symbolic or contradictory abstractions confuse Ponette who firmly believes that Maman will materialize.  When Ponette's father, an agnostic, returns, he is irritated at Auntie's approach. "Dieu est pour les morts. Laisse-le tranquille." ("God is for the dead. Leave Him alone.")

Cut to a summertime boarding school in which mostly children somewhat older than Ponette --all extremely well observed and well played - contribute their own theories or advice. There is as well much  hilarious talk on subjects ranging from suppositories, to what "single people" means and who/what are the Jews. On all matters Ponette is referred to supervisor Aurélie, and to Jewish schoolmate Ada "who knows everything." "How is it that Ada knows all about Jews?" Answer: "Because Jesus was a Jew." Then comes an amusing discussion which confuses Catholic, Arabs and Jews in fanciful ways.

The dialogue, naive, fresh, imaginative, is not fabricated comic relief but typical of genuine talk of French children who, like so many in France, possess an astoundingly rich and grammatical vocabulary. The single error here is when Ponette says "J'ai mal à ma tête" instead of "J'ai mal à la tête."

Aurélie tries to help Ponette by introducing her to prayer. Ada -- who says she is a Child of God -  and pal Mathieu, want Ponette to become one. This entails passing a number of physical tests. e.g. a five-minute stay in a dumpster.  With elegant kindness Ada times this out after one minute.  When Ponette sleeps, she speaks to Maman who even visits her once. "She smelled good." But as she is reaching utter despair, somethi good and magical happens.  I can only disclose that the girl is "cured," accepts death's finality and starts out on the road to anormal life. After a single viewing I am still undecided: Is the ending hokey or is it is convincing culmination of a child's imagination

Since 1972 writer-director Jacques Doillon has made some 20 features, plus shorts and movies for television. Though unknown in the U.S., he is much admired in France for his original, intimate subjects (many of them about young people),  his skills with actors, his ear and eye for real life, his sympathetic and empathetic analyses and techniques. For example, here the camera stay almost always on the girl, with many closeups, yet smooth framing variations prevent monotony.

Doillon sent video crews to French preschools all over. Four- and five-year-olds were taped in interviews that elicited opinions on many topics, including death.  He then set up workshops, playing games, talking, doing skits with the selected children. This went on for six months. Then he wrote the screenplay using the workshop dialogues, and cast the children.

The movie spends an absolute, minimal time on adults and their backgrounds. In spite of unspecified times and places there is no feeling of incompleteness. The grownups screen is both necessary and sufficient. The older people are the supporting cast to the children, who themselves are the supporting cast for Ponette. The story belongs to Ponette.  Superbly directed,Victoire Thivisol becomes as real as a documentary shot by a hidden camera. Doillon, with no maudliness, recreates a specific case among universal traumas, in ways never quite seen before on the screen.  © by Edwin Jahiel

A second film review by Damian Cannon.

There are few transitions more traumatic than the loss of a parent, except perhaps the loss of both. It doesn't matter whether the end comes in a rush or extends for eternity, though the latter permits preparation. It doesn't matter whether you're young or old, though again the last allows a mature perspective.  When it happens the pain is unique and self-defining, a psychic dismemberment. Time seals wounds with scar tissue, but it can never dull the longing for one final conversation.  It's the loose ends that trip you up, the trap of childhood; if you were never given the opportunity to communicate your deepest feelings imagine how much stands unsaid.

This is the territory mined by Ponette, a study made remarkable by its intuitive, affecting script and a brace of astonishing performances. At the centre we have Ponette, a little girl who's just had her mother snatched from mortal grasp. Ponette's father does his best to trace the unembellished facts for her, all the while coping with an unvented volcanic anger. Unfortunately he works away from home, meaning that Ponette must live and mourn with her aunt Claire. Distanced from the tragedy, Ponette's cousins Matiaz and Delphine are unable to comprehend or penetrate her shell of grief.

Related entirely from Ponette's perspective, both physically and mentally, Ponette is dominated by the 4-year old Thivisol. Present in almost every scene, it's her guilt, pain and imagination that form our journey. Yet Thivisol amazes for more than just being the lead actress; her performance is textured, raw and  deeply uncomfortable. At times Thivisol melts from self-assurance to vulnerability in an eye-blink, without once passing through sentimentality. When Thivisol moans  "I want to talk to my mommy", this simple request is charged with want, need, hope and love. It's a desire that cuts right to the heart of our mother-dependence, the one person to whom we can run to, drawing strength and unconditional love from an embrace. Thivisol's presence is beyond artifice, it simply is.

Yet while Thivisol shines bright, all of the child actors are superb, seemingly unaware of Caroline Champetier's intimate lens. Each is natural, alive, cunning, naïve and trusting; qualities that any parent comes to recognise in their own offspring. A great deal of credit must, of course, be awarded to the dedicated Jacques Doillon. Drawing upon his interviews with thousands of nursery-school infants, Doillon pieces together a unique interpretation of the death process. The resulting script has an incredible feel for the child mind, a place of uncompromising reality tempered with absurdist confusion. This young brain has yet to sort through the torrent of answers, assumptions and nterpolations pouring in through the senses; the film captures this outlook with atomic precision, never once betraying the presence of Doillon's guiding hand.

Some may scoff at Ponette's engineered ending but I think that, in the context of Ponette's emotional imbalance, it strikes the right chord. Theentire story builds to this moment, the ultimate validation of youthful resilience; kids may be changeable and prone to storm-like mood swings, but this awards them the ability to bend rather than break. Ponette must achieve closure, a resolution strong enough to cement doubts and troubles into a manageable whole. She has had security ripped away, a cruelty at any age and a double blow for a child. The method by which she comes to terms with the absolute of death, through which Ponette converses with her mother, is neat, tidy and honest.

From Ponette emerges a sense of symbiosis, a fruitful relationship between Doillon's words and his tiny cast. The elements are clumsy, unlikely and insensitive but, in partnership, they convince in their extreme depth of unforced emotion. Philippe Sarde's  subtle and appropriate score helps, though there's not too much that you can do with this type of story. The film succeeds, despite a slow start, because nothing acts to trip our finely balanced belief; this tangible agony is destined to register with anyone who has a mother, making it all the more difficult to get right. Doillon triumphs because he trusts his actors and his research, allowing the film to travel further then even he might ever have dreamed of. © Movie Reviews UK 1998

A third film review by KEVIN THOMAS
Luminous 'Ponette' Gives a Child's View of Life After Death

     To watch Jacques Doillon's "Ponette"--one of the most sensitive, luminous films about the very young ever made--is to be reminded that the French cinema has traditionally paid more attention to children than that of any other country. Even in the many French films not primarily concerned with youngsters, they are a vivid presence and are taken seriously. In dealing with the impact of death on a 4-year-old, "Ponette" will inevitably recall Rene Clement's similarly themed "Forbidden Games" (1952), a classic among French films.
     A young woman has been killed in a car accident, leaving her widower (Xavier Beauvois) to cope with their daughter, Ponette (Victoire Thivisol, age 4), who refuses to accept that she will never see her mother again. Her father leaves Ponette in the care of the child's aunt (Claire Nebout), who lives in the country with her own two children, Matiaz (Matiaz Bureau), about Ponette's age, and Delphine (Delphine Schiltz), who looks to be 6 or 7.
     Ponette has landed in a loving, idyllic atmosphere, but like so many people of all ages, she discovers that she is essentially alone in coping with such a loss. Her father is a flat-out atheist, and her well-meaning aunt tells Ponette of Christ's Resurrection to comfort her, only to inadvertently give her the hope that her mother will experience a Second Coming herself. (Alas, it clearly never occurs to these adults to get their stories straight for the child's benefit.)
     As Ponette interacts with her sweet-natured cousins (the angelic Matiaz especially) and with other children at school, we get a good idea of how hard it is for small children to make sense of so much contradictory and incomplete information of the various ways in which people deal with life and loss. The effect of all this input is simply to reinforce Ponette's firm belief that if she prays hard enough to God her mother surely will appear to her.
       In tackling such a story, Doillon has pulled off something of a miracle as he takes us into the world of the very young, letting us experience with them their sense of constant fresh discovery and gradual comprehension. How ever did he get these toddlers to respond to the camera without a trace of self-consciousness? How did he get such performances from them? And performances, no matter if they're essentially playing themselves, is what they are. How did he create such spontaneity, such a quality of authenticity? (The information that Doillon and his assistants set up workshops with the children does not begin to explain the magnitude and quality of his own inspiration.) All the children in the film emerge as distinct individuals and personalities, not just Ponette.
     You well understand how the judges at the Venice Film Festival last year named Victoire Thivisol best actress. As the grief-stricken yet doughty Ponette, she takes us steadfastly through all of Ponette's moods--her pain, her fleeting joys, her resolution. So acute and constant an observer is Doillon, a 20-year film veteran whose work almost never reaches America, that he carries off moments that a lesser filmmaker could never hope to attempt.
     Intimate, tender yet resolutely clear-eyed, "Ponette" is in all its aspects a remarkable achievement.

1. Questions sur Ponette

Essayez de répondre, en français quand vous le pouvez, en anglais quand vous ne savez pas comment dire, aux questions suivantes:
1. Ponette  est un film qui ose confronter les enfants au mystère insoutenable de la mort. Vous souvenez-vous de la réponse de Ponette à son père qui l'admoneste en ces termes: "Ta mère est morte. Tu sais ce que ça veut dire?
"Oui, [répond-elle à son père] elle...
2. Il est beaucoup question de Dieu et de religion dans ce film. Vous souvenez-vous, par exemple, de ce que lui dit son père, à propos de Dieu et des morts?
3 - 4. Damian Cannon note avec justesse  que parmi les images les plus révélatrices du film, il y a celle de Ponette, seule, au crépuscule, au milieu du paysage, attendant avec ses cadeaux le retour de sa mère. Vous souvenez-vous de comment se termine cette scène? Expliquez en anglais si vous le préférez.
5. Parmi les épreuves que Ponette doit traverser pour devenir "enfant de Dieu", il y a celle de son "emprisonnement" dans la poubelle [the dumpster]. Qu'est-ce que cet emprisonnement symbolise pour vous?
6 - 7. Deux termes opposés, cruauté d'un côté, tendresse de l'autre, résument l'attitude des enfants envers Ponette. Pouvez-vous citer un exemple de chaque, soit en paroles soit en actions?
a) Tendresse:
b) Cruauté:
8. Quel conseil lui donne sa maman? Autrement dit, qu'est-ce qu'elle lui demande d'essayer?
9. Quel peut-être le symbole du pullover rouge que lui donne sa maman ?
10. La plupart des critiques condamnent la façon dont Doillon, en fin de film, a ressuscité temporairement la maman de Ponette. Exemple: "the moment destroys the emotional intensity and honesty Doillon has worked so hard to sustain in the film’s first 80 minutes.” Pour Damian Cannon, au contraire, étant donné le contexte du déséquilibre émotionnel de Ponette, cette fin incroyable sonne juste  ( = strikes the right cord). Quel est votre avis? Est-ce un artifice trop facile de cinéma ou est-ce l'aboutissement convaincant d'une imagination d'enfant?

En guise d'examen final: (maximum 10 minutes chacun)

Ceci est pour vous aider à faire votre présentation individuelle de fin de cours (5 à 6 minutes] sur un film de votre choix.
a) présentation orale de 5 à 6 minutes précédée d'une synopsis du film choisi (voir ci-dessous: modèle de synopsis).
    Vous direz ensuite:
    - pourquoi vous avez choisi ce film et quelle a été votre réaction personnelle à ce film;
    - en quoi ce film est différent de tel ou tel film américain avec lequel vous pourriez peut-être le comparer;
    - ce que vous avez appris ou retenu de ce film;
    - si c'est un film que vous recommanderiez à vos amis;
b) suivie d'un vidéo clip pertinent [relevant] de quelques minutes.
     
Voici, à titre d' exemple, comment vous pourriez présenter Ponette.

Modèle de synopsis
Ponette, une petite fille de quatre ans, ne comprend pas ce que signifie la mort tragique de sa mère tuée dans un accident d’auto, qui l’a laissée avec seulement un bras cassé, ce qui explique son plâtre. Elle passe ses journées à attendre sa maman, malgré toutes les tentatives des petits comme des grands pour lui faire comprendre l’irrémédiable: sa mère est morte et enterrée. Elle ne la verra plus. “Dieu est pour les morts. Laisse-le tranquille,” lui répète son père.

Quelques notes explicatives:
On notera que le réalisateur a eu recours à une  psychanalyste à qui il avait demandé d’observer les  réactions des enfants, celui de la petite Victoire (4 ans) en particulier. Si celle-ci manifestait quelque signe de détresse, il arrêterait de tourner le film. Selon la psychanalyste, les enfants étaient très heureux de jouer entre eux (between takes) et de “jouer Ponette” devant la caméra. Quant à Ponette, qui doit faire “comme si”  sa mère venait réellement de mourir, elle semble avoir merveilleusement compris son rôle, quoiqu’on ne  sache pas grand’chose de sa “technique” à produire des larmes sur commande. Le réalisateur devait lui demander  d’une façon sévère qu’il fallait qu’elle pleure à certains moments.

 Le réalisateur insiste aussi pour dire que la scène finale de la “résurrection” n’était pas son idée mais qu’elle lui est venue des centaines d’enfants qu’il a interviewés en faisant ses recherches pour son film.

1. Pourquoi j’ai choisi ce film?
a) Parce que c’est un film, lent au départ, qui me paraissait facile à suivre pour un début de cours, un film qui plairait, je l’espère, à la majorité d’entre vous, et pour lequel vous n’auriez pas trop de
difficultés  à ré pondre aux questions posées.
b) Parce que ce film est tout à fait dans la tradition française d’exploration de l’enfance et de l’adolescence, en particulier grâce aux films de René Clément (Jeux interdits), Truffaut (L’argent de poche), Louis Malle (Au revoir les enfants), Fantsen (La fracture du myocarde), etc.
c) Parce que ce film vous expose à une langue simple, celle des enfants, une langue parlée qui n’exclut pas cependant certains mots vulgaires, tels que “conne” pour bête, imbecile, stupide (jerk) ou encore “se démerder” au lieu de se débrouiller (to manage).

2. Quelle a été ma raction personnelle à ce film?
a) Je crois que j’ai tout aimé dans ce film, depuis le jeu des “acteursæ, qui ne paraissent pas être des acteurs - celui extraordinaire de Ponette en particulier ? jusqu’à la musique discrète d’Alain Sarde et la façon dont la directrice de la photographie (une femme) a su contraster l’intimité des visages des enfants avec l’immensitee du paysage environnant.
b) J’ai aussi beaucoup aimé les explications des enfants:  ce que c’est qu’un juif, ce que c’est qu’un arabe, ce que ‘est qu’un célibataire, ou encore que Mathiaz déteste les suppositoires alors que Victoire les adore
c) A propos de la façon dont Doillon a terminé son film, le critique Edwin Jahiel se pose la question suivante:  “Is the ending hokey or is it a convincing culmination of a child’s imagination?”  Personnellement, je n’ai pas été surpris par la scène finale de la résurrection, qui correspond à ce que nous savions déjà de l’imaginaire de  Paulette  (“Oui, elle vole avec son miroir magique,”  répond-elle  à son père qui lui demande si elle sait ce que cela veut dire que sa mère est morte)  et de tout ce qu’elle a entendu dire sur la résurrection des morts par sa pieuse tante Claire.

3. En quoi ce film est-il différent des films américains auxquels je pourais le comparer, ou alors semblable tel ou tel film que j'ai déjà vu?
Dit d’une façon globale, les films de Hollywood montrent les enfants de la façon dont les adultes les voient ou désirent qu’ils soient vus. Les films français, au contraire, montrent plutôt les enfants tels qu’ils sont  en eux-mêmes, et surtout du point de vue des enfants eux-mêmes.

4. Ce que j'ai appris ou retenu et si c' est un film que je  recommanderiez à mes amis.
a) Ce que je retiendrai surtout c’est l’exemple que nous  donne ce film de la resilience de Ponette - un mot emprunté à la physique.  Le français n’a pas d’équivalent exact pour traduire en un seul mot résistance  et élasticité . Je retiendrai aussi la réponse réconfortante de la mère, réponse qui donne sa finalité au film, apporte la  consolation à Ponette, et que Doillon souligne tout à la fin: “Essaie d’être heureuse.”
b) C’est certainement un film que je recommanderais à mes amis, qu’ils soient catholiques, juifs ou arabes ou agnostiques.

02. Joyeux Noël -  (Sortie Cinéma : 09 Novembre 2005)
Un film de Christian Carion
Avec Diane Kruger, Guillaume Canet, Benno Furmann, Danny Boon

CRITIQUE : JOYEUX NOËL - Par Johan Beyney.
En 1914, la guerre emporte dans son tourbillon des millions d'hommes, dont Nikolaus, ténor à l'opéra de Berlin, le prêtre Palmer et le lieutenant Audebert. Arrive Noël. Mais la surprise ne viendra pas des colis généreux qui jonchent les tranchées..

1914. La guerre éclate et, encore une fois, ceux qui la font ne sont pas ceux qui la décident. À défaut de conviction, les soldats, pour se donner courage et volonté, doivent se réfugier derrière la ferveur patriotique et l’idée que celui d’en face est l’ennemi. Une entité abstraite et anonyme de corps à abattre, cachés derrière leurs uniformes et la boue des tranchées. Seulement, sous la boue et le sang, les hommes sont les mêmes. Frères de peur et de désillusion, ils ne sont finalement guidés que par un seul but : obéir docilement aux ordres en espérant que balles et obus les épargneront jusqu’à la fin. Mais qu’advient-il si la conviction que ceux de la tranchée d’en face méritent effectivement la mort s’écroule ? C’est ce que Christian Carion (Une hirondelle a fait le printemps) se propose de raconter en filmant cette histoire inspirée de faits réels : celle de la fraternisation de soldats ennemis au soir de Noël 1914.

Un rapprochement que l’on doit essentiellement à la musique. C’est le chant d’un ténor allemand et des cornemuses écossaises qui va pousser les soldats à sortir de leurs tranchées respectives pour se retrouver sur le no man’s land, la voix d’une cantatrice danoise qui les unira dans la même émotion. Il y a quelque chose de particulièrement réjouissant et émouvant dans cette idée que la musique a réussi à couvrir, ne serait-ce qu’un soir, le bruit des canons. Une vraie vague d’espoir, certes naïve, déferle sur l’écran à la vue de ces « combattants » qui se mettent à échanger champagne et chocolat ou à se retrouver autour d’une partie de football. Comme quoi, on peut se battre pour le prestige d’une nation et se taper malgré tout sur l’épaule à la fin du match. On notera d’ailleurs avec amertume que dans cet élan fraternel, les Français apparaissent comme les plus réticents et du coup, comme les plus suiveurs. Le dossier de presse nous apprend d’ailleurs qu’à l’époque, les journaux anglais ont publié des photos de cet épisode de la guerre quand l’armée française s’est contentée de les détruire…, une petite leçon d’humilité qui ne fait pas de mal.

Sur ce terrain devenu neutre non plus parce qu’il n’appartient à personne, mais précisément parce qu’il appartient désormais à tous, le réalisateur a réuni un casting européen de qualité. On trouve notamment côté français, Guillaume Canet dans un rôle enfin mature et Dany Boon à qui l’on ne saurait trop recommander d’arrêter sa carrière de comique pour se consacrer à une carrière d’acteur tant il sait se montrer touchant. Gary Lewis (My name is Joe, Billy Eliott) s’engage avec ferveur dans les tranchées écossaises tandis que Daniel Brühl (Goodbye Lénin !) gère avec une fragile détermination ses soldats allemands. Tous ? avec Benno Fürmann et Diane Krüger qui assurent la love story pas nécessaire du film ? campent leurs personnages avec sincérité et, c’est un point particulièrement plaisant, dans leur langue natale.

La force de l’histoire permet de compenser les quelques faiblesses du film, telles quelques facilités scénaristiques ou une mise en scène et une photo très (trop) sages. On peut également regretter que, bien décidé à ne pas gâcher la fête, Christian Carion ne se soit contenté que d’esquisser (bien que de manière assez fine) le point de vue de ceux qui ont décidé de ne pas participer aux festivités, ce qui aurait permis de donner à l’œuvre une dimension plus subtile. Malgré (ou peut-être grâce à) ces lacunes, Joyeux Noël est un joli conte qui laisse quelque espoir quant à la nature humaine. Rappelons également qu’avant d’envahir les cours d’histoire-géo de la métropole, ce film européen et humaniste sera en lice pour représenter la France aux Oscars. Critique rédigée le 08/11/2005

Autre critique:
Quand les hommes décident de surmonter leurs différends, quand la guerre laisse place à la fraternité, les livres d’Histoire ne s’y intéressent que rarement. Le cinéma, lui, peut s’y attarder. C’est ce que nous propose Joyeux Noël, et la magie opère sans mal, il suffit de se laisser porter.

Décembre 1914, la guerre fait rage dans les tranchées. Alliés et Allemands se livrent des batailles sans merci sur tout le front. Mais le soir de Noël, un événement incroyable se produit. Plusieurs cas de fraternisation sont recensés, entre Allemands, Français et Britanniques. Une histoire inspirée de faits réels.

Les films sur la guerre, de coutume, remplissent un cahier des charges plutôt strict. Les scènes de combat, la peur de l’ennemi, les actes de bravoure, etc. Dans Joyeux Noël, si tous ces éléments belliqueux ne représentent qu’une infime partie du film, c’est pourtant bien de bravoure, de courage, dont il est question. Le courage de tendre la main, et de dire non, au moins pour une nuit, à la folie meurtrière des hommes. Le plus troublant, dans cette histoire, étant qu’il s’agit de faits avérés. La réalité dépasse parfois la fiction.

Le plus dur pour Christian Carion devenait donc de rendre compte de cette situation extrêmement touchante, mais au fond si humaine, sans tomber dans la surenchère. Pour cela, le réalisateur emprunte les chemins de la méfiance et l’absence de manichéisme. Plutôt que de présenter des gradés naïfs et complètement envoûtés par la « magie » du réveillon, le film préfère miser sur une prudence toute militaire, presque excessive. Chaque personnage intègre ainsi à tout petit pas le processus le menant vers le camp adverse. Le rassemblement se fera, c’est écrit, mais à petit feu, et non pas par miracle. Le réalisateur s’oblige donc à distiller un maximum de détails, de petits riens, qui au final amènent les ennemis d’hier à devenir les amis d’aujourd’hui. Noël n’est qu’un prétexte à un véritable rapprochement entre les protagonistes, rapprochement d’autant plus crédible qu’il se fait progressivement. Les Allemands, pour une fois, ne ressemblent pas à des monstres sanguinaires et en cela, Joyeux Noël conserve non seulement une objectivité de bon aloi, mais respecte également la vérité historique. En effet, selon les témoignages écrits rassemblés sur cette période, ce sont bien les Allemands qui firent le premier pas.

  Une fois ce tableau si improbable planté par une photographie bien léchée, deux éléments jouent un rôle décisif. Les acteurs et la musique. Souvent, les fresques historiques donnent lieu à un casting où les noms ronflants éclipsent le scénario. Ici, les acteurs se voient réellement mis au service de l’histoire. La distribution, éclectique par la nature même du film, propose donc des têtes d’affiche certes confirmées, mais pas omnipotentes. L’absence de héros, de personnage principal, aide fortement en ce sens. Christian Carion intègre intelligemment des drames personnels au sein de la grande machine guerrière, ce qui permet de renforcer la dimension humaine du projet. La musique, quant à elle, revêt une importance toute particulière, puisqu’elle s’impose comme le ciment du rapprochement entre Français, Ecossais et Allemands. Certes, les chants, surtout ceux prêtés au personnage de Diane Kruger, n’évitent pas des envolées lyriques pas forcément indispensables. Mais dans un contexte si particulier, ces moments ne sombrent jamais dans le ridicule, à condition de réaliser à quel point la musique est ici le vecteur des intentions de chacun.

Tous ces éléments réunis font de Joyeux Noël un grand film sur la fraternité des peuples, sans pour autant masquer les atrocités et les tragédies entraînées par la Grande Guerre. D’ailleurs, le rappel du traitement subi par les instigateurs de ces amitiés fortuites avec l’ennemi résonne comme un écho amer à la fin du long-métrage. Joyeux Noël ne se contente pas de relater un bel et surprenant exemple de fraternisation, mais réhabilite des hommes, à l’époque pris à parti pour avoir sympathisé avec l’ennemi. Un film sur l’intelligence en même temps que l’absurdité, sur la haine et l’amour, sur la dualité de l’être humain. Un vrai beau film.

Et en anglais:

December 1914.  World War I is not even five months old, and already the high spirits with which it started are eroding.  Generals and leaders still voice the opinion that it's going to be a short war, but the men in the trenches doubt this.  Yet, following days of bloodshed and in advance of a brutal struggle of attrition that will lead to millions of deaths, there is a brief respite when all truly is quiet on the Western Front. For Christmas Eve and Christmas Day in 1914, enemies ceased their hostilities and acted toward each other as comrades trapped in the midst of the ultimate, tragic absurdity.  This story, based on true events, is what Joyeux Noel relates.

When it comes to war films, World War I is underrepresented.  There are some very good movies out there - The Grand Illusion, Paths of Glory, All Quiet on the Western Front , and A Very Long Engagement leap to mind - but the list is short when compared to the library of titles devoted to World War II.  The reason may have something to do with the motivations of the struggle.  While many considered the second world war to be a moral crusade, the causes of the 1914-1918 conflict were less noble, fueled as they were by nationalism, stubbornness, and a tangled web of alliances.  The Kaiser wasn't the only culprit.

World War I was fought using tactics of the 19th century and weapons of the 20th.  France's major assault was halted when its troops were mowed down by machine guns.  Germany's main offensive bogged down in Belgium when the army became overextended and the British joined the fray.  Trenches were built and troops dug in.  What was initially expected to be a short and jaunty war turned into a long, horrific struggle in which the price of advancing one hundred feet was measured in hundreds of thousands of lives.

On Christmas Eve of 1914, caroling in the French, German, and Scottish trenches led to a sense of mutual understanding and a temporary truce that lasted through the next day.  The dirty, disheveled men emerged into No Man's Land to exchange small gifts - cigarettes for chocolates or champagne - and share pictures of their wives and children.  They buried their dead and played soccer.  On any day in any city, the activities would have been considered normal.  In the midst of a battlefield, they were surreal.  That's the mood director Christian Carion wanted to capture, and he does so effectively.  For Joyeux Noel , he has created a number of fictionalized characters, but the historical events in which their stories unfold are accurately portrayed.

Before the war, Anna Sorensen (Diane Kruger, the Face That Launched 1000 Ships in Troy and Nicolas Cage's sidekick in National Treasure ) and Nikolaus Sprink (Benno Furmann) were lovers.  Now, he's a member of the German army and she is visiting with a day pass to entertain the troops.  Sprink's commanding officer, Horstmayer (Daniel Bruhl, Good Bye Lenin! ), is against the idea of her being there - until he hears her sing.  Meanwhile, in the French trenches, Audebert (Guillaume Canet, Love Me if You Dare ) worries about his wife. Pregnant and trapped behind enemy lines, her fate is unknown.  In the Scottish trenches, Palmer (Gary Lewis, the father in Billy Elliot ), an Anglican priest, tries to divine God's will for him in the midst of so much suffering and carnage.  Once the truce occurs, these individuals meet between the trenches and discover that war need not leech away all humanity.

Carion's first goal is to exploit the absurdity of war - how people can be shooting at each other one day, joking around and playing soccer the next, then once again picking up their rifles.  In war, it's necessary to think of the enemy as sub-human (this makes killing easier), but Carion goes to great pains to remind us that the only difference between sides are the uniforms.  Nationalism brought countries into the clash of World War I, but there is no nationalism in No Man's Land on Christmas Day.

The movie's weakness comes late in the proceedings.  The story concludes 20 minutes before the movie ends.  The final portion of Joyeux Noel is rambling and long-winded.  Ian Richardson shows up as an Anglican bishop whose purpose is to give a sermon that hammers points Carion has previously made in a more eloquent and subtle fashion.  Attempts occur to give each little drama a coda, when such things are unnecessary.  Ultimately, Joyeux Noël is more about the event than it is about the participants.

The film was nominated for a Best Foreign Film Oscar in 2006, but lost to Tsotsi .  Nevertheless, it's impossible to deny the power of the story and the way the themes resonate across the ages.  The messages of Joyeux Noel apply not only to World War I, but to wars of all kinds from the dawn of history until today. War is one of the central conundrums of human existence.  Carion does not attempt to explain it, but he shows that, under the right circumstances, human beings are capable of overcoming their base instincts and rising to a higher level, if only for a short time.  Historically, the Christmas truce of 1914 was a curiosity that had no lasting repercussions.  It makes for a fascinating exploration of the human experience. © 2006 James Berardinelli

Addenda

World War I produced astonishing casualty rates: 36 percent for the  British, 65 percent for the Germans, 73 percent for the French and 90 percent  for the Austro-Hungarians. Getting sent to the front was practically a death  sentence. "Joyeux Noel," arriving nearly a century after hostilities began,  reminds us of the vitality stolen from the world by that conflict.

In the deceptively simple screenplay written by the director, the exploration of the characters and the ideas of patriotism and fatherland (which are so important in keeping up the troops’ morale) are cunningly entwined. Our group of protagonists is a miniature version of the cosmopolitan and completely interconnected European patchwork of countries and the European motto “In varietate concordia” (United in diversity). Mutual respect and -violence have always dominated European history. Carion’s treatment of these grand themes is alternated with the careful observation of small details (including the ever present lice and the endless waiting for battle rather than continuous fighting) which rings true and adds a layer of authenticity often lacking in period films. A small scene involving Anna running into the French owners of what is now the German headquarters at the front underlines the tragic nature of war perfectly: the husband wants nothing to do with Anna (while she is not even German, though he does not know that) while his wife tries to look past the war to see the human being, despite the fact that the war has robbed her of her own home. (European-films.net Boyd van Hoeij)

It's hardly subtle in its debunking of the "romance" of war, as the men mostly appear to hate it and welcome the chance to leave it behind, briefly. They also face some due punishment from anxious, fancy-suited superiors for their "fraternization" with enemies. In an effort to explain themselves and perhaps head off severe reprimand, the Scottish and French troops write protest letters to the "bastards, sitting pretty, who sent us here to slug it out." (The Germans have no such illusion of reprieve: they're locked in trains and sent off.)

But at the same time, the movie succumbs to its own mythology. The more simplistic angle here has to do with just who is able to come together in this "everyone's really the same" revelry. Certainly few war zones today (or before, for that matter) would allow for such communal religious touchstones, given that religious belief is more often than not the impetus for war. Pressing the obvious point -- war is absurd, cruel, politically motivated -- Joyeux Noel overlooks complications to achieve another sort of romance. Cynthia Fuchs PopMatters Film and TV Editor

Writer/director Carion comes from a part of northern France occupied by German forces during WWI. As a boy on his father’s farm he found shells, rifles and other remains of the men who fought and died. He is also a member of a group called Noël 14 which is documenting the incidents of fraternisation and currently building a different sort of war monument, one to peace, honouring the memory of those who defied their military commanders and made contact with the “enemy”.

Commenting on those who fraternised, Carion says: “At the time, they were considered cowards. For me they were neither cowards nor heroes [but] ... men who accomplished something incredibly human.” “[T]he dividing line was not between the camps,” he noted, “but between those who made war and those who wanted it to be made.”

According to Carion’s research, “Ninety percent of cases of fraternisation came about because people sang, were heard, and acknowledged with applause.... I love the idea that culture, singing and music silenced the cannons,” he said.

Christmas 1914, however, was not the only fraternisation of troops during the four-year slaughter. The political truth—that the rank and file soldiers of the opposing armies had more in common with each other than with “their” generals or governments—broke through the war propaganda on several other occasions. After getting to know their opponents, the soldiers refused to kill each other and these regiments had to be split up and/or relocated. Fresh, more naïve troops were required to recommence the killing.

Moreover, what is true of the soldiers that fought in WWI is also true of many American soldiers in Iraq today. The US military is made up of the poorest and most oppressed section of the population—men and women who face low paid insecure employment, if any, and no prospects for a reasonable living standard in the US. They have more in common with the Iraqi people now bearing the full might of the US-led occupation forces than with the American billionaires ordering them into Iraq to kill and be killed.

Joyeux Noël has been accused of being amateurish, simplistic and overly sentimental. While there may be some truth to these accusations, the film’s subject matter and its dramatisation of one of the most socially potent but little-known events of WWI still speaks to us across the generations, even though it could have been more complex or the themes developed more powerfully.

Most importantly, 33-year-old Carion, a relatively inexperienced director, demonstrates art’s potential to preserve and heighten our humanity. Joyeux Noël shows how, on Christmas 1914, the gift of music and the beauty of the human voice in song allowed the degradation of war to temporarily fade into the background. Soldiers could recall life outside the trenches and what was human in them, which had been so brutalised by war, was stirred and lifted. This is a moving and necessary reminder of what is great in the hearts and minds of ordinary people. (Ruby Rankin wsws.org)

2. Les Choristes (The Chorus) 2004 - un film de Christophe Barratier

Synopsis
En 1948, Clément Mathieu, professeur de musique sans emploi accepte un poste de surveillant dans un internat de rééducation pour mineurs ; le système répressif appliqué par le directeur, Rachin, bouleverse Mathieu. En initiant ces enfants difficiles à la musique et au chant choral, Mathieu parviendra à transformer leur quotidien.

Chronique et points de vue: Amazon.fr
Clément Mathieu, professeur de musique sans emploi, accepte un poste de surveillant dans un internat de rééducation pour mineurs délinquants. Or, nous sommes en 1949, et à l'époque, pour lutter contre la délinquance, c'est la répression qui prévaut, et le directeur de l'établissement, Rachin, ne déroge pas à la règle - surtout quand elle est tapée sur les doigts. Clément, qui reste persuadé que la musique adoucit les moeurs, entreprend de monter une chorale au sein de l'internat. Succès surprise de l'année 2004 au cinéma (6 millions de spectateurs) [...], le film de Christophe Barratier nous emmène non sans nostalgie dans la France provinciale de l'après guerre, austère et rude, pour y distiller bonté et humanité par le biais de la musique et du chant, emmené par un casting impeccable : Gérard Jugnot, François Berléand et Kad Merad, dans un rôle à contre-emploi interprété avec brio, entourent une ribambelle de jeunes acteurs éblouissants de naturel et de talent, aussi à l'aise dans le jeu que dans le chant, au premier rang desquels la véritable révélation du film, Jean-Baptiste Maunier.

European Film-Review
Films about student-teacher relationships have always made up a sub-genre that has inspired film-makers all over the world. More often than not, the story focuses on how a good teacher inspires a student (or a group of students) from a difficult background to believe in themselves and their capacities and not only enjoy learning, but also overcome all the obstacles the movie’s plot throws on their way to succeed in graduating. The result is very often a feel-good drama that is light on the drama and may have a degree of comedy thrown in for good measure (a pleasant exception to this rule is the Kevin Kline film 'The emperor's club')

 ‘Les choristes’ (‘the choir boys’) is a French feature film that remains prett much within the boundaries set by its numerous predecessors (including one film, ‘La cage aux Rossignols’, of which this is a direct remake) but somehow actually delivers a picture that is much more satisfying than most of them. It is one of those films where just everything seems to be in the right place; actors, cinematography, production design and soundtrack. There is nothing new here, but as a piece of music written three hundred years ago but performed by a virtuoso today, it can still give us immense pleasure.

The film starts with a very short prologue, in which we meet grey-haired conductor Pierre Morhange in a dressing room somewhere in New York. According to a magazine cover on the wall, he is the most famous conductor of them all. He does not want to be disturbed, but takes a phone-call anyway when they tell him it is 'about his mother'. He has to travel back to France immediately for his mother’s funeral, and whilst  staying in France meets an old class-mate called Pépinot, who tells him that their old boarding school music-teacher has died also. The music teacher wanted Pierre to have the diary he wrote as a teacher.

As soon as Pierre starts to read the diary, we are transported back to the boarding school he and Pépinot attended, but with one difference; they look at the school now through the teacher’s eyes. Teacher Clément Mathieu (Gérard Jugnot) is a quite talented musician, but in 1949 rural France, there is not a lot of work to be found. He becomes an assistant-teacher at a boarding school for boys, optimistically called ‘Le fond de l’étang’ (the bottom of the pond’). It is a boarding school for children with mostly behavioural problems ?and there are some orphans too.

Mr Mathieu is at first somewhat taken aback as he learns that the school is ruled rather tyrannically by the headmaster, who uses the ‘action ? reaction’ rule as an excuse for beating and locking children up. Mathieu is perhaps a bit of a quiet man, but he is not too frightened to stay on and see if there is something that can be done about this situation. Since he is a musician and he is writing a ‘Chorale’ in his free time, he is surprised to learn that there are no music lessons given at ‘Le fond de l’étang’. This is his chance to get his classes to shut up and listen to him!

He starts teaching the boys how to sing, and he even writes a special piece for them. Of course things do not run so smoothly, and many obstacles are to be overcome. One of the biggest trouble-makers is Pierre Morhange, a kid ‘with the face of an angel but the character of the devil’. He also has a very pretty singing voice, and Mr Mathieu is almost forced to make the kid participate and be nice. The fact that he has a single mother that is very pretty too (so pretty that rumours have it she must be a prostitute) and that Mr Mathieu is really quite interested in making her happy, only seems to complicate matters.

The ending is nicely understated, finding a balance between a soppy happy ending and something too grim and bleak. The film benefits from good acting all around; Jugnot has the physique du rôle of a musician not wanting to teach but neither wanting to leave these kids in this barbarous place. Most of the child-actors are actually singers from an existing choir, though their acting abilities would not lead one to think they had never acted before. They are completely natural bullies, sweet orphans or nasty kids.

The film was made on location, at a French castle in the province [more exactly the département] of Puy-de-Dôme, and both its interior and exterior scenes ooze with atmosphere. The cinematography by Dominique Gentil gives the whole story a fable-like character, but it would have to be a purely European fable, one that does not forget that stories have darker sides too. As fables do, the story itself touches on larger subjects such as teacher-children relations and how and why education can make a difference. ‘Les choristes’ knows to convey an incredible wealth of ideas and thoughts about these themes without ever being preachy or ‘teacher-like’.

I was incredibly surprised by how much I liked this movie. I expected a very by-the-numbers teacher-student feel-good movie, but instead became immersed in something altogether more satisfying, rich in detail and thought-provoking.  © Boyd van Hoeij (March 2004).

Les paroles de quelques-unes des chansons
Source:http://www.paroles.net/chansons/34745.htm

Caresse sur l'océan
Paroles et musique: Bruno Coulais, Christophe Barratier, 2004

Caresse sur l'océan
Porte l'oiseau si léger
Revenant des terres enneigées
Air éphémère de l'hiver
Au loin ton écho s'éloigne
Châteaux en Espagne
Vire au vent tournoie déploie tes ailes
Dans l'aube grise du levant
Trouve un chemin vers l'arc-en-ciel
Se découvrira le printemps

Caresse sur l'océan
Pose l'oiseau si léger
Sur la pierre d'une île immergée
Air éphémère de l'hiver
Enfin ton souffle s'éloigne
Loin dans les montagnes
Vire au vent tournoie déploie tes ailes
Dans l'aube grise du levant
Trouve un chemin vers l'arc-en-ciel
Se découvrira le printemps
Calme sur l'océan.

Hymne à la nuit Paroles et musique: Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Oh nuit vient apporter à la terre
Le calme enchantement de ton mystère
L'ombre qui t'escorte est si douce
Si doux est le concert de tes doigts chantant l'espérance
Si grand est ton pouvoir transformant tout en rêve heureux

Oh nuit, oh laisse encore à la terre
Le calme enchantement de ton mystère
L'ombre qui t'escorte est si douce
Est-il une beauté aussi belle que le rêve
Est-il de vérité plus douce que l'espérance

2. Questions sur Les choristes

1. Du point de vue temps (weather), comparez le début du film et la fin. Autrement dit: quel sorte de temps avons-nous au début et quel sorte de temps avons-nous dans les dernières images?
2-3. Pourquoi croyez-vous que ce film soit interdit aux moins de 12 ans au Royaume-Uni de et aux moins de 13 ans aux Etats-Unis?
4-10. A l’aide du dictionnaire, traduisez ce commentaire de Carlo Varini, directeur de la photographie (7 points):
"Pour Les choristes j’ai recherché une image à la lumière austère dont les couleurs rappellent l’époque et le contexte. La froideur de la lumière hivernale devait rendre l’intérieur de la bâtisse encore plus inconfortable. Dans la classe on n’allume pas parce qu’il fait jour, dans le réfectoire les fenêtres ne laissent passer qu’un halo blafard et contraignent à allumer la lumière électrique, le cachot est noir par définition. Le dortoir aux veilleuses jaunasses qui empêchent de rêver... Heureusement le printemps arrive avec les couleurs chaudes, la musique, la joie de vivre, l’amour. "
 

3. Le dîner de cons (The Dinner Gane) 1998 - Un film de Francis Veber

Synopsis: Chaque mercredi soir, Brochant et ses amis se réunissent autour d’un bon dîner où chacun est chargé d’amener avec lui .... l’invité le plus “con” qu’il aura pu dénicher au cours de la semaine.  Bien sûr, ce dernier ne se doute de rien.  Celui qui amène “son” specimen au stade le plus “terminal” a gagné!

3. Questions sur Le dîner de cons

Traduisez aussi idiomatiquement que possible:
1 - 5. Chaque mercredi soir, Brochant et ses amis se réunissent autour d’un bon dîner où chacun est chargé d’amener avec lui .... l’invité le plus “con” qu’il aura pu dénicher au cours de la semaine.  Bien sûr, ce dernier ne se doute de rien.  Celui qui amène “son” specimen au stade le plus “terminal” a ga-gné!

Recréez quelques sous-titres du film.  Voici l’original français,  comment le traduiriez-vous en anglais pour essayer de retenir le jeu de mots (word play)?
6. Il s’appelle Just Leblanc. (in 5 words)
7. Ah bon, il n’a pas de prénom? (in 5 words)
8. Je viens de vous le dire: Just Leblanc. (in 5 words)
9. Leblanc, c’est son nom, et c’est Just son prénom. (in just 8 wor
10. Monsieur Pignon, votre prénom à vous, c’est François, c’est juste?  Eh ben lui c’est pareil, c’est Just. (in 12 words)
 

4. Le placard  (The Closet) 2000 - Un autre film de Francis Veber

Synopsis: Virer un homosexuel, c'est politiquement incorrect. François Pignon le sait, et décide de jouer cette carte pour sauver sa place. Le regard des autres sur lui va changer, et sa vie va s'en trouver bouleversée !

L'histoire:
Comptable depuis vingt ans dans la même entreprise, François Pignon, apprend incidemment qu'il sera licencié dans un mois. Privé par ailleurs de l'affection de sa femme et de son fils Frank, il pense au suicide. Jean-Pierre Belone, son nouveau voisin, retraité, l'empêche de commettre le pire et lui propose une solution. Grâce à quelques photos truquées envoyées anonymement, l'ensemble du personnel est convaincu de l'homosexualité de Pignon. Pour le PDG Kopel et le directeur de la communication Guillaume, il n'est alors plus question de licencier le comptable, de peur d'être qualifiés d'homophobes. Voulant s'amuser de Félix Santini, un collègue macho, méprisant les "pédés", Guillaume et des collègues lui conseillent de se montrer très gentil avec Pignon. Santini entrera tellement dans le jeu qu'il perdra sa femme et proposera à Pignon de vivre avec lui... Quant au comptable, tout lui sourit : ses collègues le considère comme jamais, son fils lui trouve quelque intérêt après l'avoir vu à la Gay-Pride sur un char publicitaire pour les préservatifs de son usine, il revoit sa femme et découvre enfin qu'il la déteste... En outre, après avoir reconnu la supercherie, il conservera son emploi. Après avoir accusé de harcèlement sexuel sa soupçonneuse chef, mademoiselle Bertrand, il fera avec elle une inattendue démonstration, devant des clients japonais ébahis, de la solidité des préservatifs !...

... et en plus détaillé:

François Pignon a tout de la victime. Réservé, timide, divorcé, taquiné par ses collègues de bureau, le pauvre homme subit en silence et avec le sourire, regardé avec compassion par les uns, avec dédain par les autres. Un jour qu'il se trouve dans un de ces endroits discrets que l'on fréquente généralement après la digestion, il entend de l'autre côté de la porte son ennemi juré, capitaine de l'équipe de rugby de l'entreprise, parler de son licenciement. Désespéré et après avoir essayé de joindre sa femme et son fils qui ne daigneront pas décrocher, le pauvre homme revient chez lui. Alors qu'il est sur la terrasse de son appartement, le suicide en tête, il fait la connaissance de son nouveau voisin, un retraité paisible, ancien psychologue en entreprise. Celui-ci lui donne l'idée de se faire passer pour un homosexuel. Dans une fabrique de préservatifs, renvoyer un " gai " ferait mauvais genre. Sans le savoir, Pignon met le doigt dans un engrenage qui va changer sa vie.

Veber n'a plus besoin d'être présenté. Auteur de la célèbre série du Grand Blond (1972 et 1974), du Jouet (1976), de la Chèvre (1981), des Compères (1983), des Fugitifs (1987), des Trois fugitifs (1989), et du fameux Dîner de cons (1999), l'homme fait rire. En signant cette nouvelle œuvre, cependant, l'objectif est plus profond. Certes, le grand blond terminait sur une note forte (" Chacun a droit au respect de sa vie privée "), mais là l'objectif est avoué, claironné même.

" Il existe un " politiquement correct " qui fait que, par rapport au conservatisme absurde d'avant, on va peut être un peu loin. " (Francis Veber, in Le Figaro, 17/01/2001). Y'aurait-il encore la possibilité, en France, d'aborder certains thèmes sans craindre les foudres des sentinelles d'une police de la pensée tant redoutée par les " citoyens du monde " ? Veber semble le penser. Pourtant Le Placard, c'est certain, reste prudent, et si les mots sont parfois violents (" Fais chier ce pédé " dira Jean Rochefort), le film, et c'est fort sage, veut rester modéré. Ainsi et comme pour contre-balancer cette caricature d'hommes " anti-homos " le personnage de Depardieu, par exemple, de " casseur de pédé " qu'il était, se met assez subitement à aimer les homosexuels pour garder sa place, et même… à le devenir. Il semble que le scénario essaie ainsi prudemment de rétablir l'équilibre, ce qui peut parfois créer un malaise.

Le film, en se servant de l'image tabou de l'homosexualité, fait passer un message plus recherché car le fin-mot de l'histoire, c'est tout de même que le regard des autres change sur Pignon, alors que son comportement, lui, reste identique. Est-ce un pied de nez à tous ceux qui critiquent, fichent et étiquettent ? Sans aucun doute, et c'est bien plus qu'un pied de nez… Mais quand le nœud explose, au moment où le scénario prend de la vitesse pour se dénouer brutalement, on découvre que, finalement, le comportement de Pignon a bel et bien changé. Il est souriant, il clame son avis, contredit de front son directeur, remet sa femme à sa place. C'est ainsi qu'on aboutit sur une situation apparemment saine qui est le résultat, rappelons-le, d'une supercherie malsaine. Son fils se met à lui parler, à venir chez lui de sa propre initiative, à le féliciter parce qu'il le croit homosexuel. La collègue inaccessible (Michèle Laroque) lui tombe dans les bras (alors que l'homme est marié), démontrant son affection dans une scène érotique parfaitement inutile (si tant est qu'une telle scène puisse être utile). L'épouse, qui s'inquiète à très juste titre que son fils soit fier de son père parce qu'il l'a vu sur un char de la Gay-Pride, passe pour une déséquilibrée ennuyeuse (" tu es chiante ", lui dira Pignon à la fin du film). En bref, la moralité ne sort pas vraiment indemne de cette histoire pittoresque, et c'est dommage.

Fort heureusement le rire reste au rendez-vous, servi sur un plateau d'argent par de grands acteurs qui rivalisent d'aisance. Un seul coup d'œil au casting suffit en effet à promettre un ensemble plaisant. La classe de Jean Rochefort sied parfaitement à un chef d'entreprise, celle de Michèle Laroque, combinée avec son charme, séduit immédiatement. Daniel Auteuil, au premier abord, détonne un peu, dans son rôle de victime, mais on s'y fait très vite. Gérard Depardieu est bien campé dans le rôle de la grosse brute pas très maligne. Même si Pignon est la vedette incontestée du film, l'attention est attirée et tiraillée en tout sens entre les différents jeux d'acteurs, ce qui peut parfois être quelque peu déstabilisant.

Une bonne comédie, somme toute, qui n'arrive cependant pas à la cheville des grands classiques de Veber.  Raphaël JODEAU

Vignette amusante [extrait du dialogue]
Deux collègues ont remarqué Pignon à la sortie d'un lycée. En fait, il cherchait à voir son fils Frank. Mais eux imaginent qu'il venait draguer les jeunes garçons. Sur l'idée d'Ariane, collaboratrice de Pignon, ils décident de lui démolir le portrait. Ils l'attendent au bas de son immeuble dans leur monospace.

Le passager:  T'as pas regardé la télé, hier soir ?
Le conducteur:   Non, je dînais chez ma belle-soeur.
Le passager:   Y'avait un film, c'était vraiment bien. L'histoire d'une fille qui tombe amoureuse d'un mec, qui découvre que c'est son père.
Le conducteur:   Ah dur !
Le passager :  Hum ! Elle nous a cueilli la petite quant elle a crié "Papa !". Elle était tellement touchante, émouvante... Elle avait des putains de seins d'ailleurs la salope !
Le conducteur:   Elle avait des beaux...
Le passager:   Ah ouais, il y avait de quoi faire !
Le conducteur:   Ça doit être dur pour un mec de découvrir que la fille qu'il veut sauter est sa fille... C'est un sujet de société... Un vrai sujet de société.
Le passager:  Tiens, le voilà ! ]

Critique [négative] d'Écran noir

"On m'a licencié il y a vingt ans pour les mêmes raisons qui font qu'on vous garde aujourd'hui. " Si Le dîner de cons était une perle, Le placard s'apparenterait davantage au galet, tout aussi lisse, mais nettement plus lourd.

Veber signe là une comédie assez insipide, sans même ce zeste d'amertume jubilatoire et de cruauté qui huilait parfaitement la mécanique du rire du Dîner, et se garde bien de prendre certaines distances avec les sujets qu'il aborde (en vrac : Daniel Auteuil est tout de même bien rassuré de savoir son fils hétérosexuel malgré l'admiration que celui-ci semble porter à son père (faussement) homo, ou encore, le joint c'est cool d'en prendre une taffe, mais après t'iras me jeter cette saloperie..) Tout en finesse. Et les stéréotypes pleuvent sur Le placard comme par avis de tempête, le plus flagrant étant, et pour ne citer que celui-ci, Depardieu en gros con raciste et macho qui se découvre une forme d'homosexualité refoulée frisant le ridicule.

Pédale douce et son panel de préjugés tellement "rigolos" n'est pas bien loin (tiens, allons au cinéma ce week-end, il paraît qu'ils jouent une comédie tor-dante avec des homosexuels dedans).
Enfin, il faut ajouter pour sa défense que Veber n'a pas choisi non plus un sujet des plus faciles à traiter, et la mise en scène proche du sitcom aux décors un peu "toc" n'arrange rien à la crédibilité du film.

Mais tout ceci ressemble plus à une forme de maladresse qu'à une mascarade intentionnellement moqueuse. Veber aime faire rire, y travaille énormément et ne voulait pas, soyons en sûr, faire de mauvais esprit.
.
Les acteurs, quant à eux, jouent leurs rôles avec un plaisir évident et s'approprient leurs personnages avec intelligence, sans tomber nécessairement dans le cadre manichéen du "bon" et du "méchant". Comme toujours chez Veber, ils possèdent leurs nuances, leurs faiblesses et leurs excès (en fait, aucun n'est sympathique à 100 %).

Bref, on ne rit pas aux éclats, un sourire se glisse simplement au détour d'un bon mot, mollement, comme si on s'en voulait de ne pas rire à gorge déployée devant le nouveau "blockbuster du rire français" de l'année 2001. Ben oui, on s'en veut, et puis on oublie.  - Romain   

Quelques bonnes critiques

Witty as it is, "The Closet" has serious points to make at the expense of political correctness, hypocrisy, and the lengths we go not to appear prejudiced. Witness Depardieu, who drives himself mad - literally - trying to mask his true feelings. The actor, who had a heart attack just before shooting started, has seldom been better.

But then everyone is on top form in a comedy of manners which proves, yet again, that France has the finest farceurs in the world. -  Neil Smith

The basic story, clear and simple is that of Francois Pignon (the same name as the protagonist's in "The Dinner Game,") played by Daniel Auteuil. For 20 years he has worked as an accountant in a super-modern firm of rubber items, especially condoms. Francois has been a good employee but his personality is, to say the least, unremarkable. He blends in with the wallpaper, so to speak. And he is something of a sad sack these days because his wife had left him and their teen-age boy studiously avoids him. He finds that Dad is "chiant," a strong French word for "supremely dull."

Unexpectedly, the firm decides to retrench -minimally that is--which means that just one employee will be let go. François find out that he is that person.

What with his gloom about his ex-wife and his son, François goes to his apartment and contemplates suicide. A new, older neighbor comes to the rescue. This wise man thinks up a way to save François's job: make the firm believe that François is gay. Firing him would be politically incorrect, perhaps bring on a lawsuit, certainly create much bad publicity to the firm.

How this is done is an utter delight, but I will not spoil it for my readers. Suffice it to state that there are laughs galore, that the acting is first-class, that François never adopts any gay characteristics, that the technical aspects are excellent, the music first-rate and appropriate, and that there is, in the cast, the loveliest Scottish kitten you'll ever see. All the details are perfect and planned with energy as well as superior clarity throughout the delicious twists of characters and plot.

The tempo is perfect. Everything moves fast, but not in a speeded-up way. The camera and the editing know when to mini-linger, when to cut away.

Daniel Auteuil is a great performer. So is Gérard Depardieu. In a most un-Hollywoodian way, those superstars are not exactly pretty fellows-- to put it mildly. But then there is the unspoken, humanizing French tradition of often using leading as well as supporting actors who are not beauty kings -- call it the Michel Simon syndrome.

Depardieu's role here is a supporting one, and that's the sign of real trouper. He plays the factory's most openly homophobic employee, a man hoisted on his own pétard who ends up as a simpatico character.

More I cannot disclose. See for yourself.  - Edwin Jahiel

4. Questions sur Le Placard

1-2. Comparez la toute première scène (celle de la phto d’entreprise) avec la toute dernière. Que voit-on sur la première et que voit-on sur la dernière?
a)
b)
3. Quelle est la profession de Pignon?
4. Vous souvenez-vous de la profession  de son ex-femme?  Est-ce que c’est une profession qui paie bien?
5-6. Traduisez en anglais ce que dit Monsieur Bellone: "On m'a licencié il y a vingt ans pour les mêmes raisons qui font qu'on vous garde aujourd'hui."
7. Parmi les  stéréotypes (lourds) qui abondent dans ce film, l’un concerne ceux qu’incarne Depardieu (dans le rôle de Santini).  Quels stéréotypes précisément?
a)
b)
8. Parmi ces stéréotypes, un autre est faussement attribué à Pignon. Quel est cet autre stéréotype ?  Ou, dit autrement, parce qu’il est sensé être  (= supposed to be) homosexuel, de quoi d’autre le soupçonne-t-on?
9. Malgré l’admiration que Frank semble porter à son père faussement homosexuel, qu’est-ce que celui-ci est bien content d’apprendre en ce qui concerne la sexualité de son fils?
10. Bien que l’idée générale du Placard  soit sur la façon dont la vie d’un homme change une fois que les gens se font de lui une idée différente, quelle est  ? en un mot ? la leçon de ce film?

5. Au revoir les enfants (1989) - Un film de Louis Malle

Pour situer le film dans son contexte historique.

Entre 1940 et 1944, la France a été envahie, puis occupée, par l’Allemagne. Cette période s’appelle l’Ocupation, durant laquelle le gouvernement du Maréchal Pétain, installé en zone libre à Vichy, devient de plus en plus soumis aux Allemands, en ce qui concerne en particulier la dénonciation des Juifs. Aussi choquant que cela puisse paraître, les Juifs français vivant en France ou en Algérie n’étaient plus considérés comme citoyens français. Ainsi vous entendrez Gestapo Muller dire aux enfants à propos de Jean Bonnet: “Ce garçon est un Juif; il n’est pas français.) De plus, les jeunes Français qui avaient vingt ans en 1944 étaient dans l’obligation d’aller travailler en Allemagne au titre de STOs (Service du Travail Obligatoire). De nombreux jeunes refusèrent d’obéir et durent se cacher (exemple de Moreau, le moniteur d’éducation physique.)

Quelques mots d'introduction:

L'enfance, l'adolescence et la transition difficile à l'âge adulte sont des thèmes constants dans l'oeuvre de Louis malle.

Thèse de l'omniprésence du mal et l'équivalence de ses manifestations : que ce soit au fonds des bois, lorsque les deux garçons sont perdus et que Bonnet demande s'il a des loups dans cette forêt ; ou encore le mal de l’Allemagne nazie et de sa Gestapo (la police politique du troisième Reich) persécutant les Juifs.

Le centre moral du film reste avec le prêtre, le directeur de l'école, le Père Jean. Les deux décisions cruciales du film sont siennes: d'abord de cacher Bonnet et les deux autres garçons juifs sous des faux noms; ensuite, deuxièmement, de punir Joseph, le garçon de cuisine infirme qui fait du marché noir avec plusieurs garçons, dont Julien, tout en ne mettant pas à la porte, par considération envers leurs parents, ses complices parmi les élèves (une discrimination dont l'injustice lui cause une peine évidente.) Nous le voyons aussi refuser la communion à Bonnet, sans crainte de le  distinguer des autres ; nous voyons également comment il prêche contre la dureté dc riches dans son sermon le jour de la fête des parents ; nous le voyons encore rejeter l'intérêt que manifeste Julien pour la prêtrise: “Je ne crois pas que vous ayez la vocation. De toute façon, c'est un fichu métier.”

Bien qu'il y ait une forte touche de recherche autobiographique dans Au Revoir les enfants, ce n’est pas une oeuvre d'autobiographie pure. "Mon imagination a utilisé la mémoire comme tremplin. J'ai réinventé le passé, par delà la reconstruction historique, à la recherche d'une vérité à la fois intemporelle et insistente. A travers les yeux de ce petit garçon qui me ressemble, j'ai essayé de redécouvrir cette première amitié, la plus forte, qui a été détruite si brutalement et cette première rencontre avec le monde absurde des adultes, avec toute sa violence (la guerre) et ses préjudices (le racisme, la haine et la persécution des Juifs par les Nazis."

Faites attention, presque à la fin du film, à la brève scène o Julien, regardant dans la direction de Jean Bonnet, est vu par l'officier allemand, (Gestapo Muller), par là = de cette manière, accidentellement, involontairement, trahissant son ami juif, (de son vrai nom Hans = Jean Helmut Michael, qui mourut plus tard à Auschwitz. "Je ne me suis jamais remis, dit Malle, de cet incident (i.e. de cette trahison accidentelle). Je suis encore un enfant... et je crois que le passage de l'enfance à l'adolescence est le moment le plus intéressant dans la vie d'une personne."

Malle a fait de son mieux pour rendre toute l'authencité de l'atmosphère durant ce mois de janvier 1944, quand l'hiver fut extrêmenent sévère, exemple l'absence de soleil et l'utilisation de "couleurs sans couleur".

Malle a fait en sorte égalememt pour que son film évite toute forme de manichéisme, (bien opposé au mal / good versus evil ), à savoir que les Français seraient tous bons et que les Allemands seraient tous mauvais. A ses yeux donc, la religieuse de l’infirmerie où Négus est caché sous les draps est à ses yeux aussi mauvaise que Joseph qui a dénoncé le Père Jean aux autorités de l’Occupation.  Vous remarquerez également comment le jeune officier allemand ordonne à la milice (donc à des soldats français) qui collaboraient avec les Allemands. de laisser tranquille Monsieur Meyer, le vieux monsieur juif rencontré au restaurant

Vous noterez également que le film commence sur une image de Julien alors qu’il quitte Paris pour le collège et se termine sur un autre gros-plan de Julien, larmes aux yeux, disant au revoir à son ami. Ceci pour signifier que du début à la fin du film, il s’agit bien de son histoire.

Note:  Vous remarquerez qu’il dédie ce film à ses trois enfants. Louis Malle, qui était le mari de Candice Bergen, est mort du cancer en 1995.

5. Questions sur Au revoir les enfant

1. Comment Louis Malle nous montre-t-il ? i.e. au moyen de quelles deux images - que ce film est bien SON histoire?
2. Qu’est-ce qui fait comprendre à Julien que Jean est juif?
3. Quelles explications François donne-t-il à son jeune frère sur les Juifs?
(il en donne trois).
a)
b)
c)
4. Pour quelle raison Joseph est-il renvoyé?
5. Comment Joseph se venge-t-il? En dénonçant qui?
6.  De quelle manière Gestapo Müller découvre-t-il dans la salle de classe qui est Jean Kippelstein?
7. De quelle manière les Allemands découvrent-ils Négus caché dans un lit à l’infirmerie?
8-9. Dans ce film, les Français ne sont pas tous bons et les Allemands ne sont pas tous méchants (evil).  Pouvez-vous donner un exemple de chaque? et même un exemple d’humour de la part d’un soldat allemand
a)  méchanceté:
b) bonté:
c) humour
10. Quelle est pour vous la partie la plus touchante du film?
 

6. Romuald et Juliette - Mama, There is a Man in your Bed (1989) - Un  film de Coline Serreau

A visual note on Odalisques -   (A female slave or concubine in the harems of the Middle East )  as painted by Ingres or Matisse
http://www.artlex.com/ArtLex/o/odalisque.html
Ingres -  Odalisque with a Slave
http://www.artofeurope.com/ingres/ing8.ht
Odalisque by Matisse (1923)
http://www.abcgallery.com/M/matisse/matisse71.html

A white man, Romuald, who is an executive at a yogurt company falls in love with Juliette, the black woman who cleans his office. She has five children, all by different husbands, and does not have enough money to pay the rent. He has a beautiful wife, a beautiful girfriend, and children who are driven to school by a chauffeur. Together, the two solve a nasty office politics intrigue; and despite the coincidence of their names, these two lovers do not end up committing suicid side by side.

This hilarious comedy from the writer and director of the original Three Men and a Baby tells of the rise, fall and rise again of the powerful C.E.O. of a major corporation.  At the peak of his powers, Romuald becomes the victim of envious board members who plan a takeover, framing Romuald for insider trading.  But Romuald's rivals have an unexpected adversary and Romuald has an unexpected friend ? the cleaning lady Juliette.  Juliette, working late at night, has witnessed just enough to piece together the conspiracy against Romuald.  She offers to help him and together they conspire to take back his company.  Romuald hides out in Juliette's cramped apartment and before long finds himself caught up in the complexities of Juliette's life including her five children and five ex-husbands. With her help, it doesn' t take Romuald long to stab the back-stabbers back and regain his place in the company. But happiness for Romuald is incomplete without the cleaning lady who won his heart - and won back his company - so Romuald proposes a merger, a merger of love. It's a contract he'll never regret.

Coline Serreau, who came out of the 1968 protest tradition, uses the same light toucht  hat she perfected in her smash hit, "Three Men and a Cradle", to get concerns about racism and social injustice across with sublety. Time Magazine said, "By film's end any skeptic will believe that natural combatants - rich and poor, white and black, man and woman can be made gracious allies. It takes just a little goodwill and a very good film."

 ... ou en français:

Ils n'étaient pas faits pour se rencontrer. Romuald est le P-DG [Président Directeur Général] de "Blanlait", une grande entreprise de produits laitiers. Il évolue dans un univers mesquin où l'argent fait la loi et règle les rapports. Il n'est ni pire ni meilleur que ses collègues. C'est un jeune loup avide de pouvoir. Sa vie personnelle est basée sur l'hypocrisie : il trompe sa femme et elle fait de même, mais tous les deux  font comme si de rien n'était. Juliette Bonaventure fait le ménage après la fermeture des bureaux. Elle est noire, elle n'est plus très jeune, elle a cinq enfants, de cinq maris différents, qu'elle élève seule dans un deux-pièces  à Saint-Denis. Leurs trajets sont absoluments parallèles pendant tout le début du film. Mais quelque chose est pourri chez Blanlait : il y a des  allées et venues bizarres la nuit, des chuchotements au  téléphone. Juliette surprend des bribes de dialogues, ramasse des petits papiers qui traînent (après tout, c'est son boulot) et finit par reconstituer la conspiration dans sa tête: tout le monde trompe Romuald, tout le monde veut se débarrasser de lui, à commencer  par sa femme et jusqu'à ses subalternes. Et puis, un jour, (ou plutôt un soir), elle décide d'en souffler deux mots à son patron. Lui commence par la prendre pour une folle puis, quand la situation devient vraiment coriace etqu'il est accusé de délit d'initié (insider trading), c'est chez elle qu'il trouvera refuge, toutes les autres portes lui étant fermées. Et là, dans une HLM [habitation à loyer modéré] de banlieue, Romuald, avec l'aide de Juliette, va préparer sa vengeance.

Le corps de Juliette est ainsi  introduit dans la vie de Romuald et dans le récit par l'entrée de  service; pour occuper de plus en plus de place. Elle n'a rien d'une créature de rêve. Et pourtant elle va s'avérer bien mieux que ça : c'est une force de la nature.  Firmine Richard s'impose dans le champ comme le nezau milieu du visage, sa carrure, son accent, ses coups de gueule, sa méfiance face au monde et (pourquoi pas?) à la caméra, sa tendresse font d'elle le premier extra-terrestre du cinéma français. Face à elle, Daniel Auteuil a la délicatesse de rester un peu en retrait pour attendre le moment où elle va se décider, enfin, à l'apprivoiser. Et ça marche!  Ce qui devrait les réunir n'est plus un coup de force de scénario, mais quelquechosee d' inévitable.

Ce qui fait la force du système Serreau, ce n'est pas tellement d'imposer aujourd'hui un couple  improbable au sein du cinéma français. Mais d'affirmer noir sur blanc sa croyance à quelque chose qui va au-delà du "boy meets girl", quelque chose qui serait de l'ordre de l'utopie. Les conséquences narrative de la rencontre d'un PDG et d'une femme de ménage noire dépassent les limites de la formation d'un couple pour prendre l'ampleur du mythe, ce vieux mythe soixante-huitard revu et corrigé par SOS Racisme, où tout le monde se retrouve dans une grande fête dédiée à la fertilité, tous sexes, toutes classes et toutes races confondus. © Iannis Katsahnias

6. Questions sur Romuald et Juliette

1. Le titre du film s'inspire évidemment de la tragédie de Shakespeare, mais pourquoi ce film est-il une comédie et non une tragédie?
2. Cette comédie n'est pas très morale: Monsieur Blindet trompe sa femme avec qui? De son côté, la femme de M. Blindet trompe son mari avec qui?
a)
b)
3. En réalité, quelle est la seule chose qui domine pour l'instant (i.e. avant de connaître Juliette) dans la vie de M. Blindet?
5. Pourquoi la réalisatrice, Coline Serreau, a-t-elle choisi pour Romuald ce nom de "Blindet"?
6. Je vous l’aurai dit en classe:  Comment expliquez-vous (en anglais) le changement de titre dans la version sous-titrée américaine?
7. Bien que Juliette ait déjà dit à M. Blindet que sa femme le trompait, quelle est l'évidence, i.e. la preuve concrète - et "en couleurs" - qui prouve que Juliette avait raison?
8. Nous voyons Juliette et Romuald au lit discuter de leurs projets d'après mariage. Avez-vous remarqué s'ils utilisaient entre eux le "tu" ou le "vous"?
9. La distinction précédente ("tu" ou "vous") est très importante. Qu'est-ce que cela signifie selon vous: est-ce un mariage au niveau de la réalité de tous les jours ou est-ce un mariage au niveau de l’utopie?
10. Les prénoms des enfants de Juliette sont bien choisis, tel Aimé (Beloved) pour son aîné.  Vous souvenez-vous des des prénoms des autres enfants?
'Perfect Happiness' pour l'une des filles =
'Desired' pour l'un des garçons =
Quel prénom a-t-elle décidé de donner au bébé à venir ? =

Film 7: Sur mes lèvres (Read my Lips) 2001  - Un film de Jacques Audiard

Synopsis
Carla Bhem, une jeune femme de 35 ans au physique plutôt moyen et qui porte des prothèses auditives, est secrétaire à la Sédim, une agence immobilière, mais elle est payée une misère et souffre d'un manque de considération de la part de ses employeurs. Son existence triste et solitaire va prendre une tournure différente avec l'arrivée dans la société de Paul Angéli, une nouvelle recrue de 25 ans, plutôt beau gosse, mais qui n'a aucune compétence dans la promotion immobilière. Celui-ci cherche à se réinsérer après avoir fait de la prison. Une histoire d'amour improbable, doublée de manipulation réciproque, va naître entre ces deux marginaux.

Critique du film: Film surprenant qui sort des sentiers battus. Emmanuelle Devos réussit à merveille à interpréter un rôle complexe, sorte de mélange explosif entre la secrétaire soumise et la putain prête à tout pour réussir. L’intrigue ne manque pas non plus d’intérêt. L’absence soudaine de son pour nous plonger dans la situation de l’héroïne rajoute encore une dose d’originalité

7. Vous traduirez en anglais aussi idiomatiquement que possible cette synopsis du film  (mid-term part I) :

Avec ses prothèses auditives dans chaque oreille, son air permanent de chien battu [...], Clara n’a rien du stéréotype de la secrétaire attirante et fatale. Vieille fille sourde et coincée, elle a beau être une employée exemplaire et modèle, à la Sédim, la société de promotion immobilière qui l’emploie, personne ne la remarque sauf pour se foutre [= se moquer] d’elle dans son dos. Elle le sait bien puisqu’elle peut lire sur les lèvres. Un bureau qui croule sous les dossiers et les gobelets à café que ses collègues renversent négligemment, aucune considération, Clara est au bout du rouleau. Excédée, elle pousse la porte de l’ANPE [Agence Nationale Pour l’Emploi] comme celle d’une agence matrimoniale à la recherche d’un stagiaire pour alléger sa tâche mais aussi d’un chic type capable de la regarder autrement et de l’apprécier à sa juste valeur. Son choix va se porter sur Paul. Ce dernier, pas très doué pour le rangement et les photocopies, l’est en revanche dans d’autres domaines. Ses atouts: il sort de prison et a une belle gueule. Entre eux deux le courant va vite passer sous la forme d’un contrat tacite d’aide réciproque qui va rapidement faire des étincelles.

8. Une affaire de goût (1999) - Un film  de de Bernard Rapp avec Bernard Giraudeau, Jean-Pierre Lorit, Florence Thomassin, Charles Berling.

Synopsis

Un homme d'affaire à l'apogée de sa carrière fait appel aux services d'un serveur qui vit d'expédients pour devenir son goûteur. Devant se plier aux exigences machiavéliques de son patron en échange d'une vie prospère, il devient peu à peu son homme de confiance. Mais à quel prix et jusqu'où cela le mènera…

.. ou en plus détaillé:

Nicolas Rivière est un jeune homme dont le charme n'a d'égal que sa beauté, mais il est insouciant et sans le sou. Il partage un appartement à Lyon avec sa petite amie Béatrice et trois autres amis. Nicolas travaille comme garçon dans un restaurant huppé de la ville. Un jour, Frédéric Delamont, puissant industriel au goût raffiné, lui demande de goûter, à titre d'essai, à une assiette de hors-d'oeuvres et de lui en indiquer les ingrédients. Satisfait du résultat, Delamont propose au jeune homme de devenir son goûteur particulier moyennant un salaire élevé. Par contre, Nicolas devra cesser de fumer et obéir à la lettre à son nouveau patron, et à n'importe quelle heure du jour et de la nuit. Heureux de constater que Nicolas est de la même taille que lui et porte la même pointure de chaussures, Delamont introduit son nouveau protégé aux vêtements de luxe et à la cuisine raffinée. Béatrice n'est pas du tout contente de ce qui arrive à son petit ami, mais Nicolas semble ne plus pouvoir se passer de ce nouveau style de vie. Nicolas doit entreprendre un étrange entraînement: pendant dix jours, il doit d'abord rester à jeûn, pour ensuite se gaver d'assiettes de fruits de mer. Au début, Nicolas trouve succulent tout ce qu'il mange, mais il est bientôt atteint d'accès de vomissements. Delamont est cependant content du résultat car, bien qu'il déteste le poisson, il a voulu que Nicolas apprenne à être sensible aux aversions de son patron. Progressivement, la relation entre les deux hommes -- de professionnelle bien qu'insolite qu'elle était -- se transforme en un jeu dangereux pour l'un comme pour l'autre...

... et en anglais, s'il le fallait:

Based on the novel by Philippe Balland, this is the tale of Nicolas, a handsome young waiter who is befriended by Frederic, a wealthy and mysterious middle-aged business executive. Frederic, a man of power, influence and strictly refined tastes, is strangely smitten by Nicolas’ charm and naiveté. Lonely and phobic, Frederic offers Nicolas a lucrative job as his personal food taster, which Nicolas cannot refuse. In spite of their differences, a close friendship begins to emerge between the two men. Soon, however, their bond of trust and admiration spirals downward into one of deceit and obsession with consequences for which neither is prepared.

Recipient of five Cesar Award nominations this year, Bernard Rapp’s A Matter of Taste is a delicious affair, to say the least. A psychological thriller of the highest order, the film is adapted from Philippe Balland’s novel and drives a sharp skewer through class issues and society as its core pair of characters, a food taster and his rich employer, slowly change from friends to foes.

Handsome, carefree Nicolas (Jean-Pierre Lorit) works as a waiter in a posh Parisian restaurant, far from his frills-free, but contented home life with Béatrice (Florence Thomassin), his loving and lovely girlfriend. One day Nicolas serves lunch to wealthy, high-profile executive Frédéric (Bernard Giraudeau of Water Drops on Burning Rocks), who professes a sensitivity to certain ingredients. Asking Nicolas to taste his food for him, Frédéric discovers the young man’s ability to identify every ingredient precisely, and smitten by his charms to boot, hires him as personal food taster. Well paid for his duties, the pair slowly grow close, although Frédéric begins resorting to cunning schemes in order to tailor Nicolas’ culinary preferences, lifestyle and moral values more precisely to his own tastes. This gels an obsessive codependency between the two, and leads to worsening games of cruelty.

A Matter of Taste’s escalating look at dominance, economic seduction and questionable intents is in good company with such films as The Servant and Suite 16. A tasteful dish, regardless of the bitter aftertaste it can leave in your mouth. Bon appétit!

La critique

Bernard Rapp - mieux connu comme journaliste - est un réalisateur magistral. Son précédent et premier film fut un coup de maître qui mis la barre peut être trop haut : nous n'avons pas eu le même plaisir à regarder Une affaire de goût que le doux-amère et rayonnant Tiré à part dans lequel chaque geste, chaque image était nécessaire et suffisant.

Il n'en reste pas moins que l'ambiance cynique et malsaine mais policée d'Une affaire de goût saisit le spectateur sans tomber dans une gravité mal venue. Reprenant une structure proche de Tiré à part, le réalisateur décortique le contrôle total de la psychologie d'un homme allant jusqu'à la manipulation extrême. Ces deux hommes que tout sépare sont tels deux particules irrémédiablement attirées l'une l'autre mais dont la fusion sera fatale. Leur entourage, gravitation de caractères bons ou mauvais, actifs ou passifs, semble paradoxalement impuissant et coupable de laisser faire.

Jean-Pierre Léaud, juge d'instruction en parfait contre-emploi des Truffaut, accompagne le cheminement de l'analyse : qui est véritablement coupable, qui est véritablement victime, qui est véritablement innocent ? Parce que cette fable du totalitarisme invite à la réflexion, nous n'apprécions pas ce film uniquement pour une affaire de goût.  Edouard L.

Manipulation culinaire

Dès le début, Bernard Rapp mène son sujet avec beaucoup d'adresse. Il prend son temps pour nous perdre dans les méandres de la manipulation ourdie par Delamont. On découvre peu à peu le machiavélisme de l'homme d'affaire et son intrusion dans la vie de Nicolas Rivière. Chaque personnage, chaque action est d'une précision remarquable. Avec un rythme posé, Bernard Rapp filme de manière très clinique et analytique. Tous les plans sont simples et le découpage est net, précis, sans fioritures. Sa caméra est essentiellement descriptive et utilise peu d'effets de style. Ce qui n'empêche pas Une affaire de goût d'être très esthétique avec ses somptueuses tables, ses décors cossus et sa musique classique. Parce qu'ici le goût n'est pas que l'affaire du palais. C'est aussi celle du film tout entier. Et puisque Bernard Rapp a bon goût, l'ensemble en est empreint.

Le côté analytique et glaçant se retrouve également dans le jeu des acteurs et notamment celui de Bernard Giraudeau. Face au personnage qu'il interprète, on ne sait jamais sur quel pied danser : Delamont est-il véritablement dérangé ou est-il devenu pervers pour vaincre l'ennui né de sa richesse et de sa puissance ? Jusqu'au bout, on oscille entre les deux. Bernard Rapp, dans sa peinture des personnages, joue sur l'étrange et le doute. Bernard Giraudeau est excellent et subtil. Son personnage rappelle d'ailleurs celui qu'il a interprété dans le récent Gouttes d'eau sur pierres brûlantes de François Ozon. Tous deux sont redoutables de machiavélisme et de cruauté froide.

Peut-être peut-on mettre un léger bémol en parlant de ce qui est extérieur à la relation Delamont-Rivière : on ne croit qu'à moitié à ce qui se passe entre Nicolas, sa compagne (Florence Thomassin, sous-exploitée) et leurs amis. Autant Bernard Rapp a apporté beaucoup de subtilité en décrivant les rapports entre l'homme d'affaire et son goûteur, autant il a usé de clichés pour ce qui est du reste.

Néanmoins, l'essentiel du film est parfaitement mené par Bernard Rapp qui nous confirme son talent de cinéaste cultivé et raffiné.  Laurence

Le réalisateur s'explique et nous explique:

Bernard Rapp, à la télévision, vous dirigez la collection «Un siècle d'écrivains». Adapter un roman, c'était l'évidence?

Après Tiré à part  qui se passait dans le milieu de l'édition, je savais surtout que je repartirais sur un film d'ambiance. J'avais lu le livre de Philippe Balland il y a une dizaine d'années. Il avait été invité à Caractères à l'époque. J'avais mis le roman de côté pour peut-être l'adapter au cinéma.

Comment passer du livre au film?

En travaillant avec Gilles Taurand, grand spécialiste de l'arrière-plan psychologique, on a revisité totalement le livre. Tout le gisement de fiction est dans le livre mais on a choisi un mode narratif complètement différent, sur deux temps, le temps de l'action et le temps de l'enquête. La question n'était pas de savoir qui a tué mais pourquoi et comment c'est arrivé. Dans le film, personne ne possède la vérité.

Le propos du film, c'est aussi la fascination...

Il y a l'idée de se rapprocher au plus près de quelqu'un jusqu'à fusionner avec lui. On a tous pu ressentir cela... C'est la fascination de Narcisse. Un mythe obscur et terrible puisque, dès lors qu'il a aperçu son image, Narcisse s'est mis en rapport avec la mort.

Le film est très ouvert aux interprétations sur le comportement des personnages...

En tant que spectateur, c'est ce que j'aime. J'adore les films de Mankiewicz ou de Huston pour cela. Plus on les voit, plus il y a de choses... Et, dans la relation Delamont-Nicolas, ce n'est pas ce qui est dit qui est important mais ce qui est ressenti...

Le monde de Delamont, c'est la bonne société...

On dit que j'aime la bonne société. Mais ce qui m'intéresse dans la bonne société, c'est ce qui n'est pas bon. Derrière les grands moyens, la belle maison, il y a un homme très fragile qui marche au bord du gouffre. Cependant, pour raconter cette histoire, il fallait aussi que Delamont soit un homme de pouvoir...

8. Une affaire de goût - Traduisez en anglais aussi soigneusement que possible le commentaire suivant (mid-term part 2):

Frédéric Delamont est un homme d'affaires fortuné et raffiné. Nicolas Rivière est un jeune type séduisant vivant de petits boulots. Les deux se rencontrent autour d'une table. Delamont déjeune. Rivière fait le service. Et voilà que le client demande au garçon de... goûter son plat. (Delamont, grand amateur de mets fins est allergique au poisson et au fromage et a donc besoin d'un goûteur pour détecter les aliments interdits).  Nicolas Rivière hésite un instant et s'exécute. [...] Commence alors un jeu étrange, vaguement malsain mais forcément fascinant entre deux hommes aspirés dans une spirale sur laquelle le prégénérique du film de Rapp a symboliquement tout dit. Dans les cuisines d'une grande table de Lyon, on plume, on découpe, on tranche, on éviscère, on hache, on grille, on flambe. Entre souffrance et plaisir, l'univers de la gastronomie est, ici, le masque superbe d'un thriller où ce qui est ressenti est forcément plus intéressant que ce qui est dit.
 

Film 9. La vie rêvée des anges (The Dreamlife of Angels) 1998  - Un film de Érick Zonca

Synopsis du film: Isa, vingt ans et un sac à dos, débarque à Lille. Isa cherche des petits boulots, jamais les mêmes, et jamais très longtemps. Son chemin croise celui de Marie, solitaire aussi, mais sauvage, révoltée contre sa condition sociale. Elles rencontrent deux motard sympa, et Chriss, qui vient d'un autre milieu et fait rêver Marie au delà du supportable.

... ou dit autrement:

Isa est une voyageuse invétérée. Ne sachant pas rester au même endroit très longtemps, elle passe d'un petit boulot à l'autre avec un optimisme à redonner du courage au plus déprimé d'entre nous. Elle se lie d'amitié avec Marie, une autre fille  à " problèmes ". Ensemble, elles vivront de belles aventures avant que la vie et ses difficultés ne finissent par les rattraper. Marie, l'éternelle révoltée et pessimiste s'opposant en tout point à Isa, qui voit encore la vie du bon côté... Leur vie est-elle pourtant aussi belle que celle des anges ?

Erick Zonca a situé « La vie rêvée des anges » à Lille et dans sa banlieue. Il imagine la rencontre de deux filles qui survivent tant bien que mal, passant de la fabrique de vêtements en atelier à la vente de prospectus sur rollers, avec tee-shirts fluo et sourires de façade. Souvent tenue à l'épaule, la caméra suit leurs deux trajectoires avec force et simplicité. Mais le film doit beaucoup à ses interprètes. Contrairement aux Anglais, comme Ken Loach ou Stephen Frears, capables de brasser le social et l'humain avec un narration impeccable, le scénario de Zonca souffre de raccourcis - voire de simplisme dans sa fin trop brutale. Le noir lyrisme du propos et le talent des deux comédiennes, couronnées à Cannes par un prix d'interprétation partagé, font oublier ces défauts. On connaissait Elodie Bouchez grâce à Téchiné (« Les roseaux sauvages ») et Klapisch (« Le péril jeune »). Elle est ici un superbe électron libre qui irradie le film de sa bonté naturelle. La révélation, c'est la blonde sauvage, Natacha Régnier, qui parcourt l'histoire les nerfs à  fleur de peau avec une rage communicative. C'est leur vérité frémissante que Zonca a su le mieux capter dans un premier film d'une étonnante vitalité et, somme toute, très prometteur.

"C'est à partir de ces deux rencontres, de ces deux personnages de femme que j'ai bâti mon histoire. Il m'a fallu deux ans pour l'écrire et pour la faire évoluer d'un projet initial de quatre heures à ce qu'est le film aujourd'hui. Mon approche de l'écriture est avant tout visuelle. Le point de départ de mes scénarios est toujours l'imagination. Toute démarche didactique m'est étrangère. Je ne pars ni d'un thème ni d'un point de vue théorique, mais je me laisse guider par mon seul imaginaire. L'introduction du sens et de la cohérence est une démarche qui intervient après un travail que j'aborde à la sauvage." Erick Zonca, Dossier de presse du film, Cannes, 1998.

La vie rêvée des anges n'est pas un film de lutte des classes, mais c'est un film où les classes existent, et où l'opposition des classes a à voir avec la mort de Marie, séduite et trahie par un fils à papa lisse et froid. (...) Le titre du film intrigue. Qui rêve ? Qui sont les anges ? C'est comme un halo de mystère qui flotte autour de l'histoire simple de Marie, d'Isa, de Sabine et des nounours, d'autant plus qu'Erick Zonca semble récuser toute lecture spiritualiste de son film. Si La vie rêvée est beaucoup plus qu'une tranche de vie (de vies), c'est affaire de cinéma. Moins liée au scénario (Zonca raconte qu'il a tourné de nombreuses scènes qu'il n'a pas gardées au montage, ce qui semble indiquer que le scénario définitif n'est apparu qu'après le tournage, au contact des images réalisées) qu'à la mise en scène serrée de Zonca et au travail conjugué des deux comédiennes et de la responsable des images, Agnès Godard. © Jean-Pierre Jeancolas, Politis, 17 septembre 1998.

Sur Erick Zonca

Né à Orléans le 10 septembre 1956, il a vécu quelques années aux Etats-Unis avant de travailler comme assistant-réalisateur et de signer plusieurs documents ou fictions pour la télévision. Il est l'auteur de trois courts ou moyens-métrages, tous récompensés par des prix en France ou à l'étranger. « Rives » lui a permis de gagner à Clermont-Ferrand un prix d'interprétation féminine pour la petite Manon Guillou. « Eternelles » a gagné le Grand Prix du même festival un an plus tard. En 1995, « Seule » a été couronné dans plusieurs manifestations et nominé aux césars. « La vie rêvée des anges » marquait l'entrée d'Erick Zonca dans la compétition officielle à Cannes, après plusieurs venues dans la section « cinémas en France » pour ses courts-métrages. © Le Point 12/09/98 - N°1356

Critique de Ernst

On aurait pu s'attendre à un film social de plus, ce n'est pas le cas... Zonca n'a pas fait l'erreur classique de se complaire dans une  description de la pauvreté et du drame vécu par Marie et Isa. Deux personnages étonnement réalistes et auquel on arrive à s'attache  fortement... Ajoutez à cela, une interprétation absolument grandiose de deux actrices au potentiel énorme et vous obtenez un film brillant basé sur l'opposition de deux caractères diamétralement opposés... Il est dommage que Zonca ne sache pas bien comment  poursuivre dans cette voie et finisse finalement par plonger (avec sobriété tout de même) dans le mélo artificiel au cours des 10 dernières minutes. On le lui pardonnera en resongeant à quelques scènes d'un optimisme merveilleusement réconfortant. Un film différent de la norme... On rit, on pleure, on s'attache trop à ces deux filles paumées et on aimerait vraiment les voir s'en sortir...

Voilà sans doute la réussite de Zonca, rendre attachantes deux filles " normales ", Isa, la douce et gentille optimiste et Marie, la déprimée et révoltée pessimiste... Un bon choix si vous voulez voir un film plus réel, plus proche de la vie (des anges...). Isa (Elodie Bouchez) est une fille d'aujourd'hui. Elle vit en mouvance perpétuelle, son sac à dos sur l'épaule, et son sourire avenant sur le visage. Elle erre de petit boulot en petit boulot, sans penser qu'il puisse y avoir un avenir. La seule valeur sûre qui tienne sa vie debout, c'est l'amitié et les rencontres qu'elle peut faire. Quand elle croise Marie (Natacha Régnier), son coeur est ouvert en grand pour cette fille un peu étrange, écorchée vive, en perpétuelle révolte...

Si la palme de la double interprétation féminine est amplement méritée, le scénario d'Erick Zonca, pêche parfois par incohérence et désespoir. Des filles déchirées et en révolte, on en avait déjà vu dans SANS TOIT NI LOI [d'Agnès Godard]/  Des filles paumées, dont la vie n'a pas de sens, sinon celui qu'elles insufflent, on en a vu dans CLUBBED TO DEATH. Des histoires tristes, on en voit tous les jours, et celle-ci l'est trop, pour accrocher un spectateur déjà saturé d'histoires désespérantes. La boucle n'est pas bouclée. On est prêt à s'envoyer des histoires pareilles, à condition qu'il y ait un point de vue. Erick Zonca nous sert une description, qui si elle est bien faite, n'aboutit nulle part (un suicide, pour moi, c'est nulle part!). Alors on reste sur sa faim et un peu mal à l'aise, devant cette interprétation magistrale, il faut le dire, mais qui tourne à vide, même si Elodie Bouchez et Natacha Régnier sont extrêmement attachantes, on se sent lésé quelque part. On exploite pas suffisamment cette amitié bizarre, qu'Isa entretien avec une jeune fille dans le coma, on n'exploite pas suffisamment le discours de Marie qui semble être une déracinée sans foi, plutôt que cette jeune femme en recherche d'elle-même, incapable de voir qu'elle fout sa vie en l'air.

Sur Elodie Bouchez et Natacha Régnier

Elles ont fait l'événement en 1998. Elodie Bouchez, on l'avait découverte, en 1994, dans les Roseaux sauvages d'André Téchiné et chacun avait été frappé par son physique étrange : elle était à la fois sensuelle et garçon manqué. Depuis, Elodie avait tourné de nombreux films, pas impérissables. Mais Natacha Régnier , on ne l'avait vue que dans Encore de Pascal Bonitzer. De plus, dans un second rôle qui ne rendait pas vraiment justice à sa personnalité.

Et les voilà toutes deux, Elodie et Natacha, la presque célèbre et la presque inconnue, qui embrasent le festival de Cannes où l'on projette la Vie rêvée des anges, premier long métrage d'un garçon qui ira loin : Erick Zonca. Et les prix d'interprétation de pleuvoir : à Cannes, d'abord, aux « Meilleurs films européens », ensuite. Elodie, seule, obtient les Lumière, récompense qui, à l'image des Golde Globe américains, est décernée par les journalistes étrangers. Et ce n'est pas fini...

Le triomphe populaire du film (plus d'un million trois cent mille spectateurs en France) est évidemment dû au talent des deux comédiennes. Mais il vient aussi de l'osmose des deux personnages avec l'air du temps. Isa-Elodie Bouchez, la routarde qui se balade dans le nord de la France et, pour survivre, colle des images sur des bouts de carton pour en faire des cartes postales vendues à des passants (« Elles sont jolies, hein ? », dit-elle avec candeur). Des filles comme elle on en a tous vu au coin d'une rue. Avec leur cœur gros comme ça. Et leur regard généreux posé sur la vie. « Elle est chaplinesque, dit d'elle son réalisateur, c'est un petit clown qui dore la fantaisie. »

Des filles d'aujourd'hui : Elodie Bouchez et Natacha Régnier, prix d'interprétation au festival de Cannes 1998 pour LaVie rêvée des anges d'Erick Zonca.

Marie-Natacha Régnier, elle, est apparemment plus lumineuse, plus douce. Mais une sorte de fièvre la brûle. Lorsque la passion l'envahit, elle s'y perd avec la détermination qui la poussait à ne pas se laisser faire, à se révolter sans cesse. Des personnages de femmes bien réelles.  Isa la brune, Marie la blonde ou comment survivre dans la France d'aujourd'hui. Ou ne pas survivre, précisément. Sans misérabilisme, avec, au contraire, une vraie rage à filmer les visages confiants ou meurtris de ses deux interprètes, Zonca est parvenu à saisir la vérité d'une époque. Son souffle. Et, parfois, son essoufflement. C'est probablement ce qui caractérise cette génération de  cinéastes. Et ces comédiennes, pas encore très connues, mais qui, dès le début des années 90, ont pris insidieusement le pouvoir.

La critique d'Edwin Jahiel

It's a French film. A very good French film. A very French French film. And, to boot, a first feature by a Frenchman, then 42, with a rather unusual name that more often than not misspelled: Eric, Erik, Erick, Zonka, Zoncka, Zonca. His background is unusual too. Born in Orléans in 1956, while still in high-school he decided to become a filmmaker. He moved to Paris at age 16, discovered American cinema, took acting lessons, survived via odd jobs. At age 20 he moved to New York, spent three years there, survived via odd jobs, married a dancer from the Merce Cunningham Company, took more acting classes, discovered European (including, very much, French classical cinema). Back to Paris for two years' study of philosophy and more odd jobs. At age 30 he entered movies as an apprentice. He then became an assistant, later directed TV documentaries and, beginning in 1992, three short films, all successful on the festival circuit. But glory seldom comes from shorts.

It arrived with a bang when Dreamlife and its makers received a slew of nominations at the 1998 Cannes Festival, where its two protagonists shared the Best Actress prize. Ms Bouchez, a veteran of many films, is in increasing demand, and was in another, very good film at Cannes, also a first feature called Louise (Take 2). Ms Regnier is a newcomer. At the 1999 Cesar awards (French Oscars), the movie was Best French Film, Elodie Bouchez Best Actress, Natacha Regnier Most Promising Actress. At the European Film Awards, Mr. Zonca won as European Discovery of the Year, the two ladies as Best Actresses. At the Viennale, the movie was The International Critics Association's choice.

Dreamlife has no plot by Hollywood standards. A penniless drifter, the rather petite 21-year old Isa (for Isabelle), carrying all her possessions in a huge backpack, wanders into the industrial city of Lille in Northern France. She hopes to stay with a male friend, finds out he's left town, somehow spends a cold night in Lille (there are tiny clues that it is the post- Christmas season). Her attempt to pick up some francs by making postcards from magazine pictures leads to a casual encounter (a marvelous Yugoslav who has a daughter her age) who finds her a sewing job in a minimum wage clothing factory. Isa's skills being zero, she gets quickly fired, but not before meeting a co-worker, Marie, also 21.

Hesitantly, Marie puts up Isa in "her" good apartment, one that she is minding for a mother and a daughter who, after a car crash, are comatose in a hospital. By degrees, Isa and Marie form a friendship--in fact more camaraderie than affection-- though having impecunity in common are otherwise different from each other. Isa, who flashes generously her big, dark eyes and a sunny, toothy smile (Ms Bouchez's trademark), is adaptable and comfortable with her ambulatory life. We learn only little about her past. A scar over an eyebrow (apparently put there at Bouchez's suggestion) keeps catching our eye and making us wonder how it got there? Violence against Isa? A tomboy accident?

Pretty unsinkable and optimistic, she recalls a bit Godard's My Life to Live, in which Nana (Anna Karina), forced to survive through prostitution, still thinks that life can be beautiful. But unlike Godard, Erick Zonca will not analyze, philosophize, expatiate or ask the incessant questions that hallmark Godard's work. Dreamlife is entirely "what you see is what you get."

There's also a strong, loving streak in Isa. She discovers and reads, in the apartment, the diary of Sabine, the daughter. Next thing you know, she is visiting regularly the vegetable-like Sabine at the hospital (the mother had died) where she speaks to her as if in the belief that this will help her get well. It's a wonderfully touching invention .

At the other extreme, slender, taller Marie is are rebel with a huge, misanthropic chip on her shoulder. (It is later explained partly by her background, partly as the not unusual dissatisfaction among the French working class). Isa, strictly from hunger yet laughingly takes on the very temp job of dressing ridiculously (in the cold street), putting on roller-skates and advertising sandwich-boards. Marie, however will not. She is not amused. She thinks, correctly but impractically, that this is demeaning work. She is always very conscious of the humiliations of life. Yet she's also capable of fun and games.

Trying to crash ticketless a rock-concert, the girls are blocked by two tough-looking bouncers (and bikers), thin Fredo and corpulent Charly. What starts as antagonism ends up as sweet friendship, which extends to Marie sleeping--but not having an affair --with Charly. She's keeping her options open.

The main option comes in the person of Chris, a young man who is what the French call "papa's son," a spoiled fellow whose family has bought him a night-club (the very one where the bouncers work) and more. What really matters here is that Chris is a cad. When Marie is caught shoplifting, he rescues her. In spite of her hostility extending also to him, she yields, goes to bed with Chris, begins a short-lived but calamitous relationship which is punctuated by very real humiliations, which is never explained, in which stages of abandon alternate with stages of clenched teeth. One thing is fairly clear: that Marie herself does not know what she feels except that the wealthy man will be her ticket out of misery. How naïve.

The Chris business puts a wedge between the girls. Isa, who at first seemed to be a lightweight in the brains department, proves to be realistic, perspicacious and anxious to open Marie's eyes to her self-destruction. It all falls on deaf, hostile ears...

The movie is beautifully made in all respects, and with a strong sense of economy of means. Photography is done smoothly with super-16 cameras which allow for flexibility, the following of characters, and a near-documentary look. Style, script, editing, acting, real sets too are under the sign of economy as well as palpable intimacy in the collaboration of all involved. The film is not manufactured, instead, it records life. It also bucks the contemporary trend of movies begetting movies, of the past- movies-awareness that was the gift to us by the French New Wave but went on to become mere fashion (viz. Tarantino and hordes of Sundance-ish films). Here movie-consciousness does not replace life-consciousness. There are no riffs on past pictures. Yet Dreamlife is eminently French.

For one thing, it is character and relationship oriented. For another, it deals with the working class, which diversely gets labeled as proletarian, blue-collar or low-class. The paradox (a staple of French cinema), is that the rich, petty bourgeois Chris is in reality very low-class ethically. Clearly too, the classic French cinema that Mr. Zonca paradoxically discovered in New York, has marked him. He updates the "poetic realism" of (mostly) the 1930s with its stream of "Popular Front" movies that celebrated loners among the common men and women, that had their own streak of "miserabilism," and that never quite came to a halt. Witness some of Robert Bresson's works and, even closer to our day, Agnès Varda's Odyssey of a female drifter in Vagabond (1985). ©  Edwin Jahiel

9. Au lieu de questions sur La vie rêvée des ange
Traduisez en anglais ces deux paragraphes tirés du dossier de presse du film.

    Isa, vingt ans et un sac à dos, débarque à Lille. Isa cherche des petits boulots, jamais les mêmes, et jamais très longtemps. Son chemin croise celui de Marie, solitaire aussi, mais sauvage, révoltée contre sa condition sociale. Elles rencontrent deux motards sympa, et Chriss, qui vient d'un autre milieu et fait rêver Marie au delà du supportable.
    Isa et Marie squattent chez une dame bourgeoise et sa fille, toutes les deux dans le coma à l’hôpital, victimes d’un accident d’auto.  Parasitaires, elles s’accaparent visiblement des traits des deux absentes.  Isa, enfantine, lit et reprend le journal intime de la fillette alors que Marie met des robes de la mère et cherche un bonheur impossible avec un type qui n’est pas de son rang social.

Film 10. Cyrano de Bergerac  - (1990)  Un film de Jean-Paul Rappeneau

Cyrano est en effet affligé d'une infirmité incurable: il a un nez monstrueusement long. Cette infirmité le rend très susceptible auprès des hommes, et très timide auprès des femmes. Personne en sa présence ne peut   mentionner le mot "nez". Cyrano est secrètement amoureux de sa cousine Roxane, mais il sait qu'il n'a aucune  chance, précisément à cause de cet immense nez qui le défigure...

 Dans la première scène du film - qui a  lieu à Paris  , une foule se presse pour assister à un spectacle de Montfleury, comédien en vogue, mais ennemi de Cyrano. Dans cette foule, on reconnaît tous les personnages principaux de l'histoire, et d'abord Roxane. Elle est belle, coquette, romanesque  et éprise de poésie. Tous les hommes sont amoureux  d'elle. ce jour-là, elle est accompagnée du Comte de Guiche, un seigneur noble et puissant qui lui fait la cour. Mais Roxane pense secrètement à un jeune homme qu'elle a aperçu un jour et dont elle est tombée secrètement amoureuse. C'est le beau Christian, qui lui aussi est là dans la foule à la recherche de Roxane. Le  public s'impatiente.

On attend Montfleury, mais on attend aussi Cyrano qui a promis de lancer un défi à Montfleury. Montfleury entre en scène. Est-ce que Cyrano viendra? Oui, il arrive! D'une voix éclatante, il ridiculise Montfleury et le chasse de scène.

Tous les spectateurs ne sont pas contents de l'interruption du spectacle, en particulier de Guiche et son neveu Valvert. Celui-ci va défier Cyrano en lui disant "Monsieur, vous avez un grand nez"! Stimulé par cette insulte suprême, Cyrano se lance alors dans la  fameuse tirade où il fait l'éloge de son appendice nasal. Puis, il traite Valvert de sot et engage celui-ci dans un duel, tout en composant des vers. Tout cela se passe sous les yeux de la belle Roxane, très fière de la bravoure et de l'intelligence  de son cousin.

 Après le duel, Cyrano va accompagner un ami chez lui. Il tombe dans une embuscade d'où il sort victorieux à un contre cent. L'histoire de cet exploit fait le tour de la ville et Cyrano devient le héros du jour. Entre-temps, Roxane lui a envoyé sa dame de compagnie  pour lui demander un rendez-vous. Intimidé, mais reprenant espoir, Cyrano va au rendez-vous. Après un long préambule où elle évoque leur enfance passée ensemble et leur longue amitié, Roxane déclare son amour pour ... Le visage de Cyrano s'illumine. Pour lui? Hélas, non! Ce n'est pas lui que Roxane aime, mais le beau Christian. Oui. c'est lui qu'elle aime et si elle est venue voir Cyrano, c'est pour lui demander de prendre Christian sous sa protection. Celui-ci va, en effet, entrer au régiment des Cadets de Gascogne, le régiment de Cyrano.

Cyrano promet de protéger Christian, mais c'est déçu et  triste qu'il va rejoindre ses compagnons d'armes. Tout le monde le salue en héros. Cyrano trop peiné ne fait pas attention. Soudain, Christian, la nouvelle recrue du régiment, entre dans la salle. Ne connaissant pas Cyrano, il se moque de lui, répétant sans cesse le mot  "nez". L'assistance est pétrifiée! Que va-t-il se passer? Est-ce que Cyrano va tuer Christian? Non! Fidèle à la promesse faite à Roxane, Cyrano traite son rival en  ami et en frère.

Dès lors, Cyrano va assister Christian dans toutes ses démarches amoureuses auprès de Roxane. Christian avoue qu'il est sot, qu'il n'a pas d’éloquence, qu'il ne sait pas parler aux femmes. Qu’à cela ne tienne! C'est Cyrano qui sera sa voix, son porte-parole. C'est lui qui écrira  à Roxane les lettres d'amour que Christian ne sait pas  écrire. L'inspiration lui est facile puisque, lui aussi, il aime éperdument Roxane.

 Les lettres de Cyrano, signées Christian, enflamment de plus en plus le coeur de Roxane qui consent à accorder un rendez-vous au beau Christian. Celui-ci va seul au rendez-vous, mais sans l'éloquence de Cyrano, il ne dit que des banalités. Roxane, qui s'attendait à des torrents de déclarations lyriques, est déçue et renvoie le jeune homme. Christian obtient un nouveau rendez-vous, mais cette fois, avec l'assistance de Cyrano, qui lui souffle chaque mot de sa deeclaration d'amour, il réussit à conquérir Roxane dans la fameuse  scène du balcon. Au cours de cette scène, Christian  monte au balcon de Roxane, entre chez elle où les deux  amants sont mariés par un prêtre envoyé par de Guiche, toujours amoureux de Roxane. De Guiche arrive lui-même chez Roxane où il apprend le mariage. Furieux et jaloux, il annonce qu'il vient d'être nommé commandant de  l'armée française chargée de déloger les Espagnols de la  ville d'Arras. Il décide d'y envoyer sur le champ le régiment des Cadets de Gascogne, séparant ainsi Christian de sa nouvelle femme.

L'action change de lieu. Nous sommes maintenant à Arras  où le régiment de Christian et de Cyrano est cantonné. La guerre a mal tourné pour les Français. Assiégé par les Espagnols, les fougueux soldats de Gascogne meurent de faim. Cyrano veut tenir la promesse qu'il a faite à Roxane. Chaque jour elle reçoit une lettre de Christian.  En réalité, c'est toujours Cyrano qui lui écrit, évidemment à l'insu de son ami, des billets d'un lyrisme  magnifique.

Dans le camp francais, la situation est maintenant désespérée. Sur les ordres de de Guiche, le régiment de  Gascogne doit être sacrifié. Cyrano écrit à Roxane une dernière lettre d'adieu, toujours signée du nom de Christian. Entre-temps émue par l'intensité des lettres poétiques de son mari, Roxane décide de tout risquer pour le rejoindre à Arras. Elle traverse les lignes espagnoles et arrive dans le camp quelques heures avant la bataille finale. En présence de Cyrano, elle avoue à Christian que ce n'est plus pour sa beauté qu'elle  l'aime, mais pour sa poésie, et qu'elle l'aimerait même s'il était laid. Déconcerté par cet aveu, Christian part à l'assaut. Au cours de l'engagement, il est blessé. Il meurt, réconforté par l'amour de Roxane et l'amitié de Cyrano. La bataille finale a lieu. Pendant cette bataille, Cyrano et de Guiche combattent héroïquement. Christian est mort, mais sa femme et ses amis sont sauvés.

Quinze ans ont passé. Roxane a pris le deuil de  Christian et s'est retirée dans un couvent. Là, elle reçoit régulièrement la visite de ses deux amis, de Guiche, devenu duc et maréchal de France, et Cyrano,  pauvre, mais toujours aussi fier. Un jour, celui-ci arrive en retard au rendez-vous. I1 a été blessé dans une embuscade tendue par ses ennemis et il va mourir.

 Ce jour-là, Roxane comprend enfin que c'est bien lui l'auteur des merveilleuses lettres d'amour qu'elle recevait de Christian. Cyrano meurt dans ses bras,  finalement aimé par celle qu'il avait aimée toute sa vie.

Sur le vrai Cyrano:  http://www.levraicyrano.com/accueil/indexbis.htm

Savinien Cyrano de Bergerac est né à Paris le 6 mars 1619 et est mort à Sannois le 28 juillet 1655. Issu d'une vieille famille parisienne, il a passé son enfance près de Saint-Forget (actuelles Yvelines) et c'est à Paris qu'il a fait ses études, travaillé et vécu.

Cyrano parisien. Voilà en deux mots bien des idées reçues qui tombent à l'eau...

La légende d'un Cyrano gascon, toujours tenace aujourd'hui, a été entretenue au fil des siècles par différents auteurs, et probablement, de son vivant, par l'intéressé lui-même.  « Il n'y a rien qu'on persuade plus aisément au peuple, que ce qu'il est bien-aise de croire » écrivait Savinien... On ne saurait donc en vouloir à quelques historiens de l'avoir fait naître à Bergerac, ville que dans le meilleur des cas, Cyrano n'aurait pu que traverser.

Savinien Cyrano eut une vie courte, mais de celles dont on forge des légendes. Il n'en espérait d'ailleurs sûrement pas tant. Chacun d'entre nous connaît quelques-uns des faits qu'on lui prête. Certains sont authentiques, d'autres moins, voire pas du tout...

Jamais une dame Roxane ne lui chavira le coeur. Mais il est vrai qu'il combattit au côté du baron de Neuvillette. C'est justement durant cette bataille à Arras que celui-ci fut tué et que Cyrano qui n'avait encore que 20 ans reçut un coup d'épée à la gorge qui marqua la fin de sa carrière militaire. L'épouse du baron de Neuvillette, cousine de Cyrano, réputée pour ses moeurs légères, devint si dévote au décès de son mari, qu'elle n'eut de cesse, dit-on, de « convertir » Savinien et de le faire renoncer à son état de libertin.

En effet, Cyrano faisait partie de ces intellectuels érudits que l'on désignait à l'époque par ce mot : « libertin ». Ne croyez pas pour autant que ceux-ci avaient forcément un mode de vie dépravé. Depuis le latin « libertinus », qui désignait l'esclave affranchi, jusqu'au sens actuel de « libertin », ce mot a changé de signification plusieurs fois... Il ne fut en fait associé à la luxure qu'au XVIII ème siècle. Au temps de Cyrano, ce mot désignait plutôt : « esprit fort, rebelle ». Aujourd'hui on dirait « libre-penseur » ou « anti-pensée unique ».

On reprochait surtout aux libertins, de ne pas respecter les règles établies, en particulier celles dictées par les représentants de l'Eglise. Ainsi, imposer le carême à une population qui quelquefois mourait déjà de faim, leur paraissait idiot et sans fondement ; ils en faisaient état et osaient ainsi s'élever contre la suprême autorité qu'était l'Eglise à cette époque. Pour autant, ils n'étaient pas forcément athées comme le disaient si souvent leurs détracteurs et comme on le répète encore quelquefois aujourd'hui.

Cyrano affichait, au moins en apparence, beaucoup de respect au nom de Dieu. Un de ses plus estimés maîtres à penser, Gassendi, était chanoine et chrétien sincère, même s'il prenait quelques libertés philosophiques par rapport à la doctrine catholique.

Une phrase de Savinien Cyrano est assez éclairante sur son état d'esprit, jugez plutôt :

« ...je ne deffere à l'authorité de personne, si elle n'est accompagnée de raison, ou si elle ne vient de Dieu. Dieu qui tout seul doit estre crû de ce qu'il dit, acause qu'il le dit. Ny le nom d'Aristote, plus sçavant que moy, ny celui de Platon, ny celui de Socrate ne me persuadent point si mon jugement n'est convaincu par raison de ce qu'ils disent : la raison seule est ma reyne... »

Voilà bien ce que beaucoup de ses contemporains lui ont reproché !

La célébrité de Cyrano et paradoxalement, la méconnaissance que nous avons de lui, reposent sur l'immense succès de la pièce qui porte son nom. Il n'est pas un coin de planète où l'on ne salue, avec raison, le magnifique travail d'Edmond Rostand.

Celui-ci, il faut bien le dire, fut inspiré d'un souffle peu commun.

D'ailleurs, même si le héros de Rostand s'éloigne parfois de son modèle, il le fait avec tant de verve et d'imagination que, j'en suis sûr, le vrai Savinien revendiquerait avec plaisir les talentueuses inventions dont fourmille cette oeuvre !

Quoi qu'il en soit, Rostand ne s'est pas trompé. Evidemment pas. Le personnage de Cyrano mérite qu'on s'y attache...

Dans le siècle où écrivait Rostand, il n'y avait plus grand monde pour se souvenir de Cyrano.

Charles Nodier le premier l'avait sorti de l'oubli en 1838 dans un article écrit pour le « Bulletin du bibliophile ». En voici un court extrait : « ...Il semble qu'un homme qui a ouvert tant de voies au talent, et qui est allé si avant lui-même dans toutes les voies qu'il a ouvertes, devroit avoir laissé un beau nom dans une littérature. Or demandez ce que vaut en France le nom littéraire de Cyrano. [...] Il mourut de chagrin, de misère, et peut-être de faim, à l'âge où le génie achève à peine de mesurer ses forces et de comprendre la hauteur à laquelle son essor peut s'élever. »

En 1858, les oeuvres de Cyrano sont rééditées sous la férule du bibliophile Jacob (Paul Lacroix).

En 1867, Théophile Gautier dans « les Grotesques », fait partager au lecteur son admiration : « Si homme de génie veut dire inventeur, original dans le fond et la forme, personne au monde n'a autant droit à ce titre que Cyrano de Bergerac, et cependant on ne le regarde que comme un fou ingénieux et amusant. »

Le 10 novembre 1872, on donne au théâtre de la Gaieté la tragédie écrite par Cyrano : « La Mort d'Agrippine ». Auguste Vitu, qui présentait cette soirée, reconnaissait : « Ses lettres descriptives, satiriques, burlesques, amoureuses, offrent le plus parfait modèle de ce qu'on appelait le bel esprit ; en littérature comme en fait d'armes, on ne recherchait que les rencontres extraordinaires. »

1886 voit la publication de « Histoire comique des Etats et Empires de la Lune et du Soleil », sous la direction de M. Eugène Muller. En 1893, Pierre Brun fait paraître une biographie de « Savinien de Cyrano Bergerac ».

En 1897, lorsque la pièce remporta le triomphe que l'on sait, Cyrano, n'était donc pas un complet inconnu. L'auteur cultivé qu'était Edmond Rostand avait eu quelques moyens de connaître et d'apprécier les oeuvres de son héros. Manifestement, il les a lues avec attention, et bien des allusions qui, à l'audition de la pièce, passent inaperçues à l'oreille non avertie, prennent une tout autre saveur pour l'oreille initiée.

Oui... La vie de Cyrano sort réellement du commun, mais l'oeuvre qu'il nous a laissée, riche, novatrice, audacieuse, étonnante, mérite aussi notre intérêt.

Toutes deux ont suscité d'abord ma curiosité, puis mon admiration. Admiration augmentée de respect et d'une réelle amitié pour l'homme qu'était Savinien Cyrano.

Libre à vous donc, de me soupçonner de subjectivité dans les quelques lignes qui suivent... et pourtant ! Voici Cyrano, tel que j'ai appris à le connaître !

Savinien, homme de coeur, mettait sa liberté au-dessus de tout. Toute sa vie, il dut en payer le prix. Il aimait ce monde qui était le sien ; mais pour que ce monde soit meilleur, il refusait de se subordonner à des lois ou des concepts caducs, ou allant contre le bon sens élémentaire. Il connaissait parfaitement les écrits des savants qui l'avaient précédé car il ne voulait jamais juger sans connaître.

Ecologiste avant l'heure, il respectait la nature, bavardait avec les oiseaux, écoutait les cailloux parler aux rivières et regardait les arbres porter les cieux. Sa profonde curiosité l'inclinait à s'intéresser à tous les sujets : sciences, religion, philosophie, politique, théâtre, littérature, musique, peinture...

La lecture était une de ses passions. Il détestait le plagiat, aimait l'originalité. « Il ne blâmoit jamais un ouvrage absolument, quand il y trouvoit quelque chose de nouveau » dit son ami Henry Le Bret.

Il n'était pas homme d'argent, et le peu qu'il avait, il ne le gardait pas longtemps. Ceux de ses amis qui étaient dans le besoin savaient s'en souvenir.

Certains l'ont cru arrogant ; c'est vrai que la bêtise ou la crédulité de la foule, du peuple, l'agaçait profondément. Mais il aimait le genre humain et contrairement à beaucoup de ses amis libertins, il ne se considérait pas supérieur à ceux qu'il critiquait.

Il était fier, mais humble ; il revendiquait juste le droit de se défendre ou de défendre une cause, quand il l'estimait nécessaire. Certes, son esprit prompt à s'enflammer, l'entraînait parfois un peu plus loin qu'il ne l'aurait voulu, il le regrettait de temps en temps mais l'assumait le plus souvent...

Cyrano est aujourd'hui l'emblème de l'amoureux romantique... Effectivement, Savinien aima ; certainement et de belle manière, mais pas comme on l'imagine généralement. Le rôle de joli-coeur lui sied mal ; quant à l'état d'amoureux transi, il ne fut jamais de sa pointure. Il avait du respect pour la gent féminine, mais au risque d'en surprendre plus d'un, il nous a laissé quelques raisons de penser qu'il préférait « l'amour des masles ».

C'était un fin bretteur. Combattre avec Cyrano à ses côtés était considéré comme un gage de victoire. Pourtant Savinien, qui fut souvent sollicité pour participer à ce genre de sport dans sa jeunesse, préféra très vite l'efficacité de la pointe de sa plume à celle de son épée. Ce qui lui fit écrire une fois, avec son esprit coutumier : « Ce Monsieur le Matamore veut peut-estre mourir bien-tost, afin d'en estre quitte de bonne heure; mais moy qui suis plus genereux, je tasche de vivre long-temps, au risque d'estre long-temps en estat de pouvoir mourir. » On dirait du Rostand, non ?

Blessé par deux fois lorsqu'il fut soldat et bien que ses compagnons d'armes « le consideroient comme le démon de la bravoure », il pensait que la guerre était une absurdité : « ilz font bien de mourir pour leur patrie ; l'affaire est importante, car il s'agit d'estre le vassal d'un Roy qui porte une fraise ou de celuy qui porte un rabat. » Ou encore : « un honneste homme n'est ny François, ny Aleman, ny Espagnol, il est Citoyen du monde, et sa patrie est par tout. »

Mon éminente collègue et amie, Denise Paulard, me disait un jour : « Cyrano ? C'est un surdoué !... » Et elle s'y connaît ! En effet, il inventa le ballon (bien avant les Montgolfier), le livre-disque, la reproduction sonore portative (oui, le baladeur), les allocations familiales, le voyage lunaire en fusée. Il parlait de l'attraction gravitationnelle, de l'apesanteur, des photons, des ondes sonores, avec une simplicité déconcertante. Il inventa aussi quelques métiers et bâtiments. Et bien d'autres choses plus subtiles ou cocasses dont je renonce à faire la liste ici...

Il était doté d'une imagination débordante et se passionnait pour tout, c'est pourquoi dans ses oeuvres, le bon sens, la philosophie, la poésie et les sciences se rencontraient avec bonheur...

Il avait un nez aussi, c'est vrai. Vous le saviez ? Savez-vous ce qu'il en disait ? « Un grand néz est à la porte de chez nous une enseigne qui dit : Ceans loge un homme spirituel, prudent, courtois, affable, genereux et liberal ; et qu'un petit est le bouchon des vices opposéz. »

Vous comprendrez qu'il était difficile pour Cyrano de passer inaperçu ou de rentrer dans un moule bienséant. De fait, il fut mal compris par ses contemporains. Quelques textes de l'époque parlent de sa folie...

D'autres même parlèrent de sorcellerie, puisqu'il disait, non seulement revenir d'un voyage sur la lune, mais y avoir rencontré des habitants qui, non contents d'avoir des moeurs à l'envers de celles des terriens de Paris, tenaient aussi des propos blasphématoires !

Savinien n'était pas indifférent aux remous qu'il provoquait, et cette sensibilité le rendait souvent intraitable, parfois cruel... Malgré cela, il parvenait à faire de temps à autre, les concessions d'une hypocrisie « alimentaire », qui lui coûtait, même s'il lui arrivait de s'en amuser.

Quand la maladie l'emporta, ses amis gardèrent le souvenir d'un homme épris de justice, fidèle en amitié, le caractère bouillant d'une belle noblesse d'âme, vif, imaginatif et talentueux. Plus tard on reconnut qu'il fut précurseur en bien des domaines...

Ses ennemis, quant à eux, furent soulagés de ne plus avoir à affronter son sens critique ni son regard finement aiguisé, jugé dangereux car trop souvent pertinent.

Malheureusement, force est de constater qu'il n'eut ni les moyens, ni le temps, de trouver dans son siècle ou dans l'histoire de la littérature, la place qu'il méritait ! Pourquoi dans l'histoire de la littérature me direz-vous ?

Voici pourquoi...

Comme vous savez, Cyrano nous a laissé de nombreuses lettres ; la légende garde surtout la mémoire de ses lettres d'amour. En fait ces dernières sont rares dans son oeuvre.

De plus, l'art épistolaire qui était le sien n'a rien à voir avec celui de madame de Sévigné. Il conviendrait mieux d'appliquer à ces lettres le qualificatif de « chroniques ». Celles-ci alimentaient probablement diverses gazettes, la plupart du temps manuscrites et vendues sur le Pont-Neuf.

Je fus étonné lorsque je les décrouvris d'y trouver des traits ou des tournures d'esprit très actuels, à tel point que je fis même l'analogie entre certaines d'entre elles et quelques chroniques radiophoniques contemporaines, notamment à celles de Pierre Desproges et de descendance...

Mais Savinien Cyrano n'a pas écrit que des lettres... Son oeuvre est variée. Si on en juge par le nombre de rééditions, celle-ci a même connu un bon succès jusqu'au XVIII ème siècle. Cependant, il faudra attendre le début du XX ème siècle et la découverte de manuscrits inédits pour reconstituer plus fidèlement et peut-être encore incomplètement ce que Cyrano a voulu nous laisser.

Pour pouvoir tenir enfin entre ses mains les oeuvres complètes, non censurées, de Savinien de Cyrano Bergerac, il aura fallu attendre le monumental travail de Jacques Prévot publié en... 1977. Première édition complète posthume de 322 ans. La postérité n'est jamais pressée d'asseoir sa reconnaissance !

Edition complète disais-je... Peut-être pas, du moins je l'espère ardemment car il nous manque encore certains manuscrits. Combien de ceux-ci dorment encore dans des greniers, dans l'attente d'aller rejoindre ceux qui sont actuellement conservés dans les bibliothèques de Munich, Paris, Sydney ?

Mais je m'égare... Voici ce qu'aujourd'hui on connaît de cette oeuvre avec quasi certitude... Il y a donc ces fameuses lettres, mais aussi :
- une habile comédie intitulée « Le Pédant Joué », farce innovatrice à plus d'un titre, dont Molière emprunta quelques passages, notamment dans ses « Fourberies de Scapin » ;
- une tragédie classique, « La Mort d'Agrippine », originale et ambitieuse par bien des aspects, et dont la forme impeccable n'a pas à rougir de la comparaison avec les oeuvres de Corneille ;
- quelques « mazarinades », fameux pamphlets écrits contre Mazarin durant la Fronde, qui ne sont en fait que des outils de propagande ;
- un roman philosophique en deux parties, « L'autre Monde ou Estats et Empires de la Lune » et « Estats et Empires du Soleil », que les spécialistes du genre considère comme l'ancêtre de la science fiction actuelle ;
- l'ébauche d'un traité scientifique, intitulé « Fragment de physique » qui contient la base de principes aujourd'hui vérifiés et encore d'actualité, mais qui, en 1650 étaient très audacieux, voire condamnables...
Bref, de quoi susciter une légitime curiosité.

Seulement voilà, quand j'ai cherché à me documenter sur cet auteur oublié et sur l'homme qu'il était, je n'ai pu que constater à quel point Savinien était mal connu et à quel point Cyrano de Bergerac était enchaîné irrémédiablement à Edmond Rostand.

C'est ainsi que par hasard (mais finalement avec bonheur), j'ai glissé un doigt dans l'engrenage...

De dictionnaires en encyclopédies, si seulement il est fait mention du véritable Savinien, j'ai lu des choses singulières, rarement concordantes et souvent fantaisistes. Sur internet, Cyrano est complètement récupéré et utilisé dans l'emploi de l'amoureux superbe (dans le monde entier), ou du héros régional (devinez où).

Trouvant que Savinien Cyrano de Bergerac méritait mieux que ces quelques approximations, et voulant apporter ma modeste contribution pour tenter de réparer ce que je pense être une injustice, je me suis attelé à cette tâche passionnante : réunir, potasser et partager tout ce qui a trait au véritable Savinien Cyrano de Bergerac.

Ce site est une des parties émergentes de cette tâche, il reprend en grande partie le texte de l'ouvrage "Le Ciel de Savinien" qui est vendu au profit de l'association. Ce travail a été réalisé dans le respect de l'esprit de Savinien, avec le souci de la forme mais aussi celui de l'exactitude et de l'exigence. Si vous y décelez malgré cela des erreurs ou des imprécisions, n'hésitez pas à m'éclairer de votre lanterne, je n'en serai pas fâché, mais ravi...

Par ailleurs, je n'ai pas la prétention de tout exposer ici, j'ai voulu m'en tenir à l'essentiel. Si vous ne trouvez pas la réponse à vos questions concernant Cyrano, envoyez moi un message, j'y répondrai de mon mieux et avec plaisir, tant il est vrai, cher lecteur, que la moindre des choses en abordant ce travail, est, qu'à l'instar de Savinien, je sois : Votre serviteur,   B.D.G.

10. Questions sur Cyrano de Bergerac (x2)

1. Essayez de traduire en anglais cette phrase du Cyrano historique:
« ...je ne deffere à l'authorité de personne, si elle n'est accompagnée de raison, ou si elle ne vient de Dieu. Dieu qui tout seul doit estre crû de ce qu'il dit, acause qu'il le dit. Ny le nom d'Aristote, plus sçavant que moy, ny celui de Platon, ny celui de Socrate ne me persuadent point si mon jugement n'est convaincu par raison de ce qu'ils disent : la raison seule est ma reyne... »

Questions sur le Cyrano  historique:
2. A l'époque de quel roi a vécu le réel Cyrano de Bergerac?  C'est-à-dire durant quel siècle?
3. Quelle était sa double profession?
4. Qui (Quel auteur) a vraiment transformé Cyrano en héros de légende?
5. Sous quelle forme? Et à quelle époque?

Sur le Cyrano  du film
6. Dans la description de Roxane, il y a un mot [un adjectif] de Cyrano, dont Roxane se sert, mais qui choque Cyrano,  parce que ce mot révèle que ce n'est pas lui qu'elle aime. Quel est ce mot ?
7. Pourquoi Cyrano est-il si triste quand Roxane lui dit: "Je vous aime bien."  Et quelle est sa réaction quand Roxane essaie de lui caresser le visage?
8. Traduisez  en anglais la citation de Cyrano à Christian: "Je serai ton esprit; tu seras ma beauté."
9. Dans la dernière scène, au couvent, Cyrano demande à Roxane de voir la dernière lettre de Christian. Il fait nuit. De quoi Roxane cependant se rend-elle compte?
10. Quel est le tout dernier mot prononcé par Cyrano en mourant?

Film 11. Ridicule (1996) - Un autre film de Patrice Leconte

A note on King Louis XVI (1774-1792)

Louis XVI, though far superior in personal habits than his grandfather [Louis XV] and possessed with a genuine  desire to govern, was pious and virtuous, but he was fat, rather clumsy and lacked sustained willpower. He also ate in excess so that he would often fall asleep during meetings or other functions in Versailles.  Contrary to Louis XIV, Louis XVI had a very common appearance and, even when dressed in the best garments, never looked elegant. His big love was hunting and aside  from this sport, Louis XVI had little taste for the arts and music, and he was too clumsy to dance. In spite of these drawbacks, Louis XVI was liked by the French people. He appeared to have a good heart and to be worthy of trust.  His wife, Marie-Antoinette, was beautiful, charming and at ease in society, in contrast with Louis XVI, who was clumsy and very ill at ease with people. Louis XVI adored his wife to a fault, while Marie-Antoinette had only contempt for him, seeking  frivolous pleasures away from him. She was also a  spendthrift, so much so that she was soon nicknamed "Madame deficit." The fact that she was the daughter of the Austrian empress alienated her from the affection of the French, who remembered that for three hundred years Austria had been France's enemy. In fact, Marie-Antoinette never became French. She looked at the French from an Austrian point of view, and so the French were very unhappy, not only because they hated the  queen, but because France faced crisis after crisis, mostly due to the national debt, which was huge and which tripled after 1774. Between 1775 and 1778 there were many violent riots because of food shortages and  heavy taxes. Louis XVI was faced with an emergency situation, but he could not cope with it. The finances of the state were further drained by France's involvement in the American War of Independence, a way for France to get back at England. Of course there was a more positive aspect to France's assistance to young America. A number of young noblemen, the famous Marquis de Lafayette among them, went to the help of the American patriots. Soon Benjamin Franklin came to France and dazzled the Court, its women and Parisian salons.  But when the war ended in America, France did not gain  much. First of all the Americans signed a unilateral  treaty with England, and France only managed to recover later a few minor territories, the islands of St. Pierre et Miquelon off Newfoundland, that it had lost through  the Treaty of Paris in 1763. The consequences of the American war were serious for France, particularly because it showed the French people a model of government founded on democratic principles. In addition it drastically emptied the coffers of France to the point that it required a meeting of the Estates-General to examine what measures could be taken. Ironically, this meeing did not do much for France's finances, but more importantly, it precipitated the fall of the Old Régime. © Guy Mermie, Historical Background of the French Revolution, p. 59-60

L'histoire:  Les terres  du noble Ponceludon de Malavoy s'inondent et tranforment les champs en marais vaseux empestés de moustiques.. Afin de pouvoir financer un complexe ouvrage hydraulique qui empêcherait ses paysans de mourir de la malaria , le jeune noble part naïvement à Versailles pour plaider sa cause auprès du roi.  Une fois sur place, cependant,  rien n'est plus difficle que d'atteindre sa majesté le roi. Et pour passe droits, il faut savoir user d'esprit. De mots d'esprits. C'est grâce à ce jeu d'apparences, ces faux semblants plus importants que les vrais sentiments, que l'on peut ouvrir toutes les portes.  De Malavoy l'apprendra à ses dépens, piégé par une Madame de Balyac jalouse et orgueilleuse.

ou en anglais:

In Versailles, 1783, biting wit and ridicule were the coin of the day. What few favors or grants the King would dispense, he did so on a scale of wit or ridicule. The more clever the words, the greater the chances the favor would be allowed. To win support for a badly needed project in his region, Grégoire Ponceludon de Malavoy  journeys to Versailles to persuade the palace with logic, reason and an appeal to human decency. Upon arrival, Ponceludon finds himself intoxicated by the senseless mores of the aristocracy and falling into the performance of biting wit at the expense of others. He becomes known for his clever wit while squiring recently widowed Countess of Blayac and falling in love with Mathilde de Bellegarde, the daughter of his host. When the Countess learns of his love for Mathilde, she sets the stage for the ultimate ridicule. But instead of humiliation, Ponceludon recognizes the stupidity of continuing the games of the Court. He reinvents his own new mask and with Mathilde returns to his lands the wiser, empty-handed, but not empty-hearted.

... et en plus détaillé:

Grégoire Ponceludon de Malavoy (Charles Berling) travels to the court of Louis XVI at Versailles seeking support for his plan to drain a marsh in order to relieve his poverty-stricken community from the scourge of malarial fever. Naive in the ways of court, he is robbed and left on the road for dead. A kindly doctor and would-be courtier  finds Grégoire and nurses him back to health with the help of his beautiful and highly intelligent daughter, Mathilde.

Grégoire accompanies the doctor to court where he quickly excels in the fine arts of repartee, ridicule, and sang-froid. Seeing this practice as a route to the king, Grégoire plays the game well and begins to have fun, in spite of himself. He attracts the attention of the influential Comtesse de Blayac with whom he sleeps, despite his love for Mathilde.

A peasant child's death at home inflames his obsession over the marsh. At the moment he is finally about to have the king's attention, he duels with an officer over a matter of honor; he wins the duel but loses his regal audience for having shot a royal soldier. The film ends in the Revolution: Grégoire and Mathilde are well launched in their drainage project and the doctor is an émigré on the English coast learning the fine arts of British humor.

Commentary:  This lavish costume drama evokes Ancien Régime France with tremendous style and irony. Several issues of medico-historical interest can be found in it: the importance of malaria in the recent past of Europe; the utter disregard of the aristocracy for the condition of the poor; the frustration of a man, obsessed with a selfless good idea, when confronted with the machine of courtly bureaucracy; the vignette of a bourgeois doctor who strives beyond himself to be welcome at court. "Whom do I have the pleasure of bleeding?" the doctor politely asks Grégoire in their first encounter.

Initially reluctant to accord the drainage project any consideration, the doctor soon perceives the younger man's natural wit as an entrée for himself into the palace; the project is tolerated. The ridicule of the title pervades the film: from the opening scene -- a graphic portrayal of a courtier urinating on a helpless old nobleman-- until the end, when the king is presumably defeated as Grégoire triumphs. Throughout, the petty functionaries of the court bear satirical resemblance to their equivalents in late twentieth-century France. In life, as at court, each step forward is a game involving the successful ridicule (and humiliation, a.k.a. defeat) of one's nearest opponent.

Showered with awards and nominations upon its release in 1997, director Patrice Leconte's rampantly enjoyable French period drama ranks as one of the best foreign language movies of the last decade. Put aside that all too common distaste for subtitled movies which seems to bother so many people (a baffling affliction which immediately rules out scores of quality films) and you'll uncover a bold, witty, intelligent and splendidly engaging tale which is wonderfully told and supremely well acted.

11. Questions sur Ridicule

1. Cette histoire se passe en quelle année? C’est-à-dire combien d’années avant la Révolution?
2. Quelle est la profession de Monsieur Ponceludon de Malavoy?
3. Qu'espère-t-il obtenir du roi en sollicitant une entrevue auprès de lui?
4. Au moyen de quels deux personnages Leconte illustre-t-il  le bon et le mauvais côté des ecclésiastiques i.e. des hommes d'Eglise?
5. Vous rappelez-vous qui déclare : "Seule une femme peut nous rendre heureux"? Est-ce Monsieur Ponceludon de Malavoy ou Monsieur le Marquis de Bellegarde?
6. Le Marquis de Bellegarde a élevé sa fille unique selon les préceptes de quel philosophe du XVIIIe siècle? (connu pour son traité sur l'éducation)
7.  Un autre philosophe est plusieurs fois nommé, en raison de son bel esprit (wit) mais aussi pour sa compassion.  Quel philosophe?
8. Comment le petit Paul, qui est sourd-muet, sait-il que l'horloge avance de trois minutes?
9. Je vous l'aurai dit en cours, dans quel pays d'Europe retrouvons-nous le Marquis de Bellegarde dans la dernière scène? Pourquoi ce pays-là justement et non pas un autre pays?
10. Expliquez en anglais la différence entre humor (British humor) et esprit (wit) .
 

Film 12:   Le fabuleux destin d'Amélie Poulain

France 2000
Réalisateur: Jean-Pierre Jeunet
Sortie en France: 25 avril 2001
Audrey Tautou:  Amélie Poulain
Matthieu Kassovitz:   Nino Quincampoix

Amélie Poulain est née de parents pour le moins bizarres dans leur austérité. Son père médecin étant persuadé qu'elle a une maladie du coeur, elle n'ira pas à l'école et ne jouera pas avec les autres enfants. L'enfant vit donc dans un monde imaginaire peuplé de monstres inoffensifs et mal portants. Devenue adulte et serveuse dans un café de Montmartre, son destin bascule le jour de la mort de Lady Di lorsqu'elle s'aperçoit qu'elle peut changer la vie des gens en faisant le bien. Elle s'attèle à la tâche, et la tâche est si énorme qu'elle s'imagine déjà y succomber. La redresseuse de sorts, toujours un peu dans son monde imaginaire, tombe amoureuse d'un jeune homme qui collectionne les photos d'identité abandonnées sous les photomatons. Mais ce garçon est-il vraiment bien ? Pour le savoir, Amélie use de stratagèmes dignes d'un jeu de piste et cherche à le voir sans qu'il la reconnaisse.

Une comédie avant tout onirique, qui en rajoute dans le tendre et le romantique puisés à la source des souvenirs d'enfance et des petits plaisirs minuscules à la façon de Philippe Delerm et de sa Première gorgée de bière. La mise en scène est fantaisiste et plaisante, et réserve quelques scènes d'anthologie. Parmi elles, se trouve les rêveries d'Amélie : alors qu'elle s'imagine sa mort, la voix de Frédéric Mitterrand s'élève pour faire l'éloge de la chère disparue. Sur l'écran en noir et blanc défilent les images d'archives d'une existence consacrée à faire le bien, sur le mode "destins foudroyés" : délicieux.

L'image est très travaillée, montrant Paris sous des couleurs inconnues. On reconnaîtra à peine une gare de l'Est de toute beauté, un métro agréable, un pavillon en meulière avec son nain de jardin, soudain épris de liberté, le canal Saint-Martin et les rues pavées de Montmartre. La belle voix d'André Dussolier, narrateur, et la musique à la Jeunet créent un climat de fantaisie légère renforcé par quelques animations.

Elle a vu son poisson rouge tenter de se suicider de multiples fois. Fille seule, elle devient serveuse à Montmartre quand elle s'émancipe de la tutelle parentale et banlieusarde. Elle passe son temps à faire des ricochets sur le canal St Martin. Elle aime aussi casser la croûte des crèmes brûlées. Timide, elle vit dans un monde imaginaire, un studio peint en rose, et sans personne avec qui partager son c?ur gros comme ça. Jusqu'au jour, où Lady Diana meurt. Ce soir là, elle retrouve une petite boîte de souvenirs, cachée dans un de ses murs. Elle décide de la rendre à son propriétaire, qui doit désormais être adulte. S'il est heureux, elle recommencera avec d'autres : son père, Dominique, Georgette, Lucien, Joseph, Madeleine, Raymond, Hipolito· Il n'y a qu'à Collignon à qui elle jouerait bien des tours. Et puis un jour elle récupère par hasard l'album de collection de photomatons de Nino. Mais, trop effarouchée, de peur de le rencontrer, elle s'amuse à devenir Zorro, justicière masquée. Secrètement, elle rêve du grand amour. Au grand jour, elle répare les cafouillages et désordres de la vie des autres. Raymond et Gina vont tout faire pour que la rencontre avec Nino produise l'étincelle de sa vie. Quelle drôle de destin que celui d'Amélie Poulain.

Adorable blouse rose et craquant pour les vieux messieurs dans Vénus Beauté (César), seins nus dans Le Libertin, romantique active/passive dans Epouse-moi et Le battement d'aile du papillon, Audrey Tautou voit son étoile briller de plus en plus fort dans le cinéma français.  [ Audrey Tautou - Fiche EN ]

Incorrigible romantique à mobylette. Il est caissier à mi-temps dans un vidéo porno de Pigalle, étiquetant des phallus de toutes tailles. Le mercredi, jour des enfants, il s'amuse à jouer les gorilles qui murmurent aux oreilles des filles dans un train fantôme de la Foire du Trône. Et sinon il occupe son temps à collectionner les photos jetées par les clients des photomatons. Mais un visage revient à chaque fois, et il cherche à éclaircir le mystère. En poursuivant ce gars étrange qui se fait tirer le portrait dans tous les photomatons de la capitale, il perd un album...
Jusqu'au jour où il tombe amoureux d'un visage masqué, d'une Zorro en tunique, qui apparemment a récupéré un de ses albums photo égaré.

Mathieu Kassovitz joue les pierrots lunaire, adolescents retardant l'âge adulte. Proche de ses personnages de chez Audiard, il est touchant et gentil. Donc parfait dans ce second-rôle singulier.

Le 25 avril sort en France Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, le denier film en date de Jean-Pierre Jeunet.  Cela signifie que ce merveilleux film - dont on ne vous dira pas assez qu'il est " fabuleux " - ne montera pas les marches à Cannes. A deux semaines près... Il y aurait eu légitimement sa place. Mais on sait aussi à quel point les films les plus singuliers peuvent s'y faire assassinés. Plutôt que d'éviter ce risque, Amélie a préféré se dévoiler avant. Car Cannes exige des contraintes : pas de promos avant, pas de projos... et surtout le distributeur voulait l'assurance de pouvoir être sélectionné en janvier, quand le Festival donne ses réponses en avril... Or, il était impératif qu'Amélie soit sur les écrans au printemps.  Ça n'avait pas empêché Cyrano de venir sur la Croisette (et d'y remporter le Prix d'interprétation masculine) ; mais Amélie n'aura pas cette chance - dommage pour les critiques internationaux . Et la France se laissera représenter à Cannes par des films art et essai d'auteurs. Si le succès l'emporte, Jeunet promet une projection spéciale, avec une salle remplie d'Amélie. En attendant, est-ce que le succès sera là ?

Jusqu'ici tout va bien...

Pour le moment, les critiques sont élogieuses. Le Grand Prix de la Fondation Martini lui a été décerné (déjà Delicatessen l'avait obtenu). Et, surtout, le contexte est on ne peut plus favorable.
Depuis le début de l'année, les films français font un carton en salles : comédies ou films de genre (polar, fantastique). Cela a redonné aux goûts au public d'aller voir des productions nationales, différentes, populaires. Les nouvelles stars s'appellent Le Bihan, Cassel, Atika, Garcia, Eric et Ramzy, Diefenthal, ... Les bande-annonces font la promo des Pitof, Dahan et donc du Jeunet. 3 petits clips incompréhensibles sur des visages, des personnages, des excentricités ....

La concurrence sera rude, mais pas insurmontable. Il faudra faire avec les succès des vacances de Pâques : Belphégor, Yamakasi, La tour Montparnasse infernale, .... mais tous seront déjà sur le déclin. Il y aura surtout The Mexican, avec Julia et Brad. Le divertissement divisera cependant le public et ne devrait pas atteindre les mêmes cibles. Donc pas de quoi s'inquiéter, surtout en voyant le boulevard de mai, où aucun nuage ne s'annonce, et ce jusqu'à la fête du cinéma. Encore faut-il que d'ici là Amélie séduise un large public, pour amplifier la rumeur et engranger le triomphe.

Une affiche 4 étoiles...

Pour la rumeur qui précède le film, on peut être assuré que ce film est l'un des plus attendus de l'année, et pas seulement par le budget déployé (72 millions de francs au bas mot), ni les effets visuels réalisés. Car l'atout maître de ce film sera définitivement sa direction artistique, de la musique aux décors en passant par les couleurs et le style. Ce film sera la curiosité à ne pas manquer.

La seconde étoile est évidemment pour le réalisateur. Jean-Pierre Jeunet a déjà la réputation d'un cinéaste inventif, culte grâce à des films comme Délicatessen (déjanté) ou La Cité des enfants perdus (un must), qui l'ont fait apprécié des cinéphiles. Malgré le cauchemar que ce fut, Alien Resurrection, quatrième épisode, lui a permis de mettre son nom dans la lignée des Scott, Cameron, Fincher. C'est, avec Besson, le seul frenchy à avoir fait un hit à Hollywood. Pour de nombreux spectateurs, Jeunet, c'est Alien, et c'est surtout un des rares noms connus des abonnés aux multiplexes.

La troisième étoile c'est Kassovitz. Tout juste auréolé du succès des Rivières Pourpres, il sera aussi membre du jury cannois, ce qui ne peut qu'accentuer la visibilité du film. Jeune star  " Kasso " est la gueule idoine pour le personnage de Nino. Mais la plus brillante des étoiles c'est bien entendu Audrey Tautou, Mademoiselle Amélie. Césarisée l'an dernier pour Vénus Beauté, elle est déjà l'une des actrices les plus demandées sur le web. En couverture de Première, parmi les actrices françaises les plus demandées sur Ecran Noir, Audrey Tautou conjugue la jeunesse, le charme, la séduction, un minois de petit lutin et une interprétation de composition, ce qui n'est pas si courant en France. On peut imaginer que beaucoup succomberont à sa frimousse.

Pas si élémentaire que ça, ma chère Watson

Mais ne croyons pas que le casting fut évident. Au départ Amélie était Emily. Watson. L'actrice de Breaking the waves, qui donc devait incarner une anglaise venant vivre à Montmartre. Mais Emily tombe enceinte et ne peut accepter un tournage si long. Amélie devient Audrey grâce à la complicité du directeur de casting (Benissiou). Audrey créé Amélie.
Pour le reste du casting, ce fut plus simple. Kasso, il l'a rencontré plusieurs années auparavant lors du festival du Film court de Brest, et ils appartiennent à la même famille cinématographique, Jamel, Dominique Pinon, Rufus font partie de ses gueules à la Michel Simon que Jeunet affectionne. Seul le rôle de l'Homme de verre posait problème. Trintignant était pressenti, mais il ne veut plus faire de cinéma. Trintignant ca aurait été un lien logique vers Audiard, avec Kasso... Serrault fut le second choix. Mais il était trop cher. Et il a préféré Belphegor. Ce fut donc Serge Merlin, qui par son absence de notoriété, augmente l'impact de Tautou sur le film...

Le pari d'Amélie c'est Paris...

Amélie est née avant Alien. A l'époque Jeunet compilait des anecdotes, des idées ; il n'y avait pas un sujet de film précis, et cela pouvait partir dans 4-5 directions différentes.Il s'inspirait d'observations, d'histoires vécues (le poisson rouge), de romans (Paul Auster), de la vie de collectionneur de Michel Folco (les photomatons), un film de Vecchiali, de BD de Tardi (le même amour de Paris), d'un style imaginaire à la Prévert...

Car c'est bien Paris qu'il voulait filmer.

" Amélie est un film sur la victoire de l'imagination, ce qui m'amusait, c'était de retrouver, d'imaginer, de réinventer un Paris idéal... ", déclare-t-il.

C'est d'autant plus vrai qu'avant de finaliser ce projet, la FOX l'appelle pour réaliser le quatrième Alien, et qu'après une année sous les palmiers, il ne rêve que de Paris...

Un Paris recréé, pour l'occasion : sans époque, même si l'histoire se passe à la fin des années 90, un peu rétro (citroën DS), sans embouteillage ou stationnement sauvage, relativement printanier, avec des affiches belles et colorées, cohérentes entre elles, aucun graffiti, et un ciel constamment bleuté. " Chaque plan doit être un tableau " se justifie-t-il en citant Kurosawa. Cette exigence esthétique a demande un travail de post production chez Dubois (Le Pacte des loups, Astérix, Alien IV). L'étalonneur était constamment sur le tournage pour assister le directeur photo, Bruno Delbonnel, un copain de 25 ans de Jeunet. C'est aussi le premier film sans Khondji pour Jeunet. Le résultat est saisissant.  Ce cocktail donne une tonalité différente des autres opus du cinéaste, où il remplace la noirceur romantique par une poésie amoureuse plus optimiste. C'est aussi la première fois que Jeunet tourne en extérieur. Comme il l'avoue lui-même, il fallait bien y passer un jour. Il n'a pas aimé, d'ailleurs. Trop incontrôlable : les gens, le temps, l'argent que cela fait perdre...

Et donc de ce mélange de tournage rue Lepic, rue des Trois Frères et Gare de l'Est, il y a un an, de ces images piquées au zapping de Canal + (l'hallucination du cheval dans la course cycliste), de la découverte de Jamel au temps de Radio Nova, ou encore d'un CD de Yann Tiersen écouté par une stagiaire, de ces Foutaises est né Amélie.

Ce que j'aime bien c'est quand les histoires se finissent bien.

La vie fabuleuse d’Amélie Poulain

Votre travail consistera à traduire en anglais aussi idiomatiquement que possible, cette élégante synopsis du film, et à me la remettre obligatoirement sous forme tapuscrite.

Amélie vit en banlieue. C'est une fille pas comme les autres (et si on l'aime, c'est pas de notre faute). Elle voit tour à tour son poisson rouge disparaître dans le bassin municipal, sa mère mourir sur le parvis de Notre Dame, son père vivre une histoire d'amour incroyable avec un nain de jardin. Amélie quitte cet univers opressant pour aller vivre à Montmartre, où elle est serveuse. Un soir, celui de la mort de Lady Di, le hasard brise un morceau de carrelage dans la salle de bain. Un trou dans le mur abritait une petite boite à souvenirs d'un enfant qui avait  dû vivre ici. Elle tente de retrouver incognito et mystérieusement le propriétaire de la boîte. Il s'appelle Dominique. Il en pleure de joie. Sa vie retrouve soudainement un sens.

Du coup, Amélie a aussi trouvé un but à sa vie: améliorer la vie des autres par petites touches, de la concierge à son voisin, l'Homme de verre; de sa collègue Georgette au client, l'écrivain maudit, Hipolito.  Mais un jour elle tombe sur un garçon étrange, tout aussi timide, beau. A la station Abbesses, Nino Quinquampoix (comme la rue près de Beaubourg) ramasse les photomatons sur le quai du métro. La fascination d'Amélie pour Nino perturbe un peu sa vie... Et Nino va évidemment rentrer dans le jeu d'Amélie. Elle se défile. Il lui court après. S'embrasseront-ils?

C'est une histoire d'amour, avec un grand A. L'amour de Paris et ses pavés, d'Amélie et ses coquetteries, des autres et leurs défauts, leurs qualités. C'est une histoire où on apprend à regarder et aimer son voisin, à vouloir le bien de tous. Et ça n'a rien de chrétien. C'est juste humain!

Film 13: L'auberge espagnole (2001) - Un film de Cédric Klapisch

Xavier, un étudiant parisien de 25 ans, se fait offrir par un ami de son père un emploi au ministère des finances. Mais le poste requérant une bonne connaissance de l'espagnol, le jeune homme accepte de séjourner un an à Barcelone. À son arrivée, il est hébergé temporairement par le neurologue français Jean-Michel et son épouse, la réservée Anne-Sophie. Puis Xavier s'installe dans un appartement avec cinq autres étudiants, l'Anglaise Wendy, l'Italien Alessandro, l'Allemand Tobias, le Danois Lars et sa copine tarragonaise Soledad. Peu après, Isabelle, une Wallonne lesbienne, devient la septième colocataire. Grâce à ses conseils, Xavier parvient à séduire Anne-Sophie, peu de temps avant que Martine, la petite amie de l'étudiant restée à Paris, décide de rompre avec lui.

Après l'échec de PEUT-ÊTRE, son laborieux film d'anticipation, Cédric Klapisch revient en grande forme avec L'AUBERGE ESPAGNOLE, une comédie de moeurs ludique dans laquelle il remplace en quelque sorte les lycéens français du PÉRIL JEUNE par des étudiants de diverses origines, et le quartier parisien coloré de CHACUN CHERCHE SON CHAT par la non moins bigarrée capitale catalane. À travers un récit résolument chaotique, à l'image de l'état d'esprit du jeune protagoniste qui se cherche, Klapisch offre une vision plutôt optimiste de l'Union européenne, bordélique certes, mais farouchement solidaire. Comme dans cette scène hilarante où les colocataires, aux quatre coins de la ville, reviennent en toute hâte à l'appartement pour empêcher le petit ami londonien de Wendy, arrivé à l'improviste, de la surprendre au lit avec un jeune Américain. Bien sûr, les membres de cette communauté européenne en miniature n'évitent pas toujours la caricature et certains d'entre eux font l'objet de sous-intrigues peu abouties. Mais ces quelques lacunes sont rachetées par une réalisation fraîche et inventive, qui utilise de façon amusante les accélérés, les «split screen» et les incrustations numériques. Romain Duris, l'acteur fétiche de Klapisch, fait montre d'une belle candeur, au sein d'une distribution aussi talentueuse qu'attachante. (Louis-Paul Rioux)

.. ou dit autrement par un autre critique

Xavier a 25 ans et il n'est pas sûr que ce soit le plus bel âge de sa vie. Certes, notre héros ne peut légitimement pas se plaindre. Primo, sa petite amie est jolie, d'ailleurs, on le remarque illico, elle est interprétée par... Audrey Tautou. Sa maman ? Elle est restée pieusement fidèle à quelques poussiéreux principes soixante-huitards. Mais elle a beau insister pour que Xavier mange végétarien, il serait faux de prétendre qu'elle étouffe sa progéniture sous une tonne de préceptes idéologiques désuets.

Etudiant moyennement motivé, Xavier n'a pas de soucis d'argent, nulle inquiétude sentimentale tenace, point de tracas existentiel insurmontable. On serait presque tenté de dire que ledit Xavier n'a strictement aucun intérêt. Oui, mais voilà : la banalité des personnages, au cinéma comme ailleurs, constitue parfois un atout majeur pour qui sait extraire de l'anodin des situations exemplaires qui rappelleront forcément une foule de choses aux spectateurs. C'est le cas de Cédric Klapisch avec sa bien nommée « Auberge espagnole », comédie où tout un chacun reconnaîtra indubitablement les petits riens (rigolos ou pas) qui ont jalonné sa propre existence.

Xavier, 25 ans donc, et un gros souci en perspective : entrer dans le monde du travail et le conformisme social. Bref, rentrer dans le rang... Avant de devenir haut fonctionnaire dans un ministère probablement sclérosant, notre homme doit partir un an en Espagne, à Barcelone, histoire de maîtriser la langue de Pedro Almodovar et d'apprendre deux ou trois trucs sûrement essentiels concernant les règles excitantes de l'univers économique. Sur place, il partage un appartement avec quelques-uns de ses semblables venus d'autre pays européens, séduit une de ses jolies contemporaines (Judith Godrèche) mal mariée à un médecin un tantinet abruti. Il vit surtout une année douce-amère durant laquelle il comprend confusément qu'il va lui falloir batailler ferme pour ne pas devenir niais une fois que l'âge adulte imposera ses lois.

Alors : blague régressive? Enfilage de clichés pénibles à propos de l'adolescence éternelle ? Deux fois non. Avec « L'auberge espagnole », Cédric Klapisch retrouve toutes les qualités qui faisaient le prix du « Péril jeune » et de « Chacun cherche son chat » : mélancolie dopée à l'humour ravageur, capacité à en dire long sur le déterminisme social sans jamais s'appesantir dans le discours édifiant, talent pour dépeindre les groupes aux prises avec les contradictions communautaires. Dans un cinéma français si souvent écartelé entre ses films d'auteur diablement austères et ses comédies populaires si fréquemment racoleuses, Klapisch s'inscrit dans une catégorie peu fréquentée : celle des metteurs en scène de la troisième voie. Créateurs qui - à l'instar du Jean-Pierre Jeunet d'« Amélie Poulain » ou d'Agnès Jaoui avec « Le goût des autres » - savent rendre universelles des histoires a priori minimales. Formidablement complice avec Romain Duris, son comédien fétiche depuis des lustres, Cédric Klapisch signe aujourd'hui une comédie épatante, qui ne prétend pas révolutionner la grammaire du cinéma mais touche juste. Alors que l'été, saison maudite pour les exclusivités, pointe le bout de son nez, voici une occasion unique de découvrir un petit film sympathique, futé, et finalement touchant. Il n'est pas à exclure que cette « Auberge... » accueille des clients en nombre. Ce ne serait que justice.   (Olivier De Bruyn)

Filmographie de Cédric Clapisch  - Né le 4-11-1961 à Neuilly-sur-Seine.
1991 « Riens du tout ». Avec Luchini.
1993 « Le péril jeune ». Avec Vincent Elbaz, Romain Duris
1995 « Chacun cherche son chat ». Avec Garance Clavel.
1996 « Un air de famille ». Avec Jean-Pierre Bacri, Agnès Jaoui.
1999 « Peut-être ». Avec Jean-Paul Belmondo, Romain Duris.
2001 « L'auberge espagnole ». Avec Romain Duris, Judith Godrèche, Audrey Tautou.

L'idée de L'Auberge espagnole est venue à Klapisch des souvenirs du séjour à Barcelone qu'avait effectué sa soeur il y a dix ans. Réalisé dans l'urgence, le film n'est autre qu'un projet imaginé presque par accident lors d'une interruption sur la préparation de Ni pour, ni contre (bien au contraire), un film de braquages avec Marie Gillain à sortir en mars prochain. Le casting de la comédie collégiale a permis à Klapisch de visiter plusieurs capitales européennes à la recherche des étudiants Erasmus destinés à peupler l'auberge, et par là même de confirmer plusieurs clichés répandus sur les diverses nationalités: "Lors du casting au Danemark, tous les acteurs sont arrivés avec un quart d'heure d'avance; en Italie, tous le monde est arrivé une heure en retard!".

Klapisch a déjà achevé le tournage de son nouveau film « Ni pour ni contre, bien au contraire »

13. Questions sur L'auberge espagnole

1-2. Traduisez ce qu’écrit André Maurois à propos de la lecture, semblable à une auberge espagnole: “On n’y trouve que ce qu’on y apporte.”  =

3-7  Comment traduisez-vous en français:

- I’m sad you’re leaving =
- I miss you so much =
- I’m no longer that =
- But I’am all that. I’m French, Spanish, English, Danish =

8. Qui était Erasmus?

9. A quel programme a-t-il donné son nom?

10. Pourquoi les parents de Martine lui ont-ils donné ce prénom?

11. Pourquoi le professeur d’université refuse-t-il de donner son cours en espagnol?

12. Pourquoi Isabelle pense-t-elle que son raisonnement n’a pas de sens?

13. Quelle est la meilleure façon, selon Juan, le barman, d’apprendre en deux mois l’espagnol de puta madre ?

14-15. Pour lui rappeler son identité française, de son côté, le jeune Catalan cite trois stéréotypes. Pouvez-vous en citer deux?

16, Dans le même sens d’idée, quelle est, dans un moment de colère, la pire insulte de Wendy envers Xavier? De quoi le traite-t-il?

17-18. Quels stéréotypes ? trop connus pour être explicités - sont appliqués à Allessandro et à Tobias?
a)
b)

19-20. Avez-vous compris quelques-uns des mots d’argot?
a) “Elles sont tarées, les meufs, j’ te jure. =
Ou encore:
b) “Elle est allée acheter des clopes.” =
Comment traduisez-vous en anglais  le  mot “meuf” et le mot  “clopes”?
c) meuf =
d) clopes =
Plusieurs fois vous avez entendu Xavier employer le mot “bordel”.
e) bordel =
 

Pour votre présentation individuelle:  Films (parmi d'autres)  que vous pourriez utiliser pour votre présentation orale

01. Jean de Florette (1986) - Un film de Claude Berri [S-VT 1733]  Tiré du roman de Marcel Pagnol, L'eau des collines.

L'histoire:  La Provence, années 20.  Jean s'installe avec sa femme et sa fille Manon dans une ferme qu'il vient d'hériter. Il veut y faire un élevage de lapins et cultiver des légumes. C'est sans compter sur la convoitise de ses voisins, le Papet et Ugolin, qui ont bouché la précieuse sourcede Jean avant son arrivée.

02. Manon des sources (1987) - La suite du film [S-VT 1734]

Dix ans ont passé depuis la mort de Jean de Florette. Manon a 18 ans et s'occupe de ses chèvres dans les collines. L'heure est arrivée de se venger contre le Papet, Ugolin et le village tout entier.

03. Mondo (1994) - Un  film de Toni Gatlif

Synopsis
A Nice, revisité par la poésie de Le Clézio et celle de Tony Gatlif, les déambulations et les rencontres magiques de Mondo, l'enfant venu d'ailleurs.  Mondo a dix ans et vient de très loin. Ses amis sont des rêveurs comme lui : un pêcheur qui lui apprend à lire avec des pierres, un magicien avec des colombes, un poète funambule, une grande voyageuse vietnamienne avec une maison pleine de lumière dorée et qui aimerait l'adopter. Une œuvre belle, sensible et tendre qui adapte avec justesse la nouvelle de Le Clézio.

A propos du film
"C'est l'histoire d'un petit garçon de dix ans venu de tous les pays en marge, de tous les pays meurtris par la misère, la guerre : Albanie, Roumanie, Kurdistan et tant d'autres... C'est l'histoire d'un enfant de la rue et à travers lui, celle de tous les enfants martyrs. Mais ce n'est pas une histoire tragique. Mondo arrive à Nice, ville riche par excellence. Il aurait pu venir et culpabiliser tout le monde. Au lieu de cela, il a le courage de donner, de donner un sourire. Mondo, le petit prince, donne du bonheur aux marginaux de la rue. C'est un conte basé sur le réel." (Tony Gatlif)

Mondo a dix ans et vient de très loin. Ses amis sont des rêveurs comme lui : un pêcheur qui lui apprend à lire avec des pierres, un magicien avec des colombes, un poète funambule, une grande voyageuse vietnamienne avec une maison pleine de lumière dorée et qui aimerait l'adopter. Une œuvre belle, sensible et tendre qui adapte avec justesse la nouvelle de Le Clézio.

Questions sur Mondo
1. Quel est le nom de l’auteur français, très populaire en France, dont la nouvelle a servi à Toni Gatlif pour réaliser son film?
2. La question semble trop facile: Pourquoi avoir donné à ce petit garçon le nom de Mondo?
3. Tony Gatlif a réalisé ce film  en partie pour réagir à la misère de trois peuples d’Europe ou du Moyen Orient encore apatrides (i.e. sans patrie) au XXIème siècle.  Quels sont ces trois peuples
4. Autant que vous puissiez l’exprimer en français, quel parallèle le réalisateur a-t-il voulu montrer entre Mondo et les ramasseurs de chiens perdus?
5. Quel est le symbole de Mondo devenant l’ami de Thi-Chin, une Juive née au Viet-Nam?
6. Quel peut-être le symbole de Mondo écoutant les cantiques chantés dans une église remplie de gens?
7. La langue chantée n’était pas du français. Pouvez-vous deviner dans quelle langue chante cette communauté religieuse?
8. Vous l’aurez remarqué, la langue maternelle de Mondo n’est pas le français. En particulier il fait des fautes de genre (confondant le masculin et le féminin).  Avez-vous remarqué l’une de ses fautes de genre les plus visibles?
9. Je vous l’aurai dit en classe, ou bien vous l’aurez lu dans l’une des critiques, qu’est-ce qui est arrivé à Mondo, à sa mère et à sa grand-mère après que le film a été tourné?
10. Pour quelles raisons recommanderiez-vous ce film à un(e) ami(e)?

04. La fracture du myocarde (Cross My Heart) 1990 - Un film de Jacques Frantsen (S-VT 3387)

Synopsis
Pour ne pas se retrouver à l'assistance publique, Martin, douze ans, cache la mort de sa mère. Ses copains découvrent son secret et vont l'aider à le porter et trouver mille astuces pour préserver le secret..

Un commentaire récent:  Une analyse délicieusement amère de la société des adultes, 18 septembre 2004
Très bon film analysant à merveille et sans prétention deux logiques : celle des adultes utilitaire et conforme à ce qui se fait qui étouffe, exclue, rejette...et trahit; face à celle de jeunes d'un collège qui font preuve d'une solidarité qui transcende... débloque... révèle...et reste fidèle à une amitié vraie; le tout dans un film sans aucune prétention moralisatrice... mais qui se veut un reportage intime qui porte l'espoir d'un futur autre... sauf si bien sûr la norme étouffe les petites flammes qui se sont ainsi révélées à eux mêmes.

05. Olivier, Olivier (1992) - Un film d'Agnieszka Holland  (S-VT 3390)

L'histoire
Les Duval vivent heureux avec leur fille aînée Nadine et le petit Olivier, 9 ans. Un jour, ce dernier disparaît mystérieusement. Fugue ? Enlèvement ? Meurtre ? Le bonheur des Duval est brisé. Il faudra attendre 6 ans pour que l'inspecteur jadis chargé de l'enquête retrouve Olivier, devenu délinquant, et le ramène chez les siens. \

Two reviews
Olivier Olivier is a hauntingly elliptical, visually mesmerizing revelation of a puzzling mystery. The story is set on the sweeping French countryside where Serge Duval, a veterinarian, lives with his wife, Elisabeth (Brigitte Rouan) and their two young children. One day, while on an errand to deliver food to his ailing grandmother, the cherubic Olivier vanishes without a trace. The disappearance of a child is heartbreaking for anyone to endure; for the Duvals, the experience leads to the disintegration of their family (note the symbolism of the furniture burning). Elisabeth, unable to accept the loss of her favorite child, redirects her anguish and guilt at everyone. Serge, frustrated by his wife's hysterical tirades, abandons his family for a veterinary post in Chad. Several years later, Olivier seemingly resurfaces in the form of a teenage Parisian hustler (Gregoire Colin). His parents quickly embrace his return, hesitant to pry into his lost years, and only his older sister Nadine, perhaps resentful of the lavished attention on the prodigal son, questions his identity. Olivier, Olivier is a subtly mystical and insidiously captivating film.

Agnieszka Holland's signature style of infusing supernatural elements and hyperbolic imagery is evident throughout the film. Note the children's hunt for extra-terrestrials, Nadine's telekinesis, and story telling and fairy tales (specifically the parallel between the tale of Little Red Riding Hood and Olivier's disappearance). Similar to Krzysztof Kieslowski's The Double Life of Veronique, this technique symbolizes awakening, the unraveling of a fantasy, the loss of innocence. Olivier, Olivier is a fascinating and powerfully seductive film about lost youth and the aftermath of an unconscionable nightmare. © Acquarello 1999.

Olivier Olivier, written and directed by Agnieszka Holland (Europa, Europa), is a French film about a dysfunctional family. Disequilibrium in this nuclear unit is caused by Elisabeth's obsessive love of her nine-year-old son Olivier. He receives all her attention, setting off waves of anger in her husband Serge, a veterinarian, and in her 11-year-old daughter Nadine.

When Olivier disappears while on an errand, Elisabeth's mental health deteriorates. Serge leaves for an assignment in Africa and Nadine becomes the sole target for her mother's rage at losing her beloved son. Six years later, the inspector who handled the case comes across a teenage hustler he's convinced is Olivier. The street-wise and manipulative adolescent bewitches his father and mother. He tries to seduce Nadine who has developed telekinetic powers. Is he really Olivier?

This riveting film explores the subterranean emotions which can keep a family together or tear them apart. Agnieszka Holland draws out mesmerizing performances from Brigitte Rouan as Elisabeth and from Marina Golovine as the adolescent Nadine. These two women perform a dance of love and hate. Olivier, Olivier plumbs the depths of disappointment, rage, guilt, and loneliness which can turn families into war zones where all the inhabitants are severely traumatized. © Frederic and Mary Ann Brussat

06. La fille sur le pont - Girl on the Bridge - Un film de Patrice Leconte

L'HISTOIRE EN QUELQUES MOTS :

"Vous avez l'air d'une fille qui va faire une connerie." Un pont de Paris, la nuit, une fille aux yeux embués, penchée au-dessus des eaux glacées de la Seine avec une grosse envie d'y noyer ses tristesses. Et puis derrière, un type surgit de nulle part, inattendu, intéressé. Il s'appelle Gabor, il est lanceur de couteaux, il a besoin d'une cible. Elle s'appelle Adèle, elle n'a jamais eu de chance, elle n'a plus envie d'insister ; et c'est vrai qu'à tout prendre, quitte à mourir, autant se rendre utile.

Il y a comme ça des modèles qui inspirent les artistes ; il y a des chances qui vous tombent dessus sans prévenir, au détour d'un pont, quand deux destins fêlés se rencontrent, que côte à côte ils deviennent les deux morceaux d'un numéro gagnant, une sorte de trèfle à quatre feuilles recollé. Et brusquement la vie se met à leur sourire. Les couteaux peuvent pleuvoir, les billes tourner sur les roulettes des casinos, ils peuvent traverser des mers ou des pays, marcher en équilibre au bord du vide, jouer leurs vies à pile ou face, tant qu'ils seront ensemble la chance les tiendra tous les deux par la main.

Mais la chance c'est fragile, c'est susceptible, ça vous quitte pour un rien. Il suffit de la contrarier, qu'Adèle et Gabor se tournent le dos, fassent un pas l'un sans l'autre, et la chance, ils peuvent faire une croix dessus. D'ailleurs il n'est pas impossible qu'un soir, sur un pont d'Istambul, vous croisiez un lanceur de couteaux qui ait envie de se foutre à l'eau. Et puis derrière, peut-être, avec un peu de chance, une fille viendra vers lui, une fille revenue de loin, et qui s'appelle Adèle et qui a besoin de lui : "Vous avez l'air d'un type qui va faire une connerie".

Le film est un hymne poétique sur l'amour et la chance. Le site d'Ecran Noir est donc le reflet de ce beau film, en 7 parties, qui se suivent, sans l'espoir d'en sortir. Un site fermé, en huis-clos, qui vous fera découvrir l'univers de deux êtres étranges, attirés par leur malchance, et qui atteindront une certaine magie ensemble. Un site qui défile un peu comme on raconte une belle histoire...

From Écran noir

About the film

One chilly night, on a Paris bridge, a girl leans out over the Seine with tears in her eyes, contemplating the icy waters below. Suddenly, a stranger with a penetrating gaze emerges out of the darkness, a man who will change her life. It is Gabor, a once brilliant but now fading performer in need of a partner. He has set his sights on this luckless but oddly alluring girl, Adèle, a girl with nowhere to go who is shifting nervously on the edge of a decision. In his 18th film, an erotic fairy tale about luck and love, director Patrice Leconte again astonishes.

Girl On the Bridge is part romantic comedy, part road movie that moves along with the exuberance and suspense of an action thriller. A hypnotic modern fairy tale told against a romantic and oddball whirlwind tour of Europe, the film received a Golden Globe nomination for Best Foreign Film as well as eight César Award nominations (including Best French Film, Best Actor, Best Actress, Best Director, Best Cinematography and Best Writing).

Daniel Auteuil earned the César for Best Actor for the film. Gabor (BAFTA and César winner Daniel Auteuil) is a circus performer with unusual telepathic talents. Now half of a knife-throwing act, he needs a willing target who, preferably, does not care too much about life as it is dangerous work. He finds all that he is searching for-and more-in Adele (Cesar winner Vanessa Paradis), the dispirited young girl he recruits after their chance encounter on the bridge. Quickly transformed from a wounded doe into a glamorous Cinderella, Adèle is whisked away to Monaco by her new svengali. Though sternfaced Gabor is falling hard for his lovely Pygmalion, he never touches her?

A situation that generates ample sexual tension between them as their knife-throwing routines gain a thrilling urgency and sensuality. Plunged into a strange, telepathic symbiosis, they perform to audiences from Paris to the Peloponnese leaving them mesmorized. But like a dollar bill that has been torn in half, Gabor presents Adèle with half a dollar bill they then discover that each of them is worthless without the other.

Ultimately, these two halves of a whole must rely on their mystical connection to overcome the circumstances that conspire to keep them apart. Taking us from sumptuous Mediterranean locales to an exotic, Fellini-esque carnival sideshow, Girl on the Bridge is a charming, chaotic, unforgettable ride through the tunnel of love.

Reviews

"A wonderful new feature. An enchanted love story". Roger Ebert, CHICAGO SUN TIMES

"Perilously close to perfection! Great entertainment. Fearlessly original, wildly funny and subversively erotic. One of the Telluride Film Festival's flat-out triumphs. A fearlessly original, wildly funny fairy tale. Absurdist in tone and subversively erotic ? each fling of the knife carries a sexual charge ? it sustains a pace usually reserved for mindless action thrillers, yet appeals to the mind with a cinematic wit that is sharpened by stunning black-and-white photography and brilliant editing. A sensation!"   Joe Morgenstern, WALL STREET JOURNAL

"Whimsical, sexy, and smarter than your average romantic fare."  Deanna Kizis, ELLE MAGAZINE

"Three and a half (out of four) stars! Stunning. Original. Vanessa Paradis has the aura of film legends: Jeanne Moreau's eyes, Marilyn Monroe's voice and Jean Seberg's boyish bob. Vanessa Paradis takes on the allure of a mythical star. Erotically charged. Exotic? powerful. Alluring and funny."  Geneviève Royer, MONTREAL GAZETTE

"Erotic. French director Patrice Leconte has emerged as one of the leading lights of French cinema. In the energetic and irrepressible Girl on the Bridge, Patrice Leconte works with brilliant and ubiquitous French actor Daniel Auteuil and actress Vanessa Paradis. Patrice Leconte makes a stylish, passionate attempt to reinvent a genre: romantic comedy."  Robert Denerstein, ROCKY MOUNTAIN NEWS

"A wonderfully sensual romance."  -Bruce Kirkland, TORONTO SUN

"This unexpectedly intense black-and-white French romance about faith and our ability to save one another was the hit of the Telluride Film Festival."   Warren Epstein, COLORADO SPRINGS GAZETTE

"Hits the bull's-eye. An unconventional love story that toys with the conventions of movie romance while careening ahead with the suspense and verve of an action thriller. A charming comedy. The sexual subtext of the knife-throwing sequences is right up there with the hormone-charged gluttony in Tom Jones. Big, bold musical contributions range from Benny Goodman to Marianne Faithfull, and from Brenda Lee's 'I'm Sorry' to the infectious North African rhythms that gave The Hairdressers Husband much of its haunting edge."  - Lisa Nesselson, VARIETY

"Girl on the Bridge may earn Vanessa Paradis a place in that shapely line of French actresses - Signoret, Bardot, Deneuve -who have encouraged Americans to feel oh-so-very Continental about sex." - Joseph Hooper, MEN'S JOURNAL.

Extraits
http://perso.club-internet.fr/vatzhol/fillepontextraits.html

Adèle: Et bien parce que c'est toujours comme ça avec moi : ça commence mal et ça finit encore plus mal. Je tombe jamais sur le bon numéro.

Adèle: Et bin la poisse, ça s'explique pas, hein... C'est comme l'oreille musicale, si vous voulez, on l'a ou on l'a pa

Adèle: Vous savez les papiers collants qui attirent les mouches en spirale ? Mais c'est moi craché. Les histoires moches, il n'y en a pas une qui me passe à côté. Faut croire qu'il y a des gens comme ça qui font aspirateur pour soulager un peu les autres. Je tombe jamais sur le bon numéro. Tout ce que j'essaye, ça rate. Tout ce que je touche, ça se transforme en vacherie.

Adèle: Peut-être que j'ai jamais mérité mieux ? Ca doit être écrit quelque part, j'sais pas où. Y en a qui sont fait pour vivre en rigolant, moi j'ai jamais passé un seul jour de ma vie sans me faire avoir.

Gabor: Vous avez l'air d'une fille qui va faire une connerie.

Adèle: Il faut pas que j'y pense, c'est tout...
Gabor: Non, vous avez raison, pensez à des trucs marrants, ça vous donnera un petit coup de pouce.
Adèle: Non, mais ça va pas être facile, parce que les trucs marrants, c'est pas trop ma spécialité. C'est même à cause de ça que je suis là, vous voyez...
Gabor: Vous savez ce que je vois surtout ? Je vois qu'il va y avoir gaspillage, et ça, je supporte pas.
Adèle: Mais quel gaspillage ?
Gabor: Mais vous ! On ne jette pas une ampoule quand elle éclaire encore.
Adèle: Oui, bin, l'ampoule, ça fait un moment qu'elle est naze, figurez-vous.
Gabor: Vous me foutez le bourdon, là.
Adèle: Oh et bin, restez pas là, je vous ai rien demandé, je suis au bout du rouleau, vous comprenez pas ?
Gabor: Mais, enfin quel rouleau ? Euh, regardez vous, il est même pas entamé votre rouleau. Vous traversez une mauvaise passe, et puis c'est tout.
Adèle: Mais depuis que je suis née, je traverse une mauvaise passe. J'ai le label catastrophe, ça s'en va pas.
Gabor: Mais qu'est-ce que vous croyez ? Que ça va partir à l'eau ?

Gabor: Passé la quarantaine, le lancé de couteaux devient aléatoire. C'est pour ça que je recrute sur les pont. J'aime bien rendre service.

Adèle: Non, il me manque juste un petit peu de cran, parce que j'ai peur que ça soit glacé,
Gabor: Bin, évidemment que c'est glacé ! Qu'est-ce que vous croyez ? Qu'ils la chauffent ?

Gabor: Vous seriez pas un peu con par hasard ?

Gabor: Ca vous arracherait la chique de sourire de temps en temps ?
Adèle: Vous trouvez que c'est le moment ?
Gabor: Mais c'est même le moment où jamais, vous devriez être dans un frigo, avec une étiquette aux doigts de pied.
Adèle: De toute façon, j'aurais dû le savoir...
Gabor: Savoir quoi ?
Adèle: Que je me raterais ! Je suis capable de rien, ni de me noyer correctement. Ca a toujours été comme ça.
Gabor: Et allons y, le violoncelle... Et que je te chiale un coup.
Suicidé: Faut pas vous laisser abattre. Un jour ou l'autre, vous y arriverez.
Adèle: Oh bin non, c'est pas la peine que j'insiste. J'ai jamais eu de chance pour rien, la preuve !
Gabor: Ah mais quelle preuve ? Quelle chance ? Ah non ! Venez avec moi.
Suicidé: Non, mais il faut qu'elle réchauffe. Vous voyez bien qu'elle n'est pas dans son assiette.
Gabor: La chance, la chance ! Qu'est-ce que vous croyez ? Que ça s'attrape comme ça, en regardant en l'air comme la grippe ? Mais il faut y croire, il faut la vouloir. Il faut se bouger le cul. Allez. Faut aller la chercher la chance, bordel de chiotte !
Adèle: Mais la chercher où ? Des coups de bol, j'en ai jamais vu passer. Je sais même pas à quoi ça ressemble.
Gabor: A moi. Vous voulez que je vous montre ?

Adèle: On peut tuer quelqu'un avec ces trucs là... ?
Gabor: Ah mais on peut tuer quelqu'un avec n'importe quoi. Avec un cure-dent, avec un trombone. Il ne faut pas se fier aux apparences, hein.
Adèle: Pas se fier, vous êtes marrant. Il fout quand même les ch'tons votre matériel.
Gabor: Mais les ch'tons de quoi ? Je croyais que vous étiez au bout du rouleau, que vous vous foutiez de tout. Il faudrait savoir. Ca vous a passé ?
Adèle: J'en sais rien moi. J'ai même pas eu le temps d'y repenser.
Gabor: Non, mais, regardez moi franchement : est-ce que je vous fait peur ?
Adèle: Bin, franchement, il faudrait pas me pousser beaucoup... Ca dépend...
Gabor: Ca dépend de quoi ?
Adèle: Je sais pas mais avec votre atelier, là, on peut pas dire que vous faîtes penser à un ange.
Gabor: Et ça ? Ca vous fait peur ça ?

Gabor: Vous en mettez ?
Adèle: De quoi ?
Gabor: Non, mais à votre avis, quand vous vous en fermez aux chiottes avec le premier venu, en général, vous mettez quoi ? Des boules Quiès ? Un protège-dents ?
Adèle: C'est pas le premier venu. C'est... Il fait de la tachycardie
Gabor: Et alors ?
Adèle: Bin alors... il a le coeur qui bat trop vite. Et moi aussi des fois. J'avais besoin, j'avais envie que quelqu'un me prenne dans ces bras. J'avais besoin d'un petit peu de douceur, et puis bon euh, je me suis peut-être un petit peu emballé, j'ai pas réfléchi.
Voyageur: Moi, non plus. On n'a pas réfléchi.
Gabor: Ah, bin comme quoi, vous étiez fait l'un pour l'autre. A vous deux, vous êtes à l'abri de la congestion cérébrale. Hein, ça...
Adèle: C'est de ma faute. Je sais bien que c'est pas une solution. Ca fait que colmater les brèches.
Voyageur: Mais quelles brèches ?
Gabor: Ben les siennes. Vous voyez bien qu'elle est fêlée de partout. Non. Non, non, ça ira, merci. Vous pouvez aller colmater ailleurs.

Gabor: Qu'est-ce qu'il y a, il vous plaît ? Si vous voulez faire connaissance, les chiottes sont sur votre droite.
Adèle: On me sourit, je suis polie.
Gabor: Ah, mais j'ai bien peur qu'avec vous, la politesse finisse toujours au fin fond d'un plumard, hein.
Adèle: Non, mais évidemment, si vous voyez le mal partout...
Gabor: Non, non, non, pas partout, non.

Gabor: Et puis vous me feriez plaisir si vous pouviez vous tenir à peu près droite, les reins cambrés, les épaules sorties et avec un rien de défi dans le menton, l'air décidé.
Adèle: Décidé à quoi ?
Gabor: A émouvoir. Tout à l'heure, il faudra que les spectateurs tombent amoureux de vous, qu'ils aient les boyaux noués quand le premier couteau partira.
Adèle: Non, mais vous faîtes pas de soucis : quand ils vous verront, ils seront complètement noués.
Gabor: Et puis, faites vous un petit trait noir, là, sous les yeux, ça vous donnera un regard inquiet, un peu tragique. Ca plaît toujours, ça.
Adèle: Vous trouvez pas que j'ai l'air assez tragique comme ça ? C'est peut-être pas la peine d'en rajouter.

Adèle: Comment vous faite à l'aveugle ? Vous fermez les yeux ?
Gabor: Ah, non. Ecoutez, tenez vous droite, respirez à fond, je m'occupe du reste, hein.
Adèle: Mais vous l'avez déjà fait ?
Gabor: Pas entièrement. Il me manquait la cible. J'vous attendais.
Adèle: Ohhh. Mais qu'est-ce que je vous ai fait ?
Gabor: Bien, vous m'inspirez. Je crois en votre chance. Il y a quelque chose en vous comme un fer à cheval, un trèfle à quatre feuilles. Mais si vous n'avez plus envie d'y croire, la sortie est là au fond du couloir et je ne vous en voudrais pas.

Adèle: Ca vous est déjà arrivé d'avoir très peur et du plaisir en même temps ?
Gabor: Oui.
Adèle: Quand ?
Gabor: Ce soir.

Adèle: Et alors ça vous a plu ?
Gabor: Evidemment.
Adèle: Evidemment.

Adèle: Enfin, si. Il y a un truc que je voudrais bien savoir : ça vous arracherez la chique de sourire de temps en temps

Adèle: Ca vous est jamais venu à l'idée qu'on pouvait vivre sans couteaux ?
Gabor: On peut vivre sans couteau, sans bras, sans jambe, sans vous, mais c'est moins bien qu'avec, quoi.
Adèle: Mais je vois pas le rapport... C'est complètement con comme réponse. C'est curieux comme vous pouvez avoir des absences, des fois.

Adèle: Voyez : pas besoin de couteau, il suffit que je me baisse pour trouver de l'or.
Gabor: Vous travaillez tout le temps, vous, ça vous épuise pas ?

Adèle: Allez, souriez, c'est les vacances.
Gabor: Mais, on n'est pas en vacances. On est perdu.
Adèle: Mais non. Ca, c'est parce que vous êtes défaitiste.

Gabor: Non, mais là, je vais lui laisser ma place parce que vous allez vous dévisser les cervicales.
Adèle: Mais, j'ai pas besoin de votre place, je regarde, c'est tout. Ces derniers temps, vous pouvez pas dire que j'ai fait beaucoup d'excès, hein.
Gabor: Mais, allez y, soyez pas timide. Avec un peu de chance, il vous prendra debout, sur une table, à la portugaise. Ce serait bête de s'en priver.

Adèle: Mais qu'est-ce que vous faites ? Vous avez quel âge pour jouer au train ? Vous cherchez quoi ?
Gabor: Je cherche ma voie.
Adèle: Regardez moi. Moi, j'y ai cru à vos histoires de chance, de trèfle à quatre feuilles, de tout sera facile, de Far Addibah. Moi, je vous ai fait confiance. C'est dégueulasse de faire ce que vous faîtes, d'essayer de décourager les autres, avec vos grands airs, vos trains, vos "je suis là, je suis plus là". Et puis votre genre proviseur à la con, à toujours juger les gens, à dire ce qu'il faut faire ou pas faire, c'est bien, c'est mal, tenez vous droit, levez le menton, mettez vous là.
Gabor: Moi, j'ai un genre proviseur à la con ?
Adèle: Un peu.

Adèle: Non, mais vous pouvez bouder, j'm'en fous. Et puis d'abord, j'ai pas demandé à venir. Seulement maintenant, vous m'avez emmenée jusqu'ici, faut plus me lâcher. Et puis la chance, je crois que je commence à m'y habituer et à vous aussi.
Gabor: Mais non, c'est pas possible.
Adèle: Si.
Gabor: Non, enfin, pas lui. Il vient de se marier. Il est dépressif. Il est grec.
Adèle: Il n'y en a jamais aucun qui m'a regardé comme lui. Il n'y en a jamais aucun qui m'a demandé si je préférais le côté droit ou gauche du lit, si j'avais froid, si j'avais chaud, si j'avais faim ou si j'avais soif. A part vous... peut-être, dans vos bons jours.
Gabor: Non, non, moi je ne vous ai jamais demandé si vous préférez le côté gauche ou le côté droit.
Adèle: Gauche.

Adèle: Vous. Et puis lui, y a à peu près que ça qui m'est arrivé de bien dans ma vie. Voyez, ça fait pas lourd.

Adèle: On fait comment : on se sert la main, on s'embrasse...
Gabor: On s'oublie.
Adèle: Je vous promets rien.

Adèle: Vous avez l'air d'un type qui va faire une connerie.

Adèle: Vous attendez quoi ? Que l'eau monte ? Vous avez vu, c'est pas facile, hein. On a l'impression qu'il suffit de penser à rien, de se laisser aller. Mais ces trucs là , ça marche jamais. Et puis les ponts, c'est pas tranquille comme point de chute. Il y aura toujours quelqu'un pour venir vous foutre des remords.

Adèle: Vous vous êtes cassé quelque chose ?
Gabor: Oh... Un tas de choses. Faudrait tout changer... mais ça vaut pas le coup. Ca reviendrait plus cher qu'un lanceur de couteaux neuf.
Adèle: Mais qu'est-ce que j'en ferais, moi, d'un lanceur de couteaux neuf ?

Adèle: On y va ?
Gabor: Où ça ?
Adèle: N'importe où. Partout où on ira, vous trouverez toujours un ou deux couteaux à me lancer.

Adèle: De toute façon, on n'a pas le choix : quand c'est pas moi qui saute, c'est vous. On peut pas continuer...
Gabor: Continuer quoi ?
Adèle: A pas être ensemble.

Shot in sumptuous black and white, replete with dizzy, swooping camera effects and gorgeous shots of Paris, Monaco, Athens and Istanbul, [the film] is like a pocket
anthology of your favorite foreign movies ... a meticulous cut-and-paste collage of a half-dozen half-remembered, dreamed-up movies by Godard, Truffaut and, above all, Fellini. A.O. Scott, The New York Times.

One film review

Director Patrice Leconte introduces us to Vanessa Paradis at the very start, intercutting shots of her lively face between the main titles. It is an irresistible face: expressive, open, fine-boned, and carrying a gap-toothed smile - the flaw that renders the whole totally disarming. Paradis plays Adèle, who believes that "making love is life," but hasn't yet learned the difference between making love and having sex. Adele suffers from low self esteem ("My ideas are always bad.") and has sex with almost any man who offers her attention. She is invariably disappointed and is discouraged to the point of leaping off of a bridge. Before she does, a stranger approaches, Gabor (Daniel Auteuil), who tries to talk her out of jumping. "Burned out women are my stock in trade," he tells her, "Trust  me, I'll make you somebody who laughs and takes life with ease."

Leconte tells the story of their love, framing it as a fable, exploring the nature of intimacy and passion. Gabor is a knife thrower and Adèle becomes his target, restoring his fading career in the circuit of circuses, casinos, and cruise ships. The stakes grow higher as dangers are added to the act - Adele covered with a sheet, Adèle spinning on a wheel, Gabor with eyes closed. And as the stakes grow higher, their passion becomes ever more intense; it is the intimacy of danger, vulnerability, and trust that charges the crackling electricity between them. They don't have sex (and Adèle's eye keeps roving), but in performing their act they find a profoundly sensual connection; that intimacy is as sexual as if their bodies were connected as one.

After each performance, Gabor gently bandages Adèle's scratches - Leconte's metaphor for the wounds that intimacy inevitably brings, but wounds that are  tended to by the caring lover, wounds that will heal.

Leconte intertwines themes about luck with the exploration of intimacy. "Luck takes willpower effort," Gabor insists, and at another point, "You don't take it, you make it."  Easy for him to say, perhaps, because Gabor is clairvoyant and telepathic. Suspicious casinos have banned him from the tables, but now Adèle acts as his surrogate. Together they prosper as they tour the European circuit. Gabor carries his tests of luck to dangerous extremes - he turns off the headlights of the car as they drive on a dark night. "Learn to lose or you'll take winning for granted," he cautions.

In beautifully composed black and white, Leconte follows the fortunes of Adèle and Gabor, each experience, each advance of the plot adding a twist o an insight into the connections between love and luck and destiny. Paradis is a marvel of natural charm, but it is the confluence of her performance and Auteuil's that is genuinely remarkable. In contrast with Paradis’s charmingly transparent openness, Auteuil's Gabor is at unfold, his vulnerability subtly emerges and the balance in the relationship becomes more complex.

With serious themes that might have resulted in a ponderous scenario, Leconte bouys the proceedings sustaining a tone of lightness. There is abundant wit and wry humor in the dialogue (screenplay by Serge Frydman). Even as Adèle is poised to leap from the bridge, the music in the background is a cheery cha cha rhythm. Choices of music throughout are surprising and apt, in particular Marianne Faithfull singing "Who Will Take My Dreams Away?" as the knives fly and the passion ignites.

While its Felliniesque touches inevitably evoke comparisons, Girl on the Bridge stands as a uniquely original and superbly accomplished work in its own right, surely one of the finest films released in the U.S. this year. - © Arthur Lazere

Another Review

It's ironic that a motion picture designed as mainstream, commercial entertainment in France will be viewed as an art house film during its American run. The movie in question is Patrice Leconte's The Girl On the Bridge, which made more than $20 million during its theatrical run in its native country (an astounding box office tally). However, because it is in black-and-white and has subtitles, the film has been acquired for U.S. distribution by Paramount's foreign and independent division, Paramount Classics, and will play primarily to upscale audiences who aren't intimidated by the  experience of reading while watching a movie.

The Girl On the Bridge follows standard romantic comedy guidelines with some interesting variations and rhythms.  There are those who will immediately assume that because the film is French, it must contain deep philosophical musings, but that's not really the case. Leconte, working from a script by Serge Frydman, tickles the underbelly of things like fate and chance, but he never does much with these weighty issues. They are present a plot devices; this is not a deep exploration of the existential aspect of humanity's nature. Instead, it's a quirky love story that appeals more to the emotions thanks to the intellect.

With the exception of a few supporting characters who make brief appearances, this is essentially a two-character movie. Adèle (Vanessa Paradis) is adown-on-her-luck young woman who is convinced that she is afflicted with a Midas Touch in reverse. She's as unlucky in love as she is in life in general. A compulsive sex addict, she sleeps with almost any man she has eye contact with, but she falls in love easily and has had her heart broken on multiple occasions. Eventually, after deciding that things aren't going to get better, she walks out on a bridge crossing the Seine and prepares to jump. That's when she meets Gabor (Daniel Auteuil), who changes the course of her life.

Gabor is a professional knife-thrower, and he offers Adèle an alternative to suicide: become his assistant (aposition which, he insists, might lead to the same end).She agrees, and the two begin a successful partnership.Of course, they fall in love, but neither admits it.Adèle continues her trysts with attractive men, and although she and Gabor never consummate their relationship, they develop a deep psychic bond (they can hold conversations over long distances) and their knife-throwing exhibitions mimic sex in every way possible (except that they're not touching). Best of all, when they're together, they have tremendously good luck. But, when their paths diverge, their fortunesbegin a downward spiral.

The Girl On the Bridge is undoubtedly an artistic endeavor, but it is in no way obscure. The central metaphor - that of knife-throwing standing in for sex is so obvious that it's impossible to miss (if nothing else, Paradis' orgasmic moans give it away). From avisual standpoint, The Girl On the Bridge is beautifully composed. The black-and-white cinematography isstunning. Leconte cleverly intermixes a variety of camera techniques ranging from the hand-held approach of cinéma véritee to the crane and helicopter shots of big studio productions. There are a large number of close-ups, but their placement is carefully chosen. Thecamera loves Paradis, and it's an experience to see herface gazing down from the big screen (especially sincethe movie was made in wide-screen). And Auteuil's features express emotions that his voice and dialogue never betray.

Of the two stars, the 40 year-old Auteuil is by far the better known performer. Next to Gérard Depardieu, he is arguably France's most recognizable leading man, having appeared in dozens of movies, many of which have received international distribution. His subtle,effective work in The Girl On the Bridge won him a CésarAward for Best Actor (his fifth nomination and second victory). Paradis, on the other hand, is not an established thespian. Her fame - and she is known  world-wide - comes primarily from her singing career.  Acting is a new field, but she acquits herself admirably, and it doesn't hurt that she has the kind of natural  charisma that can camouflage a host of minor flaws. Like her co-star, she received a Cesar nomination for her performance here; unlike him, she did not win.

The director, Leconte, has an international reputation.He is best known for a trio of features: Monsieur Hire, The Hairdresser's Husband, and Ridicule. The Girl On theBridge is different from all three, although its closest cousin is The Hairdresser's Husband. Both are romantic fables; however, there is considerably more heft and melodrama in the earlier movie. The Girl On the Bridge is lighter and more humorous. Upon its French release, Leconte was blasted by a number of French critics. His response, which disagreed with the assertion that a commercially successful motion picture could not have artistic merit, touched off the latest brouhaha in French cinema. As much as at any time in the past, the question of art vs. entertainment has become a source offodder for French critics and pundits.

If subtitles were not so feared in the United States, The Girl On the Bridge might become one of the summer's biggest hits - an unpretentious romantic comedy that revels in the exuberance of new love. However, because it is not in English, the movie will never reach a wide American audience. But, for those who aren't scared offby the thought of entertainment in a different language,  a rewarding experience awaits. The Girl On the Bridge is an appealing diversion. © James Berardinelli

Au lieu de questions sur La fille sur le pont
Votre traduction de la synopsis suivante:

"Vous avez l'air d'une fille qui va faire une connerie." Un pont de Paris, la nuit, une fille aux yeux embués, penchée au-dessus des eaux glacées de la Seine avec une grosse envie d'y noyer ses tristesses. Et puis derrière, un type surgit de nulle part, inattendu, intéressé. Il s'appelle Gabor, il est lanceur de couteaux, il a besoin d'une cible. Elle s'appelle Adèle, elle n'a jamais eu de chance, elle n'a plus envie d'insister ; et c'est vrai qu'à tout prendre, quitte à mourir, autant se rendre utile.

Il y a comme ça des modèles qui inspirent les artistes ; il y a des chances qui vous tombent dessus sans prévenir, au détour d'un pont, quand deux destins fêlés se rencontrent, que côte à côte ils deviennent les deux morceaux d'un numéro gagnant, une sorte de trèfle à quatre feuilles recollé. Et brusquement la vie se met à leur sourire. Les couteaux peuvent pleuvoir, les billes tourner sur les roulettes des casinos, ils peuvent traverser des mers ou des pays, marcher en équilibre au bord du vide, jouer leurs vies à pile ou face, tant qu'ils seront ensemble la chance les tiendra tous les deux par la main.

Mais la chance c'est fragile, c'est susceptible, ça vous quitte pour un rien. Il suffit de la contrarier, qu'Adèle et Gabor se tournent le dos, fassent un pas l'un sans l'autre, et la chance, ils peuvent faire une croix dessus. D'ailleurs il n'est pas impossible qu'un soir, sur un pont d'Istambul, vous croisiez un lanceur de couteaux qui ait envie de se foutre à l'eau. Et puis derrière, peut-être, avec un peu de chance, une fille viendra vers lui, une fille revenue de loin, et qui s'appelle Adèle et qui a besoin de lui : "Vous avez l'air d'un type qui va faire une connerie".

07. Harry un ami qui vous veut du bien (2000) - Un film de Dominik Moll

Les vacances de Claire et Michel s'annoncent plutôt difficiles. Entre leurs trois enfants, énervés par l'infernale canicule qui sévit sur la ville, et cette maison de vacances qui est en chantier depuis cinq ans, le couple est sur les nerfs. C'est alors qu'Harry debarque inopinément dans leurs vies, prêt à tout pour faire le bonheur de son ami Michel.

Quelques critiques
CPlanète - Jean-Luc Brunet
(...) un long métrage malin, toujours surprenant, où le malaise débarque de manière insidieuse. Parfaitement amoral, mais totalement réjouissant !

Première - Jean-Yves Katelan
(...) fantastique ? social ? suspense ? comédie ? Pendant longtemps, on ne sait pas sur quel pied danser, et pourtant, on danse !

Repérages - Nachiketas Wignesan
(...) un réseau de références cinématographiques avouées ou non - Hitchcock, Shining et Lost Highway. Elles conditionnent le spectateur, ravivent des souvenirs? Moll se réapproprie, sans complexes, ces univers (...)

Le Nouvel Observateur - Pascal Mérigeau
Une mise en scène discrètement virtuose, où chaque cadrage à son importance, chaque regard sa portée, chaque durée son sens, chaque geste son effet.

Positif - Olivier De Bruyn
Par la seule force de ses cadrages, du travail sur les échelles de plan (...), et surtout de la durée propre à chaque scène, Dominik Moll joue avec notre attente et nous entraîne dans les méandres de son récit avec une déconcertante habileté.

08. Western (1997) - Un film de Manuel Poirier

Synopsis
Deux hommes parcourent la Bretagne (à l'ouest de la France) ; deux étrangers solitaires qui vont devenir solidaires. Un Espagnol très Don Juan. Et un Russe qui aimerait plaire à une femme. Road movie contemporain narrant l'aventure d'une amitié, et des rencontres. Des portraits de femmes, et en cinémascope une Bretagne rurale "bout-du-mondesque".

... ou si vous préférez:
Quand Paco le grand Catalan rencontre Nino le petit Russe dans un Grand Ouest réduit aux dimensions d'un canton du Finistère... L'un plaît à toutes les femmes, l'autre aimerait plaire à une femme. Ils marchent et rêvent à haute voie sur les routes secondaires, et flirtent avec l'utopie d'un phalanstère plein d'enfants.

... et en anglais:
Poirier's approach to his work and its subject matter rests on this intimacy and a desire to be exposed to the life of a place and its people. Born fifty years ago in Peru, Poirier came to cinema through a long and unsusual trajectory. "I started out doing loads of different jobs, I was a factory worker, a prison visitor and a cabinet maker. After all, the most important thing at the end of the day is one's relationship with others, and curiosity, the need to live things." His films are characterised by this initmate concentration on relationships and friendship as well as by their loose, episodic and gradual narrative development. A road-movie, with its detours and chance encounters seems the ideal format for a filmmaker with Poirier's preoccupations.

"The idea behind this film had been in my mind for some years, "the director explains, "it's a story of two young strangers, very diferent from each other, in their personalities but also in their relationships with women and love. Bringing out their differences was both meaningful and interesting." But the most telling statement that Poirier could make about the overlap of life and art that his filmmaking is dedicated to capturing ? with the utmost delicacy - comes in his words, "For me, life is still more important than the cinema." Chris Darke

Interview de Manuel Poirier (France)

Bio express: Né le 17.11.54. Petits jobs de prolo. Assistant social. Réalisateur.

L'endroit est fumeur. Un lieu clos réservé aux intox. Une vraie cage, sordide, presque misérable, alors que le coin non-fumeur est aéré, séduisant, chaleureux.

Ségrégation des fonctionnaires de la Télé et de la Radio Publique autour d'une simple différence: les clopes. Dans cette haute tour blindée, perdue au milieu de nulle part, fourmilière de badges vivant sous l'oeil des caméras, me voici à rencontrer l'homme qui préfère vivre fumeur à la campagne, que non fumeur à la ville.

Celui qui filme un p'tit bout de Bretagne en Cinémascope. Manuel Poirier s'assoit donc sur un fauteuil en faux cuir un peu plastifié, couleur vert sapin. Le cendrier est en alu, pliable. Paquet de Lucky Strike à portée de mains. De l'importé.

On sent le voyageur, l'homme de passage, l'étranger. Outre l'accent, le même que le mien, il a son passeport dans la poche de sa chemise. Rose saumon. Le pull gris clair. L'élégance simple. Le bon goût dirait-on à Paris.

Poirier est peut-être le futur Césarisé 97. Ça ne lui déplaît pas. Qu'il fasse un cinéma épuré ne l'empêche pas de recevoir une certaine reconnaissance.

Après 500 000 spectateurs en France en moins de 3 semaines, son film d'amour et d'amitié vire au phénomène. Un OVNI de simplicité et d'évidence. Mais comment aborder un extra-terrestre?

L'interviewer: "J'ai vu votre film à Cannes, et hier je l'ai revu en séance de presse, ici, à Montréal. J'ai noté que deux scènes avaient disparu. Celle où la caméra s'élance en arrière puis fait effet de balancier, et l'autre dans le bar quand ils n'ont plus d'argent..."

Le réalisateur: "Il y en a même une troisième: quand ils passent devant l'affiche érotique..."

L'interviewer: "Ah oui! C'est exact maintenant que vous me le dîtes...alors pourquoi ces 3 scènes ont-elles disparu. C'est volontaire?"

Les réalisateurs sont courtois: ils félicitent les chiens savants, qu'ils soient acteurs ou journalistes. Donc il salue la qualité d'observation de l'interviewer...Western a bien eu 3 scènes coupées, par le réalisateur lui-même, à la demande du distributeur pour satisfaire les Américains. Le film leur semblait trop long.

10 minutes en moins (un détail quoi) et l'Italie, le Japon ont préféré acheter la version "courte". Personne ne semble remarquer la différence.

Poirier a accepté, à condition d'être le maître des ciseaux. La scène du bar éliminée, deux plans à peu près similaires se retrouvaient trop proches: il n'a donc gardé que celui avec la musique...

L'idée de WESTERN vous est venue comment?
C'est l'évolution d'un travail...

Par rapport à beaucoup de cinéastes vous avez commencé tard, sans faire d'école, pourquoi faire du cinéma?
Ca vient de mon adolescence...

Quels films vous ont marqué?
Bresson, Cavalier, Pialat...

Les portraits féminins de WESTERN sont très réalistes, pourquoi ces portraits de femmes?
L'homme se détermine par rapport à la femme...

C'est pas plus difficile à écrire qu'une simple histoire d'amitié masculine?
Je ne sais pas en réalité...

Vos personnages sont loin d'être riches, que pensez vous de l'argent?
Il existe un autre salut que celui là...

Autre thème très fort, c'est celui de l'étranger...
Nous sommes tous des étrangers...

Le message passe bien dans les salles?
C'est un vrai réconfort...

Il n'y a pas de coupable pour vous?
Je ne suis pas manichéen...

Un road movie sur un si petit périmètre, pourquoi?
L'esprit de contradiction...

Paco dit à sa première femme: "on dit mieux certaines vérités avec des mensonges"...êtes vous d'accord?
Oui, mais en amour seulement... © Volute productions 1997

Questions sur Western

1. Poirier révèle son origine péruvienne (i.e. du Pérou) non seulement par le choix de son sujet, mais aussi d’une autre manière. Quelle est cette autre manière?
2. Qu’est-ce que vous avez également noté d’inhabituel tout à la fin du film lors du déroulement des noms du générique?
3. En Angleterre, cette “fin des terres” s’appelle “Land’s end”.  C’est aussi un département français bien-nommé dans lequel Manuel Poirier a tourné son film. Quel est le nom de ce département?
4. Les 99 départements qui constituent la France sont numérotés alphabétiquement; exemple: 01 pour le département de l’Ain, 75 pour le département de la Seine (Paris).  Avez-vous remarqué sur la plaque d’immatriculation des voitures quel était le chiffre qui correspond au département  où a lieu l’action du film?
5. La France est également divisée en 22 régions, correspondant plus ou moins aux anciennes provinces d’avant la Révolution [1789]. Dans quelle province sommes-nous?  Quel dialecte [qui n’est pas du français] entend-on parler parfois dans les cafés?
6. Cette histoire, peu morale en somme, pourrait choquer certains. Quelle est en réalité pour Poirier la "moralité", i.e. le message de ce film?  Expliquez en anglais si vous le préférez.
7-10. Traduisez en anglais l’argument irréfutable de Paco:
“Il y a forcément une femme pour toi... Une femme amoureuse de toi, mais qui ne le sait pas encore. Je suis sûr que dans chaque ville de France il y a une femme qui tomberait amoureuse de toi en te connaissant. Quand je dis une femme c'est au minimum, alors quand tu comptes le nombre de villes qu'il y a en France, ça fait un potentiel énorme!

09. Milou en mai (1989)  - Un film de Louis Malle (1932-1995).

A Preliminary Note on the events of May ’68

They were two distinct groups with distinct motives and aspirations involved. On the one hand, there were the young people (students and others). Their social and economic importance had massively increased in France as it had in most other Western countries as a result of postwar demographic changes and of influence. The phenomenon of 'youth culture' had arisen in France, the United States and elsewhere, but changes in social relations had not occurred at the same time. On the other hand, there were the 'workers' who had not benefited as much as they felt they ought to have done from France's postwar economic success, particularly the expansion recorded in the ten years since De Gaulle had returned to power, either through an appropriate rise in their living standards or through new styles of management or labor relations. The analysis of the May Events in the cinema and elsewhere frequently turned on the relationship between these two groups and on the mise en scène of what have been called the new social actors

Synopsis
The portrait of an upper middle-class provincial family living in Southern France at the height of the lovely month of May 1968. While Parisians are rioting in the streets, the wealthy, patrician Vieuzacs gather at their ancestral home to bury the family matriarch. Mirroring the social revolution occurring in the French capital, the Vieuzac clan stir up trouble between the generations and, in the process, unconsciously destroy the last vestiges of their aristocratic way of life.

While national news can be heard on the radio, including De Gaulle's message and word of his departure from Paris, some family members want immediately to discuss what will happen to the estate. While waiting for the striking grave diggers, the group leaves the corpse in the house and goes out for a picnic. The sad family situation begins to seem like a party or a provincial version of the free-love and marijuana-smoking fun going on in Paris.

Milou en Mai is, of course, a satire as well as a pantheist ode to nature. Milou quotes Voltaire: "J'ai décidé d’être heureux, parce que c'est bon pour la santé." (I've decided to be happy, because it's good for your health.) Of course, are exalted the liberties of 1968, namely the rejection of sexual taboos. There are moments that remind us of classic scenes from Renoir's The Rules of the Games (1939), one of the most beautiful scene is, as in Renoir’s, an outdoor picnic. Yet, all this is caricatured: every character is a sort of archetype: Milou the sexagenarian in communion with nature; his niece, the lesbian Claire, who brought in her girlfriend; his sister, the doctor's wife, the reactionary little bourgeoise, ready to frolic in the hay with her former boyfriend while her husband-doctor is away; the pontificating journalist overcome by the events and whose wife of the moment is a de luxe hippy; there's also Pierre-Alain, Georges's son, the exalted student...

Louis Malle is a keen observer of French society and the “values” reflecting the hedonistic bent of what we call la France profonde (the "deep France", to copy the American simile), le fric (money), la bouffe (food), la "baise" (sex -  a word that must not to be confused with un baiser - a kiss). We’ll note also Malle’s environmental concerns and the importance that he gave to the scenery and the countryside.

Malle is also a satirist with provocative tendencies, leading to caricatures and clichés.

To be noted as well the influence of his co-scenarist, Jean-Claude Carrière, with his Buñelian heritage  (fable and onirism).

Review

Louis Malle's "May Fools" has a quality of mellow contentment. You feel in its images a sense of sunny embrace, a feeling of comfort and leisure and warm sensuality. You absorb it, the way you do the dappled light in the paintings of Renoir, or a clear, vivid day with a blanket laid out in the grass and wine rising in your blood. You bask in it.

The movie is Malle's homage to those pleasures we think of as particularly French, and in making it, he is working out of the most affectionate, the most humane part of his nature; it's his most easy-flowing,bountiful movie. The film's spirit is one of affectionate satire, and its style suggests a commingling of Chekhov and Mozart and both Renoirs -- the filmmaker, Jean, and his father, Pierre Auguste.

The story it tells is projected against the events of May 1968 when, all over France, a wave of radicalism threatened to leave sweeping social changes in its wake. The film's setting, though, is far away from the strikes and the riots and the free-thinking students who led them. At the rather ramshackle old country estate where the movie takes place, these upheavals are threatening only in a distant, abstract way. Life for Milou (Michel Piccoli), the amiable older son who presides over the house with help of the family matriarch (Paulette Dubost) and their meager staff, is as it has been for most of his 60-odd years -- peaceful, unstructured and geared to the rhythms of nature. But with the mother's death and the gathering of the clan for her funeral, Milou's world teeters as precariously on the edge of revolution as the rest of the country. Everywhere, change is in the air.

Though Malle and his co-writer, Jean-Claude Carrière, draw these comparisons for us, they don't force them. Most of the information about what's happening back in the city comes by way of broadcasts on a battered old radio that sits irreverently close to where the body of the old woman has been laid out, or from members of the family as they arrive. For years, most of the family has remained distant from the family home, paying little attention to the estate or Milou, its ne'er-do-well custodian. Each one, though, has his own designs on the place. Most of them are united in the feeling that for too long Milou has benefited from their generosity. His daughter, Camille (Miou-Miou), the pampered wife of a doctor and mother of three, begins immediately to go through her grandmother's jewelry, while his brother, Georges (Michel Duchaussoy), and their niece, Claire (Dominique Blanc), plot the sale of the house and the division of the profits.

Milou, meanwhile, looks on with horror, powerless as his way of life is systematically dismantled. Yet in the face of all this, a kind of giddiness overwhelms him. When Georges's son, Pierre-Alain (Renaud Danner), shows up, full of radical ardor and tales of a new order where people make love openly in the streets, "just for the pleasure of it," Milou's worries melt away. And the others are swept up in euphoria as well.

Suddenly, new alliances are being forged. The casual flirting that Milou has indulged in with Lily (Harriet Walter), Georges's younger, liberal-seeming English wife, takes on a new urgency. Claire's lover (RozennLe Tallec) takes up with Pierre-Alain, and Claire with the randy trucker who gave Pierre-Alain a lift. For a moment, they all lose their inhibitions. Picnicking under a tree, they drink wine and smoke pot and let their fantasies soar. And in that idyllic instant, something new seems to be dawning.

These sun-licked afternoon scenes have a dreamy lyricism and beauty; they're masterful in a quiet, understated way. Malle and Carrière poke gentle fun at the fatuity of this bourgeois play-acting, but they don't begrudge the characters their kicks. There's a marvelous scene in which the group, flying high from their indulgences and all that talk of free love, treat themselves to a rambunctious conga (which just happens to snake around the mother's body). And another in which Claire, as the militant front line in the new sexual revolution, takes off her blouse (in front of everyone) and offers her body for experimentation.

Malle has called "May Fools" a "divertimento," and throughout, his touch remains musical, delicate and precise. All the elements -- including Renato Berta's luxuriant images and Stephane Grappelli's kicky jazz score -- are kept in perfect balance. The acting too. At the center of it all is Piccoli's Milou, the rumpled hedonist, and this graceful, resonant actor gives him just the right touch of charming laziness and self-absorption. Piccoli is marvelously ingratiating in the role.

Milou has never quite grown up, and there's a paunchy innocence in his simplicity that makes him seem compatible to the new shifts in the culture. He's a natural flower child. Ultimately, though, what he comes to represent is the resilience of tradition and the status quo. After the storm clouds of radicalism have passed, very little of real consequence has changed. And earlier in his career, this might have provoked rancor in Malle. But there's a generous acceptance in the director's point of view. With age (and perhaps the distance of living part time in America), he seems to have come to peaceful -- though clear-eyed -- terms with his Gallic roots. The last section of the movie falters; at just the point when we need some resolution for his ideas, some sense of closure, the picture dribbles away into vagueness. But the movie's spirit is infectious; its effects are the same as those of Grappelli's music -- it makes your limbs hang looser, your soul unclench. If this isn't a great movie, it's a radiant, pleasurable, nearly great one.  - Hal Hinson

Another Review

The month in which Louis -Malle's "May Fools" ("Milou en Mai") takes place isn't just a any old May. It's May, 1968, when, for a few chaotic weeks, French society seemed on the verge of remaking itself —radically, comprehensively, and for good. Students were rioting: ripping up the ancient, narrow streets around the Sorbonne to create barricades of paving stones; occupying buildings that represented to them the official culture of which the French are so inordinately proud; filling the air with insistent demands for the reform of the national educational system, for the fall of a the conservative government of President Charles de Gaulle and Premier Georges Pompidou, or simply for anarchy. Seizing on the momentum of the students' protests, the unions and the parties of the left took the opportunity to bring the country's normal commercial life to a stand off. Most of France went on strike: banks closed, deliveries stopped, trains didn't run ; gas for cars was almost impossible to come by.

This amazing convulsion signalled to its participants the beginning of a revolution, yet many ordinary Frenchmen perhaps the majority—experienced it as a novel kind of entertainment: an unscheduled holiday, a few weeks of roughing it without the comforts (or the tedium) of bourgeois routine. They had the thrill, too, of feeling that great drama was unfolding around them, that the everyday reality of France was turning into the ultimate New Wave movie—heady, intense, exciting even when it wasn't as quite coherent, like something by Godard. (In our terms, France in May, '68, was a bizarre hybrid of the stark confrontation of the 1968 Democratic Convention and the idyllic noble-savagery of Woodstock.) When the dust cleared, De Gaulle was still in power, and France, with its usual unshakable self-confidence, went on about its business.

The characters in "May Fools" are far removed from the stirring street theatre of May, 68, but, like everyone else in France, they're affected by it nonetheless. All the action in this film takes place in and around a rather shabby estate somewhere in the countryside: a big, musty old house stuffed with antiques of dubious value and surrounded by land that was once a vineyard and is now just land. The lord of this spacious and useless property is Milou (Michel Piccoli), a genial man in his sixties. He has the look of someone for whom life has always been serenely uncomplicated. Under his extremely casual supervision, the family's fortunes have run downhill, but his relatives don't bother him much; they're scattered all over, escapees from the rural boredom that suits Milou so well, and they're glad to let him take care of his aged mother, the rambling house, and the unproductive land. Contentedly free from scrutiny, Milou lives the life of a lazy country sensualist: he keeps his bees, browns in the sun, and gropes the housekeeper. (When the roof needs fixing, he sells a Corot.) On the sunny May day when the story begins, his mother dies taking her last breath while she is slumped on a bench where children's dolls sit and Milou summons the rest of the family for the funeral and the reading of the will. As the relatives arrive, bringing cars, kids, lovers, and their own noisy personal agendas into the peaceful oasis of Milou's little world, the movie starts to take shape. There's a sense that things are about to change, both on the large scale of French society and on the infinitely smaller one of Milou's life; everything that has been allowed to bask, unchallenged, in happy inertia is going to be shaken up, forced to account for itself.

Malle and his co-writer, Jean-Claude Carrière, don't push the parallels too far. They use the upheaval of May, '68, very deftly: it intrudes on their comedy like distant thunder on a sunny day, and the threatened downpour of Meaning never develops - we get a cooling shower of light ironies instead. The movie sometimes evokes Chekhov (especially "The Cherry Orchard" and "Uncle Vanya") and somtimes the Jean Renoir of "The Rules of the Game." (Milou's mother is played by Paulette Dubost, who, fifty-one years ago, was the flirtatious maid Lisette in Renoir's film.) But it doesn't - really strive to be great. Malle and Carrière keep the tone airy and relaxed. "May Fools" just bounces along to the ???? musical rythm of its remarkable score, composed and played by the eighty-two-year-old jazz violinist Stephane Grappelli; the movie, like the music, has a delicate, joyful swing to it.

And the revolution that is apparently in progress all over France is part of the texture. Everyone who arrives at Milou's house has been closer to the events than he has, and has something to tell him about the historic turmoil beyond the boundaries of his estate. He listens, although he isn't terribly interested in the outside world: he doesn't even own a television—only an ancient radio, which is invariably switched on by someone else. His daughter, Camille (Miou-Miou), turns up fuming about the demonstrating factory workers she had to drive through to get to the house. A savagely uptight bourgeoise, with a doctor husband and three chidren, she believes that what the protesters need is "a firm hand" to slap them down; speaking of her grand-mother's death, she proclaims, inanely, "The revolution did her in." His brother, Georges (Michel Duchaussoy), a journalist, is a news junkie, who keeps his ears glued to the radio and talks only about politics. (He's a Gaullist, so he's nervous.) The arrival of Milou's niece, Claire (Dominique Blanc)—she's the daughter of his late sister—is delayed by the gas shortage. Late in the movie, Georges's son, a student named Pierre-Alain (Renaud Danner), drops in, having hitched a ride from Paris; he gives the family a fervent, lyrical eyewitness account of the revolution in the streets of the capital. "You can't know what's going on," he says. "It's completely new." Camille and Georges argue with him; Claire's young lover, Marie-Laure (Rozenn Le Tallec), is transported by Pierre-Alain and his tales of heroism, and becomes an instant convert to revolution (and hetero-sexuality). Milou doesn't look very attentive until the conversation turns to the sexual revolution. Pierre-Alain announces, "At last, people are making love for the pleasure of it," and the old satyr is all ears. He has been flirting seriously with Georges's young second wife, a hippie-ish Londoner named Lily (Harriet Walter); this is just the sort of talk he likes to hear.

The movie's central joke is that this aging, apolitical landed gentleman is in some sense an embodiment of the spirit of May, '68—not an enemy of the revolution but an unlikely cornrade. (At one point, he belts out a full-throated rendition of the "Internationale.") He responds instinctively to the irresponsible, anarchic aspects of the students' revolt: he has lived his whole life with the sole purpose of remaining a child—free to take his modest pleasures where he finds them, in the open air and the cool, familiar rooms of his boyhood home. When the other members of the family, led by his greedy daughter, express their eagerness to sell the property and divide up the contents of the house, Milou throws a tantrum. "I want to die here!" he shouts. "It's my right! No one can rob me of my childhood!" His innocence could be pathetic, but it never is. Piccoli, in one of the best performances of his long career, is so vigorous and radiantly good-humored that we can't feel sorry for him; and Malle, although he treats Milou with some irony, is always unmistakably on his hero's side.

This sympathy is a large part of the picture's charm; sometimes, though, that charm feels a bit too easy. When "May Fools" is at its best, it seems to vindicate the childlike spirit of Milou and to give the youthful ardor of May, '68, a poetic glow. Malle aims for, and mostly achieves, a graceful, drifting style, a mood of blissful sun-dazed inconsequence. When his touch falters, as it does in a few sequences toward the end, the movie verges on triviality: its concerns seem too small, its humor seems too cozily "Gallic," its point of view seems too mild and noncommittal. Its refusal to come to much could be taken, perhaps, as an ironic reflection of the ultimate lack of consequence of  the May '68, revolt—France returned to the (slightly reformed) status quo with alarming speed and efficiency. But that's strictly an intellectual justification: the film doesn't have to blow away like dust just because the revolution did.

As determinedly minor as "May Fools" is, it's enjoyable throughout. It's all moments, lovely flashes of intelligence and observation, and some are exhilarating: a closeup tracking shot of Milou riding his bike through the overgrown fields; a scene in which, for the entertainment of a grandchild, he catches crayfish by sticking his hands in a stream and letting the creatures clamp onto his fingertips; a beautiful scene in which Milou, on the night after his mother’s death, cries quietly in his bed and a small owl appears on his windowsill; a leisurely picnic on the grass, under a spreading tree, with the characters sprawled in a wide circle, and Milou announcing, a little drunkenly, "I haven't felt so young in thirty years—long live the revolution!" The gentle sort of liberation that Louis Malle proposes in "May Fools" seems, for an instant, to bridge the gap between 1938—when Milou felt young, and Renoir made his Popular Front film about the real Revolution, "La Marseillaise," and Grappelli was hitting his stride - and 1968, and even the gap between 1968 and our not very hopeful present. In this picture we can almost hear Malle, as he strolls through his memories of that May, singing to himself "Allons, enfants," very softly, a tender anthem.  - Terence Rafferty. © The New Yorker 66: 73-75 (July 16, 1990)

Questions sur Milou en mai

1. Vous l’aurez lu dans le polycopié: Milou en mai est tout à la fois une satire et une ode à la nature. A ce propos: a) quel philosophe Milou cite-t-il, et b) que dit-il pour justifier son désir de vouloir être heureux?
a)
b)
2. Traduisez en français cette remarque de Pierre-Alain: “You can’t know what’s going on, it’s completely new. {...} At last, people are making love for the pleasure of it.”
3. Pour Malle “Milou en mai” reflète l’aspect hédonique des valeurs de “la France profonde”. Celles-ci peuvent se résumer en trois mots d’argot. Quels sont ces trois mots?
a)
b)
c)
4. Quelle est la réponse de Milou à la question impertinente de Françoise:  “Pappy, qu’est-ce que c’est que la pilule?”
5. Malle a donné à cette famille le nom de “Vieuzac” adoptant la terminaison très commune des noms de famille en ?ac, telle que “Chirac”, du sud de la France. Cependant, si vous changez le “z” en “s”, quel nom obtenez-vous? Que vous traduisez comment en angais?
a)
b)
6. Nous sommes dans la France du sud-ouest, autrefois pays de langue d’oc. Deux personnages secondaires parlent français avec un fort accent languedocien.  Qui sont ces deux personnages?
a)
b)
7. Georges semble souffrir d’un petit problème chronique de santé, dont apparemment ne souffrent pas les jumeaux. Quel est son problème?
8. Plus sérieusement, Louis Malle traduit dans ce film son souci pour l’écologie et la sauvegarde de l’environnement. De quelle manière? (Expliquez en anglais)
9. Louis Malle a également ajouté à ce film léger quelques belles images bucoliques, démontrant son amour de la nature.  Pouvez-vous en citer deux?
a
b)
10. Trivia
Quel homme politique célèbre entend-on parler à la radio?
a)
Louis Malle (1932-1995) était le mari de quelle actrice américaine bien connue?
b)

10. Tatie Danielle (1990) - Un film d'Etienne Chatiliez

Synopsis

Tatie Danielle est une vieille dame acariâtre qui martyrise sa bonne Odile dans sa trop grande maison remplie de souvenirs. Elle ne semble retrouver de la tendresse que lorsqu'elle s'adresse à son mari défunt et à son berger allemand, qui répond au nom de "Garde à vous!". Pour toute famille, Tatie Danielle a des neveux et nièces très gentils, qu'elle mène par le bout du nez: Jeanne et son frère Jean-Pierre. Jeanne est célibataire tandis que Jean-Pierre est marié.  Catherine et est père de deux garçons. Tatie Danielle justement s'en va vivre auprès d'eux, leur rendant la vie insupportable: elle perd le petit garçon de la famille, elle maltraite le chien,  elle critique la cuisine et fait pipi au lit. Lorsqu'ils partent en vacances organisées en Grèce, elle est gardée par Sandrine. Lorsqu'elle est placée en maison de retraite, elle s'en échappera pour aller la rejoindre. Tatie Danielle est parfois si affreuse avec ses neveux que c'en est jouissif!

Critique de Ginette Vincendeau

Auntie Danielle is an elderly widow living in the provincial town of Auxerre. She is mean and tyrannical towards her aged maid Odile, and she heartily dislikes her relatives (great-nephew Jean-Pierre Billard, his wife Catherine and their two sons, Jean-Christophe and Jean-Marie, as well as Jean-Pierre's sister Jeanne). She confides her thoughts aloud to a portrait of her deceased husband Edouard. When Odile dies from a fall for which Danielle is partly responsible, the latter goes to live with her family in Paris.

The Billards' patience is sorely tried by life with Danielle, who hates the food they give her, is bored by the outings they organize, scoffs at gifts and wilfully loses their younger son in a park. The war of attrition escalates: Danielle makes herself sick on purpose and wets her nightgown in the presence of the Billards' dinner party guests. When the Billard family goes on holiday to Greece, a home help, Sandrine, is hired to look after the old woman. Danielle tries to bully Sandrine into submission, but soon discovers that her tactics do not work.

Sandrine and Danielle strike up a friendship of sorts, though Danielle refuses Sandrine's request for a  night off Sandrine goes out all the same and, out of spite, Danielle wrecks the apartment, smears herself with filth, eats dog food and sets the place on fire. Rescued, she becomes an overnight celebrity, while her relatives (still in Greece) are branded on TV and by the neighbours as uncaring monsters. After the scandal dies down, Danielle is sent to an old peopleís home, where she tyrannizes other female inmates. One Sunday, however, she vanishes; she and Sandrine are discovered having a great time at a skiing resort.

In the late 60s, Simone de Beauvoir wrote: "Old age is a problem on which all the failures of society converge. And this is why it is so carefully hidden." Times are changing, it seems, when a 1990 mainstream French comedy can tackle old age head-on via a cantankerous eighty-two-year-old heroine who behaves spectacularly badly.  Tatie Danielle is the second feature by Etienne Chatiliez, the director of the hugely successful "La Vie est un long fleuve tranquille" (Life Is a Long Quiet River).  This is not the quaint and romantic France so beloved of the British: people eat frozen convenience-foods, watch American soaps dubbed into French, read Barbara Cartland, and go on holiday in a Club-Med-type village in Greece complete with "reconstructed Cretan chapel".

Yet for French audiences, Tatie Danielle hits many familiar sore spots, such as the legendary meanness of he French provincial bourgeoisie and their obsession with inheritance, explored in literature since Balzac. The hypochondria of a medicine-obsessed, doctor-worshipping nation ("You know the doctor says no sugar") is touched on, as are racist habits like training dogs to attack black postmen. Most sensitive of all,  the film tackles the issue of how an increasingly aging population is to be dealt with, given the vicissitudes of hectic urban life: in other words, what is to be done with inconvenient grannies (and dogs). The dog is disposed of in classic Parisian fashion by being left by the roadside. As for the granny, her destiny appears to be the old people's home with its horror stories of emotional deprivation and out of control bodily functions.

This bleak and unflattering picture is unusual in French comedies, which have by and large invoked the nostalgic and the cute rather than the grotesque (as in the work of Jacques Tati, for example, or recent  films like "Trois hommes et un couffin" (Three Men and a Cradle) and "Romuald et Juliette". Etienne Chatiliez, however, touches on aspects of social reality most of us would rather not see on the screen, while still being extremely funny. This comedy - for instance, in the moment when Sandrine slaps Danielle,  and in the scenes in the old people's home - has affinities with the post-68 vitriolic humour of cartoonists like Reiser, who drew memorably mean OAPs [Old-Age Pensioner] and alcoholic wrecks. And yet, in the end, cuteness resurfaces, in the fantasy ending, for instance, or in the occasional transformation of Danielle from vile 'bitch' to the naughty girl who eats too many cream cakes and makes faces behind people's backs.

More fundamentally, Chatiliez's decision to extend the film's derision to all the characters, leaving no positive point of identification - except possibly the working-class Sandrine - defuses the impact of his satire. It is also unfortunate that the mockery, often very precise and sociological, as with the Billards' petty bourgeois tastes (their clothes, their passion for trendy cuisine, their language), has its reactionary side in, for instance, the treatment of the older son's homosexuality.

Ultimately, the film cannot decide whether Danielle is an ungrateful virago, the bane of a well-meaning (if silly) family, or a subversive vieille dame indigne, an unruly older woman who flies in the face of convention. The ending, in which Danielle is rescued from the old people's home by Sandrine. seems to favour the latter interpretation, but the rest of the film does not really support this. There is little explanation offered as to why an old woman should behave in such a manner, even though this is a film scripted by a woman and almost entirely played out between women, in which men are either dead (Danielle's husband) or absent from the screen. Catherine is seen at work in her beauty parlour (where she specializes in hair removal), for example, but her husband is not. It is the women who discuss, and tackle, the problem of caring for the elderly.

There are hints that sexual frustration, alluded to in the words of the song heard over the titles, the "Ballad of an Old Bitch"  and echoed in her passion for Barbara Cartland novels and TV soaps, may be one cause for Danielle's behaviour. In the old people's home near the end, the image of Danielle gazing out of he window for hours chimes with earlier shots of her peering from behind her curtains at the outside world, evoking a wasted life of appalling emotional isolation. Despite its upbeat ending, this dark quality casts enough of a shadow to make Tatie Danielle bitter rather than sweet. © Ginette Vincendeau, Sight & Sound.

 "Tatie Danielle"  [en traduction]'

Tatie Danielle est une veuve âgée qui habite [= vivant] à Auxerre (ville de province). Elle est méchante et tyrannique envers Odile, sa vieille bonne, et elle déteste [de tout son coeur] sa famille éloignée], son petit-neveu Jean-Pierre Billard, sa femme et leurs deux fils, Jean-Christophe et Jean-Marie, ainsi que Jeanne, la soeur de Jean-Pierre. Elle confie tout haut (= à haute voix) ses pensées à un portrait de son mari défunt, Edouard. Quand Odile meurt d'une chute pour laquelle Tatie Danielle est en partie responsable, celle-ci quitte Auxerre pour aller vivre à Paris avec la famille Billard..

Leur patience  est sévèrement mise à l’épreuve avec Tatie, qui déteste la nourriture qu'on lui sert, s'ennuie lors des sorties qu'ils organisent pour elle, se moque des cadeaux [qu’on lui fait] et perd délibérément leur plus jeune fils dans un jardin public.

La guerre d'attrition escalade: Danielle, exprès, se rend malade et souille [mouille] sa chemise de nuit en présence des invités à dîner des Billard. Quand toute la famille part en vacances en Grèce, une aide familiale, Sandrine, est embauchée pour s'occuper de la vieille tante. Danielle essaie bien d'intimider Sandrine à la soumission, mais elle découvre vite que sa tactique ne marche pas.

[Cependant] Sandrine et Danielle se lient plus ou moins d'amitié.  Bien que Tatie refuse à Sandrine sa demande d'[avoir] une nuit de congé, cette dernière sort quand même et, par dépit et malveillance, Danielle détruit l’appartement des Billard, se couvre de saleté, mange de la nourriture à chien et met le feu à l'appartement. Sauvée, elle devient du jour au lendemain, une célébrité, alors que son neveu et sa nièce [toujours en Grèce] sont stigmatisés à la télé et par leurs leurs voisins pour être des monstres sans coeur.

Une fois que le scandale apaisé, Tatie Danielle est envoyée dans une maison de retraite, où elle tyrannise les autres [femmes] pensionnaires. Un beau jour, cependant, elle disparaît ; on les découvre, Sandrine et elle, heureuses l’une et l’autre, dans une station de ski.

A la fin des années soixante, Simone de Beauvoir écrivait: "La vieillesse est un problème vers lequel convergent tous les échecs de la société. C'est pourquoi on te cache avec tant de soin"  Les temps sont en train de changer, semble-t-il, quand en 1990  une comédie française grand public peut aborder le sujet de la vieillesse de plein front via [= par le biais d'] une vieille femme acariâtre de 82 ans qui se conduit spectaculairement mal. "Tatie Danielle" est le second film d'Etienne Chatiliez, le directeur de "La Vie est un long fleuve tranquille", une comédie [qui a eu] un énorme succès.  Ce film n'est pas [une description de] la vieille France romantique tant aimée des Anglais ; [ici] les gens mangent de la nourriture surgelée [= du surgelé], regardent [à la télé] des feuilletons américains doublés en français, lisent [des romans de] Barbara Cortland, et vont en vacances dans un village de Grèce du genre Club-Med avec "chapelle crétoise reconstruite."

Et cependant, pour un public français, Tatie Danielle fait mouche sur maints [de nombreux] points douloureux et familiers, tels que:  a). la méchanceté légendaire de la bourgeoisie française de province et son obsession de l'héritage, explorée en littérature depuis Balzac; b). l'hypocondrie d'un pays obsédé par la médecine, offrant un culte aux  médecins ("vous savez, le docteur a dit pas de sucre"); c). certaines habitudes racistes, comme celle d'apprendre aux chiens à attaquer les facteurs Noirs. Point le plus sensible de tous, le film aborde la question de comment faire face à une population vieillissante, étant donné les tribulations d’une vie urbaine trop agitée. En d'autres termes, que doit-on faire des mamies (et des  vieux chiens) gênants? La question du chien est résolue à la manière parisienne classique, en le laissant au bord de la route. Quant à la mémère, sa destinée [= son sort]  semble être celui de la maison de retraite [= des "petits vieux"] avec ses histoires horrifiantes de manque affectif et de besoins corporels hors de contrôle.

Cette image sombre et non flatteuse est inhabituelle dans les comédies françaises, qui en règle générale font appel au nostalgique et au côté aimable et plaisant plutôt qu'au grotesque (comme dans les films de Jacque Tati), ou bien comme dans certains films récents, tels que "Trois hommes et un couffin" et "Romuald et Juliette". Etienne Chatiliez, cependant, touche à certains aspects de la réalité sociale que la plupart d'entre nous préfèreraient ne pas voir à l’écran, tout en étant restant extrêmement drôle. Par exemple, lorsque Sandrine donne une gifle à Danielle, ou encore dans les scènes de la maison de retraite, cette comédie s'apparente à l'humour vitriolique des années d'après 68 de caricaturistes tel que Reiser, avec leurs images mémorables d’épaves alcooliques et de retraités haïssables. Le côté comique et plaisant refait cependant surface en finale, par exemple dans la fin fantaisiste ou encore dans la transformation occasionnelle de Danielle, de garce infâme en vilain petite fille, qui mange trop de choux à la crème et fait des grimaces derrière le dos des gens.

Plus profondément, la décision de Chatiliez de se moquer de tous ses personnages, excepté peut-être de celui de Sandrine [de classe ouvrière], ne laissant ainsi aucun point positif d'identification, diminue l'impact de sa satire. Il est également dommage que la moquerie, souvent sociologique et très pointue [= précise], tels que les goûts petits-bourgeois des Billard (leur façon de s'habiller, leur raffolement de la cuisine à la mode, leur manière de s'exprimer), contienne son côté réactionnaire, de même que, autre exemple, la façon dont est traitée l'homosexualité du fils aîné.

Finalement, le film est incapable de décider si Danielle est une mégère ingrate, la peste redoutée d'une famille bien intentionnée (quoique [tournée en] ridicule), ou bien une vieille femme indigne et incontrôlable, qui lance un défi à toute convention. La fin du film, où nous voyons Sandrine venir à la rescousse de Danielle dans la maison de retraite, semble favoriser la seconde  interprétation, mais le reste ne supporte pas  cette hypothèse. Peu d'explications  nous sont offertes quant au pourquoi une vieille femme devrait se comporter ainsi [= agir d'une telle manière], même si c'est un film écrit par une femme et interprété par des acteurs qui sont presque tous entièrement des femmes,dans lequel les hommes sont soit défunts (le mari de Danielle) soit absents de l'écran. On voit, par exemple, Catherine au travail dans un salon de beauté (où elle se spécialise dans l'épilation), mais on ne voit pas son mari. Ce sont les femmes qui discutent, et abordent [entre elles] le problème du soin à apporter aux personnes âgées.

Il y a dans le film des indications qui pourraient suggérer que la frustation sexuelle, à laquelle font allusion les mots de la chanson,  "The Ballad of an Old Bitch", entendue lors du déroulement du titre et à laquelle fait écho sa passion pour les romans de Barbara Cortland et pour les séries télévisées, pourrait être une des raisons de la conduite de Danielle. Vers la fin du film, l'image de la vieille femme passant des heures à regarder par la fenêtre de sa chambre fait écho à une autre image [où on la voit] regardant de derrière ses rideaux la vie à l’extérieur, suggérant une vie gâchée et marquée par un épouvantable isolement affectif. Malgré sa fin optimiste, ce côté sombre projette assez d' ombre pour faire de “Tatie Danielle” un film où il y a  plus d’épines que de roses. © J. Garreau.

Questions sur Tatie Danielle

1-3. Pour des spectateurs français, nous rapporte Ginette Vincendeau dans sa critique, Tatie Danielle  fait mouche sur un certain nombre de points qui ne font guère honneur aux Français. Pouvez-vous en énumérer au moins trois?
a)
b)
c)

4-5. La critique de Chatiliez semble s'étendre à tous ses personnages, excepté, peut-être, à une catégorie de personnes qui est considérée de façon positive. Quelle est cette catégorie? Représentée par quel personnage dans le film?
a)
b)

6-8. Cette critique de Chatiliez est souvent sociologique et très précise. Elle s'attaque en particulier aux goûts petits-bourgeois de la famille Billard. Quels trois domaines particuliers sont visés?
a)
b)
c)

9-10. Quel est le titre de la chanson que nous entendons tout au  début du film?  Selon Vincendeau, qu'est-ce que les mots de cette chanson pourraient révéler de la façon odieuse dont se comporte Tatie Danielle?
a)
b)
         
11. Marius et Jeannette, 1997 -  Un  film of  Robert Guédiguian

Robert Guédiguian's quietly spectacular, unlikely love story unfolds in Marseille, with the most striking moments taking place in close-ups that frame the faces of Marius, a guard at a condemned factory, and Jeannette, a volatile checkout woman with two children by two husbands, one who abandoned her, one killed by falling scaffolding. In the bleak Marseilles economy, where a lack of jobs and a profusion of immigrants have sown seeds of racism and xenophobia, it is all members of the struggling working class can do to steal small moments of happiness. Living literally on top of Jeannette, in an upstairs apartment, a staunch forty something Communist, Caroline, shells beans and reads the lefty tabloid "L'Humanité"; Caroline's neighbor-erstwhile lover Justin reads "Le Monde Diplomatique," lecturing Jeannette's mulatto son Malek, who decides to observe Ramadan, on fundamentalism. This is a film of graceful moments, strung together, lingering long after the final credits: the hobbled Marius challenging Jeanette to a foot race along a dusty factory road, to a distant parasol; the pair breathing in the air under a clear blue Mediterranean sky after making love for the first time amid the cement factory's grassy ruins; Jeannette, Monique and Caroline buying Chinese silk underwear from Monsieur Ebrard, Jeanette's ex-boss at the supermarket, who fired her, then was fired himself after being caught stealing panties for his overweight wife--a woman so large, she wears through the crotch at an alarming rate, he tells the women, with all three doubled-over with laughter; Jeanette giving a blue-silk camisole set to her teenage daughter Magali, who says, "If I wore this out, I'd be pregnant by the time I got to the end of the street"; and concerned whispers, at half-time of a televised Marseille soccer match, when he stops--for his own tragic reasons-- joining Jeannette, Malek and Magali for dinner. What saves these people, what makes this movie so exceptional, is the sense of humor, unbending even as hydraulic cranes smash down the cement factory. Caroline complains when she learns the papal villa at Avignon is going to be declared a national historic site. "Why not make a factory a historic site?" she demands. Guediguian's brilliant, funny, unsentimental "Marius and Jeannette" gives the workers of the world a memorable monument. -- Sam Jemielity  NewCityNet Chicago, 06-29-98
 
L'histoire: Le Monde... Marseille... Quartiers Nord... l‘Estaque.
Marius et Jeannette sont au milieu de leur vie.
Marius vit seul dans une immense cimenterie désaffectée qui domine le quartier. Il est le gardien de cette usine en démolition.
Jeannette élève, seule, ses deux enfants avec un maigre salaire de caissière. Elle habite une minuscule maison ouverte sur une courette typique de l‘habitat méditerranéen. Ses voisins de cour, Caroline et Justin, Monique et Dédé, l‘encouragent avec force, éclats de rire et coups de gueule.
La rencontre de Marius et de Jeannette ne sera pas simple car, outre les difficultés inhérentes à leur situation sociale, ils sont blessés par ... la vie.
Le film décrit la renaissance de leur capacité à être heureux. Cette romance populaire se terminera bien car... Il le faut.  «Il faut ré-enchanter le monde.
Conte populaire de la vie quotidienne. Les personnages authentiques sont des touches de lumière qui viennent ensoleiller le quartier pauvre de l'Estaque. A travers des leçons de choses sur la religion, l'amour ou même la recette de l'aioli, Robert Guédiguian nous offre une tranche de vie. Nous ouvrant la porte d'une cour intérieure où des gens plein de vie partagent leur quotidien avec humour, sans pudeur, évoquant l'actualité (les grèves, Le Pen...), mais aussi leurs sentiments.

Le scénario -  Extraits :
Note d'intention hâtive :  Tout ce qui est petit étant par définition joli, il s'agit d'écrire un petit conte contemporain.
Marius et Jeannette ont quarante ans. Ils sont ouvriers et vivent à l'Estaque, le quartier de Marseille connu grâce aux impressionnistes (et aux films de Robert Guédiguian). Outre les difficultés liées à leur situation sociale (et le film en parlera abondamment), ils sont blessés par... la vie. Ce conte ne va décrire qu'une chose, la renaissance de leur capacité à être heureux.
Le récit se structurera dans deux théâtres : une usine désaffectée, immense, qui domine la mer, et une courette typique de l'habitat traditionnel du Sud.
Dans l'usine désaffectée, Marius vit seul. Dans la courette, Jeannette est "soutenue" par ses voisins, deux autres "couples". Ces deux autres couples nous permettront de parler de Castro, de Le Pen, de la déportation, des grèves, du foot et aussi... du favisme (maladie mortelle liée à l'ingestion de fèves fraîches).
Bien sûr, cette histoire se terminera bien car... il le faut.  Il faut ré-enchanter le monde.
 
Générique
Port de Marseille. Un globe terrestre flotte sur l'eau et rentre au port sur la chanson
«Il pleut sur Marseille, le port rajeunit
il pleut sur Marseille, Notre-Dame sourit
il pleut, eh oui il pleut, le soleil se languit
il pleut, beaucoup, un peu,
ma ieu m'en fouti,
ma ieu m'en fouti.... 

Entrevue avec Robert Guédiguian à propos de Marius et Jeannette.
Comment définiriez-vous votre film?
C‘est une histoire d‘amour. Pas Sissi et l‘Archiduc. J‘ai beau m‘évanouir devant Romy Schneider, les histoires d‘amour chez les riches, je n‘y crois pas. Ce sont des histoires de domaine, d‘alliance, d‘argent... De pouvoir. Non, une histoire d‘amour chez les pauvres, là où il n‘y a vraiment aucun intérêt en jeu dans le fait de vivre ensemble... Y‘aurait plutôt des soucis supplémentaires.
 
Pourquoi un conte ?
Parce que ce n‘est pas vrai. Que tout se passe aussi bien et aussi simplement que cela, c‘est faux. La vie n‘est pas comme cela. Et croyez-moi, j‘en suis conscient (sourire). C‘est donc une proposition, une envie de lumière, d‘air frais, de bonheur, malgré tout, possible.  La comédie, le burlesque, le mélodrame, bref les "contaminations stylistiques" sont là pour produire un enchantement, pour générer de la vitalité.

"L‘argent fait le bonheur" était déjà signalé comme un conte.
C‘est vrai.  Ce sont des films vifs, rapides, d‘intervention, de circonstances, qui, selon moi, doivent faire rigoler, pleurer et réfléchir. Des films de galopins, espiègles... Cela me fait penser à du théâtre berlinois, d‘Agit-Prop.
 
A propos du théâtre, la cour ressemble étrangement à une scène de théâtre.
Absolument. Les voisins de Jeannette constituent le choeur antique. Ce qui me permet d‘intervenir dans le débat crucial de la recette de l‘aïoli (1), de faire de la publicité pour l‘Humanité  (qui va mal) et pour Le Monde Diplomatique  (qui va bien), d‘insister sur le fait que voter Le Pen ne serait-ce qu‘une fois est une fois de trop, que les grandes religions monothéistes ont une origine commune... Bref, de situer dans son contexte actuel cette histoire d‘amour.
 
Vous ne trouvez pas que sur tous ces thèmes, vous êtes un peu ... hâtif?
Pire, je dis des évidences. Des choses compréhensibles, quoique non comprises. Pour qui je fais des film? Pour vous qui en savez long sur les risques de l‘intégrisme religieux, par exemple, ou pour des gens pour qui ce n‘est pas encore évident? Jusqu‘où doit-on être subtil? N‘y a t ‘il pas des choses qu‘il faut sans cesse réaffirmer sous des formes sans cesse renouvelée? L‘art n‘a-t‘il pas une fonction pédagogique, politique, sociale... Cela pose quelques questions qui, je crois, n‘ont pas de réponses définitives. Selon les moments de l‘histoire du cinéma, mais aussi de l‘Histoire tout court, les artistes répondent d‘une manière ou d‘une autre.  Ici et maintenant c‘est ma manière de répondre.
 
Que signifie pour vous le ballon représentant la terre qui arrive à l‘Estaque?
Cela signifie que toutes les histoires du monde peuvent se raconter n‘importe où... Cela signifie aussi que tout individu porte en lui tous les rêves du monde... Cela signifie aussi que l‘infiniment petit est infiniment grand...
(1) L‘ail est une plante qui prouve que les classes existent encore, au moins au niveau du goût.

Robert Guédiguian et Marseille
 «J‘aime Brecht, Capra, Pasolini et Ken Loach pour ne citer qu‘eux. Je ne travaille qu‘avec des amis qui partagent mon point de vue. Cela me permet de perpétuer ma tribu originelle. Comme tous les pauvres, la solitude me tuerait. Marseille est mon langage (lumières et couleurs, architectures et costumes, mer et collines, corps et gestes...). L‘art que j‘aime le plus est enchâssé dans la réalité. Voilà pourquoi je ne tourne qu‘à Marseille.»

Marseille, source d'inspiration ?
Voilà une question qui me laisse muet. Ce sont les "non-Marseillais" qui, peut-être, pourraient apporter des éléments de réponse. Certains l'ont fait de Flaubert à Cendars, en passant par Walter Benjamin et Albert Londres... Je suis né à Marseille. Cette cité ne m'inspire pas ; elle me fonde. Comme tous les Marseillais, mes origines sont mêlées : mon père est arménien, ma mère est allemande. Mais comme tous les Marseillais, aussi, mes origines me préoccupent peu. Lorsque je me demande qui je suis, je réponds : je suis un fils d'ouvrier né à l'Estaque dans les quartiers Nord de Marseille en 1953 (le quartier passe toujours en premier dans cette ville). Voilà mon identité, ma culture et ma morale. Et ma langue.
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Si l'on veut bien admettre qu'en cinéma comme en littérature, l'artiste travaille avec une langue qui lui est imposée parce qu'il ne l'a pas choisie et parce qu'elle l'a constitué, je dirai que Marseille est ma langue. Par exemple, si l'on me demandait d'écrire un court métrage dans lequel un vieux monsieur explique à un gamin sa passion pour la pêche, ce vieux porterait un bleu de chauffe repassé avec virtuosité et le gamin serait vêtu de son seul maillot de bain. L'enfant aux pieds nus serait kabyle, le vieux serait un ancien docker italien. Il enseignerait la pêche au sard et sous un soleil de plomb, il pousserait sa chaise à l'ombre d'un figuier sorti furieusement d'une roche blanche et sèche. Loin sur la mer, un pétrolier semblerait désolé. Enfin, bref, pas de pantalons de velours, de bottes en caoutchouc, de brochets, de peupliers, de prairies, ou même d'usines de pâte à papier. (Cette comparaison entre littérature et cinéma n'a aucune valeur théorique (les linguistes veuillent me pardonner) mais c'est un moyen commode d'illustrer mon sentiment. J'ajoute à cela que toute histoire peut s'incarner n'importe où. C'est ce "n'importe où" qui lui donnera son caractère unique. C'est probablement, et pour l'essentiel, de là que viennent les différences entre les oeuvres et je pense qu'il faut résolument préserver ces différences face à la prétention totalitaire des industries audiovisuelles de programme. Ce mot lui-même fait frémir . Un dernier mot : Jean Genet disait : "Ecrire, c'est trahir." Avec tout le respect que je lui dois, pour ma part, je voudrais écrire pour être fidèle.

Questions sur Marius et Jeannette

1-2. Je vous l’aurai dit en cours. Pourquoi, en toute probabilité, Robert Guédiguian a-t-il choisi le prénom de Marius?  Quel est en particulier le nom de l’auteur de L’eau des collines dont sont tirés les films Jean de Florette et Manon des sources ?
a)
b)
3. Typique de de nombreux films français souvent riches en allusions littéraires, à quoi Jeannette fait-elle référence dans la remarque suivante: “Je suis pas la fille de Jean Valjean, moi.”
4. Cette histoire est également un conte, un conte de la vie quotidienne. Fidèle  à ce modèle, comment le film doit-il finir?  Par exemple, quelle sera la profession de Malek et quelle sera la profession de Magali?
a)
b)
5-6. Pour Guédiguian, le globe terrestre que nous voyons flotter en tout début de film peut vouloir dire trois choses.  Lesquelles?
a)
b)
c)
7. Ce film utilise également nombre de stéréotypes: par exemple, pourquoi la référence aux Arabes dans l’exclamation de Jeannette?“T'i'es un ouvrier comme moi, non ! Qu'est ce t'i'en as à foutre de cette peinture, merde! Heureusement que je suis pas arabe, sinon tu m'aurais tiré dessus.”
8. Autre stéréotype: Caroline est censée être communiste. Donc, quel journal lit-elle? Son ancient amant, ancien instituteur d’école, lit forcément quel journal?
8. A quelle importante période de l’histoire française Caroline fait-elle allusion quand elle parle de ses “aventures” passées? (Je vous l’aurai dit en cours, pour décrire la même réalité, “an affair” devient “une aventure” en français.)
9-10. Ce film est en même temps (voir notes) une leçon de choses sur la vie. Quelles sont en trois mots, trois des “leçons de choses” que vous avez retenues de ce film?
a)
b)
c)

12. Chaos (2001) - Un autre film de Coline Serreau

Synopsis du film

Un soir, en conduisant en ville, un couple bourgeois, Hélène et Paul, est témoin d'une scène violente : Malika, une prostituée, est poursuivie par des truands. La jeune fille appelle à l'aide, tente de se réfugier dans la voiture du couple, mais Paul verrouille les portières du véhicule. Malika est alors tabassée et laissée pour morte sur le trottoir.  Le conducteur s'empresse de nettoyer sa voiture pour faire disparaître les traces de sang, tandis que sa femme cherche à savoir ce qu'est devenue cette jeune fille. Elle la retrouve dans le service de réanimation d'un hôpital parisien et la soutient dans sa lente résurrection, délaissant quelque peu son foyer. Mais les proxénètes qui ont agressé Malika n'entendent pas la laisser tranquille, et bientôt Hélène se retrouve impliquée dans une histoire qui la dépasse : elle entreprend de redonner goût à la vie à la prostituée et de la tirer des griffes de ses bourreaux.

ou encore...

Paul et Hélène vont à une soirée. Sur leur chemin, ils voient débouler une prostituée au milieu de la rue. Elle a peur, demande de l'assistance. Des mecs la poursuivent. Paul ferme les protières tandis qu'Hélène veut les ouvrir. La femme est battue sous leurs yeux et git comme morte dans le caniveau. Ses agresseurs s'enfuient. Hélène veut alerter le SAMU mais la police arrive et Paul décide de partir. Le lendemain, Hélène cherche dans les hôpitaux. Elle retrouve la jeune femme dans le coma. Sans en parler à Paul, elle va tout faire pour la ramener à la vie.

Critique d'Écran noir

Chaos est un film qui accouche dans la douleur d'une fin sereine réclamant un peu de bonheur. C'est un film de femme, sur les femmes, comme symboles de l'avenir du monde. Une oeuvre en mouvement perpétuel, rythmé par la sempiternelle musique entêtante, séduisante, contemporaine de Saint Germain.

Si la DV  est certainement moins bien utilisée (artistiquement ET cinématographiquement) que chez Téchiné ou Rohmer, on peut reconnaître à la réalisatrice Serreau de savoir filmer la vie, la pulsion d'une adrenalyne sans cesse croissante, et ces combats individuels que mènent chacune de ses femmes. Elles renaissent, flamboyantes, usées mais pas vaincues, à la recherche d'une justice et d'une liberté.

Surtout, elles gagnent. Elles s'affranchissent. Chaos est un film positif, optimiste, militant et donc parfois candide avec son sujet. Ce simplisme souvent observé dans le cinéma de Coline est aussi sa force. Cela lui permet de toucher le grand public avec des sujets aussi universels que la paternité, la famille, l'écologie.

Bien sûr, si les femmes ont le beau rôle, les hommes, eux, paraissent amorphes, stagnants, lâches, paumés, menteurs, imbéciles. Tandis que les femmes communiquent, se laissent emporter par leurs émotions, les mecs n'écoutent rien et se sentent dépasser par les imprévus. Ce coté caricatural pourrait nuire au film, si le père et le fils ne changeaient pas un peu vers la fin du film. Mais ce déséquilibre voulu installe d'autant plus la générosité des femmes et leurs qualités. Un parti pris loin d'être détestable et totalement justifiable.

Car, comme d'habitude, à l'exception de La Belle Verte, Coline Serreau a écrit une partition - un scénario - harmonieuse, dynamique, à plusieurs instruments. Silences et grosse caisse s'unissent. Les dialogues sont ciselés à merveille, avec de belles réparties très bien écrites. Les scènes se font écho ou symétrie, permettant de ne pas juger un milieu plutôt qu'un autre. Les personnages ont tous leurs failles, leur cynisme. Il y a une réelle humanité en chacun d'eux. Le culot de Serreau est d'avoir mélangé plusieurs histoires et d'en avoir fait une comédie qui fonctionne. A cela se rajoute un film policier et un drame social. La famille est un sujet pour le rire tandis que la prostituée devient l'élément tragique et le motif du suspens. Si ce n'est le quart d'heure explicatif au milieu du film, où l'on nous raconte toute la vie de Malika/Noémie, on ne s'ennuie jamais. Il est vrai que ce quart d'heure aurait pu avoir une autre forme. Ou ne pas être vraiment montré. Il s'agirait presque d'un film dans le film, qui atténue un peu le début fracassant de Chaos. On peut comprendre l'intérêt narratif de cette parenthèse, mais cela déstabilise un film porté par un duo, et l'oriente clairement en faveur de l'un des personnages. Ca reste du cinéma... Quelques invraisemblances et cette histoire qu'on nous raconte nous le prouvent à chaque instant.

A ces nuances près, le film est divertissant, intelligent, et franc.

Personne n'est épargné : SOS Racisme, le système bancaire, les réseaux de prostitution, ... La finesse d'observation, toutes générations confondues, de l'auteur permet une psychologie vraisemblable à travers des personnages grand public.

Les acteurs sont idoines avec leurs rôles. Mettons en avant le gros bidon de Lindon (élevé à la Kro) et ses tics nerveux adéquates, la palette d'émotions de Catherine Frot (merveilleuse), la tristesse mélancolique de Line Renaud (en petite vieille touchante), la beauté imbécile et androgyne d'Aurélien Wilt, et bien entendu la détermination farouche et belle de Rachida Brakni.

Le casting est en parfaite symbiose avec un scénario qui leur fait de beaux cadeaux.

Toute séquence a son importance. On ne perd pas le fil au milieu de ce film chaotique et frénétique.

Serreau sait ce qu'elle veut montrer : la libération de la femme, la mère comme la pute. ©  Vincy   

One review

Coline Serreau’s Chaos is never quite sure of what it wants to be. The story of a Parisian woman who becomes involved with a prostitute fleeing a gang of pimps, the film could easily be summarized as a cat-and-mouse thriller. On the other hand, it’s also the comical story of the same woman’s bumbling husband and son, who ? once she takes off on the lam with her new hooker companion ? can’t perform even the simplest household tasks without female supervision. And yet, more than anything else, it’s a social drama about seemingly powerless women fighting back against a male-dominated society that physically and psychologically beats them into submissive roles. Wildly careening between crime drama, French farce, and woman’s picture, the film frequently seems to be on the verge of splitting at the seams. But even if Chaos is hampered by a desire to be all things to all people, Serreau’s nimble touch bestows this schizophrenic genre pastiche with an infectiously zany verve.

Hélène’s (Catherine Frot) loveless marriage to Paul (Vincent Lindon) comes to a head when, while returning home from an evening out on the town, a hysterical hooker (Rachida Brakni, in a mesmerizing debut performance) throws herself on the hood of their car while attempting to escape a trio of savage attackers. Instead of trying to save the woman, Paul instinctively locks the doors, thus allowing the men to finish dishing out their brutal beating. When the assailants are done, Paul ? a paragon of twenty-first century male insensitivity ? is more interested in cleaning his windshield of prostitute blood than tending to the savagely beaten girl lying next to his shiny new sedan.

Paul’s callous inaction, however, is the last straw for Hélène, who promptly abandons her husband and son Fabrice (Aurélien Wilk) -  chauvinists who believe that women are primarily useful for sex, cooking, and ironing (in that order) - and takes up residence in the hospital where the injured streetwalker, Noémie, now lies comatose. Hélène dedicates herself to nursing the girl back to health, but soon finds that the men who brought Noémie to the brink of death are intent on finishing the job. Desperate to protect her newfound charge, Hélène helps Noémie escape the clutches of her pursuers, and the two take temporary refuge at the seaside home of Paul’s oft-neglected mother. Once she is fully recovered, Noémie recounts her miserable life story to Hélène, a tale that includes her father’s attempt to sell her to a wealthy Algerian, her strung-out time on the streets trading sex for money, and her use of stock-market savvy and feminine wiles to con a dying millionaire out of all his money. Noémie and Hélène, although forced to endure different types of male-propagated suffering, are clearly kindred spirits.

As the two women plot their revenge against those who have done them wrong, Chaos’ elaborate story begins to resemble Serreau’s anxious digital video camerawork and frantic cross-cutting, which reaches an apex of high-flying nervous energy during the extended flashback sequence in which Noémie narrates her ludicrously convoluted past to Hélène. But the recurrently absurd shifts in tone, rather than sabotaging the narrative’s cohesiveness, instead give the film a dissonant, madcap energy that does much to smooth over the screenplay’s two-dimensional characterizations of women as victims (or sly feminist avengers) and men as egotistical dolts whose subjugation of women masks a desperate reliance on them. Serreau takes pleasure in launching into narrative flights of fancy  - there’s nary a plausible moment in Noémie’s stock-trading escapades -  and it is the film’s greatest asset that the story doesn’t tidily conform to the rigorously logical demands of reality.

Still, for all its inspired lunacy, Chaos can’t stop harping on the narrow-minded idea that the only relationships between men and women are functional business transactions, where the pimp/whore dynamic is synonymous with that of husband/wife and boyfriend/girlfriend. As a result, the film’s commentary on women’s secondary position in modern society holds no resonance; it’s as unbelievably cartoonish, and yet not nearly as pleasurable, as the film’s humorous subplots (the best of which involves the two-timing Fabrice getting his just deserts at the hands of his fiancé and paramour). The unreasonably drawn out finale finds everyone getting what they deserve (for good or ill) and learning some pat lessons about life and love. But the fun isn’t in Serreau’s heavy-handed affirmations of estrogen power,  it’s in the story’s restless, realism-be-damned chaos. A film review by Nicholas Schager .

Comme travail écrit: traduire en anglais les trois paragraphes suivants:

Un soir, en conduisant en ville, un couple bourgeois, Hélène et Paul, est témoin d'une scène violente : Malika, une prostituée, est poursuivie par des truands. La jeune fille appelle à l'aide, tente de se réfugier dans la voiture du couple, mais Paul verrouille les portières du véhicule. Malika est alors tabassée et laissée pour morte sur le trottoir.  Le conducteur s'empresse de nettoyer sa voiture pour faire disparaître les traces de sang, tandis que sa femme cherche à savoir ce qu'est devenue cette jeune fille. Elle la retrouve dans le service de réanimation d'un hôpital parisien et la soutient dans sa lente résurrection, délaissant quelque peu son foyer. Mais les proxénètes qui ont agressé Malika n'entendent pas la laisser tranquille, et bientôt Hélène se retrouve impliquée dans une histoire qui la dépasse : elle entreprend de redonner goût à la vie à la prostituée et de la tirer des griffes de ses bourreaux.

Les rapports hommes-femmes vus par Coline Serreau
" Les rapports entre les hommes et les femmes aujourd'hui se compliquent. Ce sont deux mondes qui ont toujours eu beaucoup de mal à se rencontrer à part de la sexualité, mais je crois que le fossé s'agrandit entre eux. Autrefois, les uns et les autres menaient des existences distinctes. Ils se rejoignaient peu, ou dans des circonstances codées. A présent, hommes et femmes, nous avons les mêmes droits civiques, professionnels, économiques (ou presque). Nous allons dans les mêmes lieux, nous avons les mêmes métiers, les pères s'occupent plus des enfants, même bébés. Et pourtant tout se passe comme si l'inconscient n'avait pas encore intégré les changements survenus. "

Coline Serreau, politiquement incorrecte "
"l y a un certain nombre d'années que je veux parler des femmes du Maghreb et recentrer le débat là où il se trouve vraiment. J'ai voulu en finir avec le discours politiquement correct qu'on nous sert à ce sujet et que je ne supporte plus. Ce n'est pas être raciste que dire qu'en France deux cultures s'affrontent : l'occidentale et l'islamique. D'ailleurs, ce n'est pas l'Islam qui est en question, mais l'oppression des femmes dans un Islam mal interprété. Les femmes maghrébines sont opprimées, maltraitées par les hommes de leur communauté. Mais elles n'ont pas le droit de le dire, pas de lieux ni de médias où le dire, car ce n'est pas politiquement correct de le dire. "

13. La Promesse (1996) - Un film de Jean-Pierre et Luc Dardenne (Belgique)

Synopsis
Les rapports père-fils à travers Igor, quinze ans, apprenti mécanicien et fou de karting, et de Roger, qui trafique dans l'immigration clandestine. Igor, impliqué dans les combines de son père, ne se pose pas trop de questions, jusqu'au jour où, à cause d'une promesse, il va devoir choisir. Mais peut-il dire la vérité sans trahir son père ?

.. ou en plus détaillé:  La loi du père, la loi du fric

Avec La Promesse, les frères Dardenne ont pris le risque d'un cinéma aux prises avec une réalité aux dérèglements explosifs. Et leur film est passionnant.

Sans concession aux modes socialistes et autres engagements toutes boîtes, leur récit nous plonge dans l'univers glauque des magouilleurs du noir, ces trafiquants de chair à labeur, nous montrant que leur morale du profit est bien de notre monde.

Abandonnant très vite le cadre étroit du constat pour sa mise en cause pratique, ils filment le processus d'une rupture sociale en mettant en scène, chez Igor, l'apparition du refus de l'ordre " naturel " des choses et ses conséquences libératrices.

 Et c'est l'une des premières qualités de La Promesse: s'attaquer au gluant " c'est comme ça " de la normalité. Pour La Promesse, il n'est pas normal que nos vies aient un prix, s'échangent contre de l'argent, clandestinement ou au grand jour, que le profit dicte sa loi, justifiant jusqu'à l'inacceptable. Pas normal qu'un père soit propriétaire de son gosse, joue des pleins pouvoirs jusqu'à le battre et que chacun y voie comme une preuve d'amour mal torchée. Pas normal que la règle du chacun pour soi justifie que l'autre crève ou devienne pareil à soi, un hybride d'exploiteur-exploité, prototype schizophrénique de l'homme de la rue, dont le père d'Igor n'est jamais qu'un exemple parmi d'autres. Pas normal enfin que cet isolement crépusculaire et glacé, où la glauque majorité se calfeutre comme elle peut, garantisse encore son amour du confort jusqu'à la cécité totale.

Face à la banalisation de la misère, les frères Dardenne font du refus le premier pas d'une alternative dont Igor va découvrir et expérimenter le possible immédiat.

En filmant, et avec quelle intelligence, l'argent et les rapports qu'il impose, ils vont à l'essentiel, sans détour et sans faux fuyants. Plus qu'une réflexion, c'est la présence physique, palpable du fric qui rend insupportable l'asservissement des êtres humains à des comportements aberrants et destructeurs.

Ensuite, en liant la loi du fric à la figure du père, ici rendue avec une rare présence, ils s'en prennent à l'ordre même qui fonde notre social. Ils filment le père pour ce qu'il est, une expression douloureuse et détestable du maître et de l'esclave.

Aussi quand Igor abandonne son père enchaîné et, pour la première fois, fonde sa parole en lui disant " ferme ta gueule ", les frères Dardenne ne pouvaient être plus clairs. Ils nous disent une chose essentielle. Le refus d'Igor est la seule rupture possible, qui le place d'emblée dans un autre rapport au monde. L'acte de refuser est déjà une réponse à la misère.

Ce faisant, Igor pose presque la question de ce que serait notre vie sans le pouvoir de l'argent et la poigne du père. J'écris presque parce que La Promesse ne va pas jusque là. Le risque pris par les frères Dardenne d'une parole hors norme reste encore timide et retenu, comme si à manipuler cette dynamite du refus, ils avaient eu peur de conduire leur propos jusqu'au bout. De là sans doute cette fin ouverte où soudainement nous revenons au banal du fait divers et ratons l'universel, ce rapport immédiat au monde.

N'empêche. La Promesse secoue, et bien, et nous ramène à des questions qu'ailleurs nous avons trop tendance à oublier et à faire oublier.  Philippe Simon  (octobre 1996)

Ajout:  Entretien avec Jean-Pierre et Luc Dardennehttp://www.cinergie.be/cinergie/arch01/dardenne.htm

" Notre cinéma est un regard sur notre époque  "

Cinergie : Quelle est la genèse de La Promesse ?

Jean-Pierre Dardenne : C'est assez complexe. Ce n'est pas vraiment nous qui sommes allés vers un sujet, c'est d'abord un sujet qui est venu vers nous. L'exploitation de la main-d'oeuvre clandestine est une pratique de plus en plus répandue en Europe occidentale, la situation économique et les rapports Nord-Sud allant en s'aggravant. On voit le tissu social se défaire, notamment à Seraing, là où on a tourné, une région industrielle où le taux de chômage est élevé, où la débrouillardise a pris le dessus sur des réseaux traditionnels de solidarité et d'entraide. Ce climat a imprégné nos réflexions et servi de préliminaire à notre histoire.
Un fait divers nous a également marqué. Un groupe de Burkinabés, arrivé à Bruxelles d'où il devait partir pour Cararre, en Italie, afin d'y travailler dans les carrières de marbre, a attendu en vain le transporteur et s'est retrouvé livré à lui-même.

Par ailleurs, lors des repérages de notre film précédent, Je pense à vous, nous avons rencontré un type qui faisait le métier de Roger. Il nous a tout raconté parce qu'il pensait qu'on aurait pu utiliser l'un des endroits où il faisait vivre des clandestins, ce qui lui aurait rapporté de l'argent supplémentaire. En gros, c'était un imbécile qui a voulu faire le malin car il a vu que nous étions des gens de médias. C'était aussi un cynique total, un bandit, sous les dehors d'un Monsieur-tout-le-monde. Il personnifiait le mal dans sa banalité, convaincu de bien agir parce que, logeant ces types dans des conditions déplorables, il leur permettait d'avoir une adresse et, à l'époque, d'avoir accès à l'aide sociale. Tout en leur demandant, comme dans le film, d'aménager le gros bâtiment dans lequel il habitait. Tout cela sert de contexte quasi documentaire sur lequel vient se greffer l'initiation du fils.

C. : Votre cinéma, c'est un cri d'alarme?
J.-P. Dardenne: On pense que le cinéma a aussi une fonction sociale. L'oeuvre d'art possède un impact sur le monde d'aujourd'hui. En tant que spectateurs, c'est ce cinéma-là que nous voulons voir.
Luc Dardenne : Notre film porte un regard sur ce que peuvent devenir les membre de la classe ouvrière qui s'est complètement décomposée suite à la crise de la sidérurgie. Que le film soit un document sur notre époque, tant mieux, mais nous avons d'abord réfléchi à partir du triangle père-fils-étrangère. On a voulu raconter comment un fils se sépare de son père, en quelque sorte une image de lui-même, pour aller vers l'autre, qui lui fait confiance et vis-à-vis de qui il se sent progressivement redevable.

C. : La mort d'Hamidou arrive assez tard...
J.-P. Dardenne : Nous voulions prendre le temps d'introduire le spectateur dans le monde du travail clandestin et dans les rapports qui se créent entre les personnages. Cet accident, que personne n'a prévu, fait un peu partie du traitement "documentaire" de la première partie du film. Par hasard, on est là quand il se produit.

C. : La fin ouverte s'est imposée à vous dès l'écriture du scénario?
L. Dardenne : Le parcours du film, c'est celui d'Igor. L'histoire de quelqu'un qui commet le mal en toute innocence jusqu'à qu'il se sente coupable et dise la vérité, qui n'était évidemment pas dans la promesse faite à Hamidou. Une fois qu'il a dit cette vérité, le film est fini, ce que deviennent ensuite les personnages, c'est autre chose. On prend ceux-ci à un moment donné, on les suit quelque temps et puis on les abandonne, on les laisse poursuivre leur vie.

C. : Comment avez-vous travaillé votre mise en scène qui est proche du documentaire?

J.-P. Dardenne : Nous nous sommes donné des contraintes, celles imposées par la réalité, au sein desquelles nous avons inventé. Nous avions fait le pari de ne pas modifier les lieux, ce que nous sommes parvenus à respecter à une exception près.

L. Dardenne : On a travaillé plus à la brosse qu'au pinceau. On avait, au départ, des axes généraux qu'on a confrontés à la réalité, à l'espace, au jeu des acteurs, aux besoins de la mise en scène. On voulait que le corps de Roger, qui suffoque son fils, soit constamment un élément qui fasse barrage au fils: on cadrait le visage d'Igor caché par l'épaule de son père, etc.

C. : Igor n'est pas un loubard baraqué mais un adolescent qui semble fragile...
J.-P. Dardenne : On voulait qu'il soit à la fois un enfant et un adulte. Durant le casting, Jérémie Renier était très peu bavard, beaucoup de choses passaient dans son visage par des mimiques, des attitudes. Un jeu intérieur qui va de pair avec un côté nerveux, très physique. Igor est un jeune mécanicien, ce n'est pas un garçon des rues. Son personnage s'est vraiment décidé lorsque l'on a fait les essais de vêtements. Quant à Olivier Gourmet (Roger), c'est sa banalité qui nous a intéressée, son côté un peu quelconque, le fait qu'il n'ait pas la "gueule" d'un acteur. Il a l'air sympa, il a une bonne bouille.

C. : Comment analysez-vous votre parcours comme réalisateurs de fiction, depuis Falsh, en 1986?
L. Dardenne : Avec Falsh, on avait essayé de filmer un texte. C'est dans le cadrage, je crois, que nous avons le plus évolué. Dans ce film-là, et même encore dans Je pense à vous, on cadrait de manière neutre pour qu'entrent les personnages sans comprendre que c'est la chose cadrée qui fait le cadre. Dans la Promesse, on a fait l'inverse, on n'avait pas de découpage: c'est le corps de nos personnages, leur déplacements, qui nous donnaient le cadre.

Propos recueillis par Michel Paquot  (octobre 1996)  - © Cinergie, asbl

-- et, s'il le fallait, en anglais:

There is a childlike euphoria that comes over Igor's (Jérémie Renier) face as he and his friends run a noisy, traffic-impeding go-cart down the busy city streets. But Igor is far from the image of a naive innocent oblivious to the ways of the world. At the age of fifteen, he has left school, works as an apprentice at a service station, and assists his father, Roger (Olivier Gourmet), in running an illegal immigrant smuggling, housing, and construction racket. The film opens to a revealing portrait of the underhanded, opportunistic Igor as he steals an elderly woman's wallet under the pretense of fixing her car, and then sends her away on a fruitless trip to recover the missing item. After taking the money, he buries the wallet behind the shop, and casually returns to the garage where he is learning how to weld. His halfhearted attempt at an honest vocation is again cut short, this time, by the sound of Roger's car horn, impatiently summoning him to help "process" the latest group of illegal immigrants: collecting their passports in order to forge residence and working papers; renting out cramped and unsanitary rooms in a dilapidated tenement for exorbitant fees; hiring them to work for substandard wages at his construction business. Among the group is a woman named Assita (Assita Ouedraogo) who, along with her baby, has come to Belgium in order to join her husband Amidou (Rasmane Ouedraogo). However, their reunion would prove to be short-lived. After receiving a telephone call that officials are scheduled to conduct an inspection at their worksite, Igor leaves the service station in order to outrun the authorities and send the workers away. In his haste, Amidou is critically injured when he falls from the scaffolding, and, in his final words to Igor, asks the young man to look after his wife and child. Fearing prosecution, Roger ignores Igor's pleas to take Amidou to the hospital for proper medical attention and instead, covers his body with canvas and leaves him to die. As Roger then plots to send Assita away and figuratively bury the memory of their shameful complicity, Igor finds his allegiance tested between his devotion to his father, and his promise to a dying man.

Jean-Pierre and Luc Dardenne create a caustic, poignant, and harrowing portrait of maturity, accountability, and sense of duty in La Promesse. Shot in natural environment using cinema-verite styled camerawork, the jarring, visually unpolished appearance of the film reflects the raw, emotionally honest, and often disturbing examination of the dehumanizing plight of illegal immigrants, and a young man's evolution towards compassion and acceptance of personal responsibility. As Igor hands over the keys to his beloved go-cart to a friend, he not only relinquishes the vestiges of his childhood, but also accepts the consequences of his culpability. Inevitably, it is this triumph of the conscience - the courage to show humanity in the face of intolerance and cruelty - that redeems his misguided life. © Acquarello 2001.

Questions sur La Promesse
1.  Quelle promesse Igor fait-il à Amidou?
2.  Avant de le rejoindre, dans quel pays d’Afrique de l'ouest, Assita,  la femme d'Amidou vivait-elle?
3. Comment i.e.  au moyen de quels deux stéréotypes, qu’il imite de son père, les réalisateurs nous montrent-ils qu’Igor n’est encore qu’un jeune adolescent qui essaie d’agir comme un homme?
4. Selon vous, que veulent nous communiquer les deux réalisateurs lorsqu' Assita examine les entrailles du poulet qu'elle a égorgé ou encore lorsqu'elle fait appel au devin africain pour découvir la vérité sur le sort d'Amidou?
5. Tout au cours du film nous voyons en parallèle la passion du jeune Igor pour son go-kart. Vers la fin  du film, dans une scène capitale qui symbolise son passage de l’adolescence à l’âge adulte, nous voyons Igor renoncer à son go-kart.  Quelle est cette scène et où ( dans quel endroit précis) a-t-elle lieu?.
6-10. Traduisez le commentaire suivant de Luc Dardenne expliquant la fin ouverte du film:  "Le parcours du film, c'est celui d'Igor. L'histoire de quelqu'un qui commet le mal en toute innocence jusqu'à qu'il se sente coupable et dise la vérité, qui n'était évidemment pas dans la promesse faite à Hamidou. Une fois qu'il a dit cette vérité, le film est fini, ce que deviennent ensuite les personnages, c'est autre chose. On prend ceux-ci à un moment donné, on les suit quelque temps et puis on les abandonne, on les laisse poursuivre leur vie."

14. La veuve de Saint-Pierre (The Widow of St. Pierre) - Un autre film de Patrice Leconte

L’histoire
La tranquillité de Saint-Pierre, une petite île française au large du Canada, est troublée par un assassinat sauvage. Le coupable, Neel Auguste, est très vite arrêté et condamné à mort. Mais à Saint-Pierre, point de guillotine ni de bourreau. Le gouvernement français promet d'y remédier. En attendant, Auguste est placé sous la surveillance du capitaine. La femme de celui-ci s'intéresse de près au sort de Neel, en qui elle voit bonté et simplicité. Elle décide de se battre pour obtenir sa réhabilitation.

.. ou dit autrement:

Saint Pierre (& Miquelon), en 1850. Un crime absurde est commis. Neel Auguste, coupable, est condamnée à mort. Mais St Pierre, ville-île de pêcheur, est paisible et n'a pas de guillotine...  En attendant cette "veuve", le prisonnier est gardé par le Capitaine et sa femme. Les deux lui montreront le chemin de la rédemption, quitte à se brûler au désir et au pardon. Quitte à faire voler en éclat leur amour absolu... C'est l'histoire de trois personnes prises dans le tourbillon de deux passions, autour d'un même coeur, d'une même femme... d'une veuve.

Patrice Leconte, à propos de l'histoire :
« Il y a avant tout une histoire d’amour magnifique, bouleversante, avec sa part de vertige. L’héroïne n’est pas une femme partagée entre deux hommes, façon Jules et Jim, mais une femme qui, avec les troubles et les doutes qui sont les siens, va conduire son mari, dont elle est extrêmement éprise, et l’homme qu’elle protège à leur perte. »

Homework Assignment:

After viewing The Widow of Saint-Pierre and read the following "avis des spectateurs”, please give -  en français, bien sûr! - your own opinion of the film.

En français:

La tranquillité de Saint-Pierre, une petite île française au large du Canada, est troublée par un assassinat sauvage. Le coupable, Neel Auguste, est très vite arrêté et condamné à mort. Mais à Saint-Pierre, point de guillotine ni de bourreau. Le gouvernement français promet d'y remédier. En attendant, Auguste est placé sous la surveillance du capitaine. La femme de celui-ci s'intéresse de près au sort de Neel, en qui elle voit bonté et simplicité. Elle décide de se battre pour obtenir sa réhabilitation.

La Veuve de St Pierre est un drame passionnel. Il déplaira à ceux que le cinéma "qualité française" répulse. Il séduira les inconditionnels des histoires d'amour tragiques. Il réconciliera enfin ceux qui vont au cinéma pour les grandioses paysages (inédits) et les stars "bigger than life".

Au delà de ses indéniables qualités artistiques (photo, cadre, musique, costumes, décors...), le film repose sur un scénario plein de sous entendus et de non dits, d'enjeux et de discours invisibles - toute l'intelligence du script est là. Le poids des images compte bien plus que le choc des mots. Certes il y a de l'esprit dans le verbe, et on retrouve même cette fuite vers l'Angleterre (symbolisant une fois de plus la liberté) chère à Ridicule. Car étrangement, La Veuve (double sens ici : la Guillotine et la Capitaine) est comme une suite au film triomphal de Leconte. De ses détails (cheval fougueux pour l'homme, usage des fleurs pour la femme) à sa généralité (les idéaux républicains remplacent l'utopie démocratique), ce film n'est qu'une conséquence aux inconséquences des révolutionnaires, à 70 ans près.

Les propos humanistes, et cette condamnation à mort sur la consicence, font de ce film une oeuvre louable sur la tolérance et le pardon, le droit de vie (plus que le droit de mort). Ici, les vrais assassins ne sont pas jugés. L'erreur ne serait pas humaine. Malgré les travaux d'utilité publique, l'héroïsme du condamné, et l'oeil de Caïn omniprésent, la sentence ne bougera pas d'une lame; jusqu'à l'obstination bête, jusqu'à l'effet pervers de punir ceux qui ont défendu le prisonnier.

Bien qu'il y ait un coeur qui bat chez la geolière, un élan républicain et solidaire dans la population, bien que le meurtre soit stupide (la nuance entre gros et gras donnant lieu à découper le lard), rien ne sauvera l'étranger...

Il est incarné par un brut de brut Kusturica, charismatique et énigmatique, le regard absent et implorant les cieux de lui expliquer le sens de son acte. Autour de lui, un couple idéaliste, amoureux, unit jusque dans la séparation, à jamais fusionnel; Auteuil et Binoche habitent ce duo avec un naturel désenchanté qui émeut. Leurs regards sont lourds de signification. [...] ? Vincy

... et en anglais:

Although The Widow of Saint-Pierre explores metaphors of imprisonment, freedom, and exile, the film is very much the director's (Patrice Leconte) philosophical and impressionistic illustration of the human soul's journey in search of redemption. The director's use of camera movement along with the composition of the film's land and seascape clearly expresses this idea.

The story takes place in 1849, in a small fishing village, Saint-Pierre, off the coast of Newfoundland. Characters, Neel Auguste and Louis Ollivier are two fishermen who while in a drunken stupor commit a brutal and senseless murder. Island soldiers, under the command of a new Parisian Captain, Jean , quickly apprehend the two men. During their trial, remorsefully, Neel and Louis give an honest account of the murder and as a result, Neel is sentenced to the guillotine and Louis to time in prison.

The landscape of the town is very hilly and rocky and as the two convicted men ride shackled in the back of a wagon to their respective fates, the camera violently shakes as it pans across the stoic faces of various town people. This camera movement is giving an inner account of the two men's fear and the hilliness of the town is suggestive of the precarious existence of the poor town people of Saint-Pierre. While in route to prison, a vengeful mob kills Louis and because Saint-Pierre doesn't have a guillotine, Neel has to wait three months for one to arrive from Martinique.

During that waiting period, the captain's wife, Pauline (Juliette Binoche), helps Neel work toward redemption through a series of good deeds, sobriety, and education. Pauline takes on Neel's case like she takes on the overall harsh and barren landscape of the island, with a passionate love for life. The director conveys this idea by Pauline's attempt to grow flowers in her lifeless and infertile backyard. And, also in the way he films her, fearlessly treading across a snowy desolate landscape, with Neel pulling a sled, struggling to keep up with her.

Surprisingly, Neel isn't the only character seeking redemption: through cryptic dialogue and knowing glances, we know that Jean and Pauline were sent to Saint-Pierre in exile; but, the circumstances regarding this matter is purposely made unclear in the film. However, what is very clear is their ever growing love and devotion for one another, symbolically illustrated by what appears to be the only green and fertile area on the island, a place where they go to lie on the grass and talk about Neel's pending doom. This oasis-like area on the island is also metaphorically suggestive of their redemption as well.

The Widow of Saint-Pierre gives a blatantly bias opinion in regard to the death penalty; however, the film asks and to a certain extent answers tough questions regarding rehabilitation versus punishment. The director's use of the film's seascape symbolically illustrates Pauline's passionate feelings on the subject, in a scene where Pauline and Neel are in a cove on the beach and she fanatically urges him to escape, while water violently crashes up against sharp protruding rocks.

Like the fog that periodically blankets various scenes, The Widow of Saint-Pierre is a complex and mysterious film, which understands more so than it seeks to be understood. It understands that sometimes even 'good' people do things that defy logic. It understands that forgiveness doesn't come cheap and it understands that when we aid in the redemption of others, we redeem ourselves.